Acabamos de dejar atrás el tiempo de las torrijas, del color morado y las estridencias de los pequeños instrumentos de metal. Algunos (seguramente muchos), por razones diversas, respirarán aliviados al volver al silencio o al ruido del tráfico. Sin embargo, quizá podamos esbozar, muy brevemente, una idea que nos ha parecido interesante observar en torno a la Semana Santa donde el aspecto sonoro y musical tiene un importante papel.

Aunque pueda parecer una obviedad, es posible que no seamos del todo conscientes de que el tiempo en el que vivimos nos permite acceder al ritual sagrado desde una escucha no condicionada ya por el hecho religioso. La propia Iglesia se ha encargado de banalizar sus ritos hasta permitir una observación y una experiencia muy lejanas a su origen. Convertir en motivo turístico el hecho religioso no es la única razón para que esta posibilidad de escucha se produzca, pero lo cierto es que hoy los sonidos del ritual se presentan al oyente con el atractivo de lo sagrado, de lo mágico, y sin embargo son fácilmente percibidos sin la carga del dogma y sin el requisito básico y esencial de la fe para el que fueron conformados originalmente. No es raro que el no creyente quede sobrecogido ante el sonido de una campana en medio del silencio de una procesión, o que una saeta sea experimentada como un canto en el que el dolor no necesariamente esté lanzando un mensaje de devoción. Preguntemos a las varias decenas de miles de tamborileros de las tamborradas de Hellín por su sentimiento religioso, origen de esta tradición en la localidad albaceteña. Seguramente nos sorprenderá más encontrar a quien lo defiende por ese lado que –como diría uno de nuestros más conocidos “sonadores”- por el de la “inmersión sonorreica”, el del éxtasis sónico.

Desde un punto de vista antropológico moderno, la explicación teórica resulta más o menos sencilla: el rito siempre lleva, en alguna forma, a sacralizar; a evidenciar y consagrar unos valores que conducen a que su eficacia social sea renovada. No es necesario que detrás exista una formulación teológica, un sistema de creencias. Así, cuando a esto sumamos que el origen religioso del rito se va difuminando, de algún modo se desactiva no lo que de mágico se inscribe en el ritual, sino el hecho religioso concreto, el que pertenece a un sistema de creencias que conforma una religión. Así, podemos escuchar la campana del cofrade casi con el mismo tipo de sobrecogimiento que escucharíamos la de un monje tibetano.

Para terminar un poco más ligeros, mostramos una curiosidad que hemos encontrado en la red, en forma de anuncio, por si alguien quiere llevar un pedacito de “sonido santo” a su casa:

Y por cierto, damos fe de su buen sonido, que puede escucharse en el siguiente audio:

Gracias a la web del National Film and Sound Archive of Australia (NFSA) es posible acceder a la mayor fuente de información de la historia visual y sonora de Australia. Se trata de su archivo audiovisual nacional y actualmente es el resultado de tres décadas de riguroso trabajo de compilación del patrimonio cultural del país. Su objetivo principal es preservar y compartir la herencia audiovisual y señalar la riqueza y diversidad de la cultura australiana en todas sus formas. Por su marcado carácter divulgativo, la web es bastante intuitiva para quien decida bucear entre sus secciones y ofrece recursos online para docentes y estudiantes. Además, podemos navegar libremente sin necesidad de registro.

El NFSA incluye más de 1,9 millones de archivos agrupados en distintas secciones: cine/películas, archivo sonoro, televisión, Indigenous connections, documentos, historias orales y radio.

De esta ingente cantidad de ítems, 334.000 corresponden a archivos de audio.

La colección sonora abarca  casi 120 años de historia en forma de sonidos y aglutina material de los más diversos estilos y formatos: desde grabaciones de música popular de principio de siglo, pasando por discursos políticos, entrevistas y bandas de pop-rock, hasta grabaciones experimentales, trabajos etnográficos y sonidos de la naturaleza y la vida salvaje.

Este archivo sonoro se subdivide a su vez en varias categorías, cuya descripción aparece detallada en la página web:

• Sounds of Australia
• Early Record Sleeve Art
• Soundcloud
• Waltzing Matilda
• Our Heroes of the Air
• Australian Jazz Archive

Adentrándonos en cada una de estas subsecciones encontramos testimonios sonoros que han sido de especial relevancia en la historia de Australia, bien por sus implicaciones para la cultura musical/sonora, bien por su repercusión social.

Estos audios están preparados para escucha en streaming y gran parte de ellos viene con una breve explicación que permite al usuario ubicar en el tiempo y el espacio el ítem consultado.

Como no podía ser de otra manera, hay una especial atención a la cultura y expresiones artísticas de la población indígena. Así, el equipo de NFSA trabaja con estas comunidades para garantizar la pervivencia de su cultura trabajando a partir de los medios audiovisuales. Perspectiva diacrónica y antropológica, sin perder de vista nunca el poso social ni su contexto.

Para consultar información acerca de los casi 1,9 millones de archivos podemos utilizar las bases de datos que ofrece la propia página web. Resulta especialmente útil echar un vistazo a Australia Screen Online, ya que ofrece la posibilidad de encontrar clips de vídeo y audio atendiendo a diversos criterios: década, título, tipo de archivo, mapa de localización…  Aquí podemos encontrar grabaciones tan interesantes como cantos indígenas, música tradicional o los hits que han marcado un antes y un después en el público australiano. Algunos de estos archivos sí están disponibles para descarga siempre y cuando estén exentos de fines comerciales.

No es de extrañar el gran reconocimiento internacional de este inmenso archivo, pues –como decíamos antes- más allá de una perspectiva diacrónica que nos permite ampliar nuestro universo sonoro, ofrece una visión antropológica que, sin duda, nos ayuda a comprenderlo un poco mejor.

Navegando por la red, hemos encontrado un interesante, valioso y diverso archivo audiovisual, iniciativa del Museo Chileno de Arte Precolombino.

Es necesario mencionar que el archivo está al alcance de cualquier persona que tenga acceso a Internet, desde cualquier punto del planeta, además de ser totalmente gratuito y que no requiere de registro previo.

Pues bien, las categorías en las que se divide son en audios, vídeos y fotografías.
En el apartado de audios –preparados para audición en streaming y también para poder ser descargados-, encontramos una gran cantidad de música indígena chilena organizada por subcategorías geográficas, incluyendo instrumentos de la cultura popular de Chile que, por desgracia, son unos grandes desconocidos. Es el caso de la trutuka, instrumento de viento muy habitual entre el pueblo mapuche originario de Chile y Argentina; o la makawa, un membranófono de doble parche.
En este mismo apartado de audios, se puede acceder a distintas grabaciones completas recopiladas a partir de la música popular de esta parte de Latinoamérica. También es posible reproducir diferentes registros sonoros recogidos en numerosos eventos comunes que se celebran en Chile.

Por otro lado, en la categoría de vídeos, a través de distintos registros que nos aproximan desde una perspectiva antropológica, podremos acercarnos tanto a la cultura autóctona como a otras zonas del continente americano. En este caso también encontraremos el archivo organizado en subcategorías, cada vídeo con un pequeño comentario y en algunos casos incluyendo la posibilidad de descarga.

Por último, existe otro apartado dedicado a la fotografía con más de 3000 documentos relacionados con los pueblos originarios de Chile y de América, arquitectura prehispánica e importantes colecciones fotográficas, incluido un apartado de fotografías libres de derechos.

De modo que desde Sul Ponticello, os animamos a que curioseéis este interesante archivo audiovisual que nos ofrece de forma libre el Museo Chileno de Arte Precolombino, dando al visitante la oportunidad de acercarse de una forma muy directa a las diferentes expresiones de la cultura chilena y, por extensión, de la latinoamericana.

• http://www.precolombino.cl/recursos-educativos/archivo-audiovisual/

Desde que se instauró el anglicismo de cultura aural en el contexto de la lengua hispana como reflejo de los Visual Studies anglosajones, ha habido distintas tentativas de academizar e institucionalizar este término bajo términos como Sonic Studies, Aural & Visual Studies hasta que finalmente parece que el término Sound Studies ha llegado para quedarse.

Mediateletipos surge en paralelo a estos estudios en los que se mezclaban disciplinas como la estética, la antropología, la musicología y etnomusicología, la economía política o los estudios sobre la tecnología y la identidad; todo ello con el objetivo de estudiar el sonido, el arte sonoro y las cultura musical desde un marco contextual a la resonancia de distintas teorías y escuelas de pensamiento.

En 2013 se celebró lo que sería la puesta de largo de este tipo de estudios en Berlín. Con la colaboración de Audiolab, mediateletipos se desplazó hasta Berlín para cubrir el evento, dando lugar a la siguiente reseña.

Posted by José Luis Espejo

Entre los días 4 y 6 de octubre fui a cubrir como parte de Audiolab el primer seminario europeo de estudios de sonido (ESSA), y además de algunas entrevistas, realicé esta crónica o reseña que se publica originalmente en el blog de Audiolab y que pego a continuación.

Cuando uno se sobrepone a la visión terrible de la reconstrucción del Palacio Imperial de los Hohenzollern, y a lo que ello significa, se acerca a la universidad Humboldt de Berlín, gracias a Audiolab y con la ayuda de NK Project, con la curiosidad propia, la desconfianza justa y las expectativas marcadas sobre que puede suceder en el 1º encuentro de la Asociación Europea de Estudios del Sonido (ESSA). ¿Qué pretende la universidad fijando, con resonancia esplendorosa, las distintas metodología trans-disciplinarias que se han arremolinado en los últimos diez años alrededor de lo que suena?

Lo que aparecía como un máster aquí, una asignatura allá, y una especialización en algún sitio más, se ha ido dibujando como metodología académica comparable a los Visual Studies, con sus cabezas visibles y sus temas troncales.
En el caso de ESSA, si tuviéramos que hablar de un tema central, deberíamos hablar de la transducción como centro del desarrollo de buena parte de los estudios presentados allí. Quizá se deba al desarrollo de este concepto que Jonathan Sterne realizó en Audible Past. Y quizá por esto hubo citas y más citas a este investigador a lo largo de Funtional Sounds, que en sus momentos más interesantes, revisó, amplió e hizo explotar el significado de transducción.
Esta idea expone que a un nivel estructural, la reproducción de sonido es poco más que la transformación de vibración en electricidad. Según el libro, también fundacional, Soundscape of Modernity de Emily Thompson, esta transducción eléctrica ha cambiado nuestra manera de escuchar y pensar lo que suena o el mundo a partir de sus resonancias. En el caso del trabajo de Thompson, esta transducción, al introducirse en la arquitectura de los teatros mediante la amplificación, cambió para siempre nuestra idea de resonancia hasta cambiar también las arquitecturas aurales, haciendo que el aislamiento anti-reverberante se entendiera casi como una necesidad.

La introducción de Functional Sound a mano de Holger Schulze, organizador del encuentro en su papel de coordinador del Sound Studies Lab, celebraba la transdiciplinaridad como una vía para el estudio teórico del diseño sonoro. No parece casualidad el tema elegido para el primer encuentro dado que el diseño y el branding sonoro comienzan a ganar posiciones dentro del ambiente académico y comercial. De hecho es posible que el ascenso de estos modelos de mercado, capitalización e instrumentalizació de los sonidos, sea algo que nos preocupa a todos.

Douglas Kahn realizó la conferencia de apertura a la vez que la presentación de su nuevo libro Earth Sound Earth Signal: Energies and Earth Magnitude in the Arts. El autor del histórico (y de difícil lectura) Noise, Water, Meat: A History of Sound in the Arts (MIT Press, 1999) y coeditor del más accesible e interesantísimo Wireless Imagination: Sound, Radio and the Avant-garde, (MIT Press, 1992), presentó un análisis desbordado del sonido en la cultura llevándolo, no ya a sus principios estructurales, sino a sus principios físicos. Kahn planteaba que el ascenso del electromagnetismo en la ciencia del s. XIX facilitó otras formas de pensar el sonido y que fue precisamente de la suma del electromagnetismo y la acústica de donde surgió la transducción.
De aquí se lanzó a analizar las relaciones del sonido con la humanidad como una fuerza entrópica, rozando y citando en algunas partes de su conferencia algunos principios de la Ontología Orientada a Objetos, es decir, la filosofía que trata de pensar los fenómenos del mundo sin situar la experiencia y existencia humana en el centro de ellos.
Desde este planteamiento de la física, las relaciones del sonido y del campo electromagnético por el que se transmite no son menos interesantes. Kahn exponía que este magma electromagnético es un espacio fundamental para la expansión neo-colonial, al hacer la tierra más pequeña. Las telecomunicaciones basadas en la transducción del sonido en electricidad, han hecho posible otra idea de imperio. De algún modo podríamos hablar de una política y una cultura sin hilos (wireless culture).

La otra keynote vino a cargo de Jason Stanyek, que se centró en algo aparentemente insignificante pero con connotaciones desproporcionadas: El control activo de ruido por cancelación. Estos sistemas son los que hoy llevan desde auriculares hasta teléfonos móviles, y que se desarrollaron para los auriculares de avión. Lo que hacen estos sistemas es captar el sonido que sucede dentro y fuera de la copa del auricular, y emitir unas frecuencias opuestas que cancelen la percepción de este sonido.

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Este feedback inverso, se convierte en una defensa del oído, una barrera que vende el confort y el aislamiento como su mejor valor. Según Jason Stanyek, además del confort, este tipo de dispositivos están poniendo en valor la tranquilidad silenciosa (quiet, que se traduce a la vez como tranquilidad, privado reservado, reposo).
Por último Stanyek repasó el mito de Ulises y las sirenas, tantas veces usado en la cultura de la escucha, pero especialmente en lo que se refiere a los auriculares en el texto de Michael Bull Thinking about sound, proximity and distance in western experience the case of odysseus walkman. El enfoque de Stanyek, sin embargo, se centra mucho más en la idea de crear tapones que nos aíslen del ruido como onda, no tanto en la de crear una experiencia estética audiovisual a partir de la música escuchada en los auriculares.

Dada la organización del seminario, uno debía elegir entre distintas mesas, por lo que no sería justo juzgar el interés de las distintas charlas. Así que sólo destacaré una que me resultó realmente interesante a nivel personal. Se trataba de Melissa Jan Drie, investigadora que trabaja junto con Karin Bijsterveld en la Universidad de Maastricht y que ha desarrollado su estudio sobre el uso de los estetoscopios.
En esta ocasión venía a mostrar sus estudios en el Teatrophone, un dispositivo que permitía, antes de la invención del fonógrafo, hacer un streaming del sonido de la ópera. Llegó a haber una red de auriculares en salas de escucha de cafeterías y bares de París, que permitían escuchar en tiempo real, y mediante un sistema de radio por hilos, distintos espectáculos de ópera de distintos teatros, que uno podía seleccionar por un dial.
Este aparato, no sólo permitía hacer asequible la escucha de la opera, sino que proponía escuchar algo que no se estaba viendo interpretar en un espectáculo tan audiovisual como la ópera, a la vez que des-contextualizaba el espacio de escucha permitiendo hablar mientras se oía esta música.