Música y ciencia conviven con familiaridad este año en la programación del Festival de Música Contemporánea de Navarra, NAK. Un evento motivado por la necesidad de promover iniciativas que permitan el estreno y difusión de obras de nueva creación, que alcanza cierta madurez ya en su quinta edición (6-28 de septiembre) y que enfoca a Pamplona como espacio cultural apetecible para los circuitos nacionales de vanguardia.

Dos motivos principales originan esta conexión. “El primero es que a los integrantes del Centro de Música Contemporánea Garaikideak, promotores de este festival, nos apasiona la ciencia” –explica Yolanda Campos Bergua, su directora artística-. El segundo, que son dos disciplinas muy vinculadas entre sí, de manera natural. Solo a través de la ciencia podemos explicar la materia prima del músico, que no es otra que el sonido. La obtención del sonido, la afinación de los instrumentos, su construcción, perfeccionamiento y evolución solo pueden entenderse por medio de las matemáticas y de la física. Nos parecía muy interesante contar todo esto al público”.

Yolanda Campos Bergua e Ignacio Fernández Galindo, dos de los protagonistas del programa Kosmos 3.0. Los sonidos del espacio

El pianista gallego Fabio Álvarez, que el año pasado lanzaba el disco “Musical Zodiac”, un recopilatorio dedicado al compositor estadounidense George Crumb, inauguraba el festival con su Makrokosmos, un repertorio exigente tanto técnica como expresivamente. De la astronomía saltaban a las matemáticas con Neopercusión, todo un referente a nivel estatal. El jueves 12, la pianista Alicia Torrea acerca la “Música sinestésica” al gran público para pasar al día siguiente a otra propuesta didáctica, “Ondas sonoras”, basada en la acústica musical, de la mano del clarinetista Santiago Martínez Abad y el flautista Julián Elvira.

El esfuerzo creador, arraigado en el ADN de este evento, explosionará en el concierto de este sábado con “Kosmos 3.0. Los sonidos del espacio”, inspirado en la astrofísica. El último proyecto de investigación del CMC Garaikideak propone la interacción de mundos sonoros y visuales por medio de las nuevas tecnologías, creando un espacio acústico y escénico de expresión multidisciplinar a través de diez estrenos absolutos.

Por un lado, cinco obras musicales compuestas por tres autores del centro de música contemporánea –David Cantalejo, Ignacio Fernández Galindo y Yolanda Campos Bergua-, a los que acompañan dos compositores invitados al festival –Alberto Etxeberria y Christophe Havel-. Por otra, cinco videocreaciones de los artistas Martín Etxauri, Sandra Vallejo y David Bernués (Acrónica Producciones), que cobrarán vida en la cúpula hemisférica del Planetario de Pamplona, un escenario único para escuchar y ver el mundo desde otra perspectiva.

Lenguaje sonoro y audiovisual

Una de estas propuestas inéditas es Mars, compuesta por Yolanda Campos Bergua. “Yo lo definiría como una obra programática. Prácticamente es una banda sonora que describe un viaje: el trayecto de la sonda InSigth, enviada a Marte por la NASA para estudiar el interior del planeta rojo”, comenta. “Básicamente, he intentado articular un discurso musical coherente a través de los recursos tímbricos del saxofón”.

Martín Etxauri

“Lo mejor de este trabajo ha sido sin duda, mis compañeros de viaje” –recalca-. Martín Etxauri, un artista visual extraordinario, que realizará la proyección en vivo, y el saxofonista Sergio Eslava, que conoce a la perfección mi lenguaje compositivo y ha desarrollado un trabajo espectacular. Hemos planteado una instrumentación muy compleja a nivel tímbrico, insertando nuevos recursos, como el Spring Drum, para los que nos ha servido de mucha ayuda el libro Nuevas perspectivas en torno al saxofón, escrito por Ricard Capellino y Alberto Posadas”.

¿Cómo trasladar ese material sonoro a una imagen tangible? Martín Etxauri, artista audiovisual, investigador, VJ, acostumbra a colaborar en proyectos que incorporan live coding, música contemporánea o danza, entre otras disciplinas. “En la primera lectura de partitura, ya estoy con mi grabadora para recoger el sonido y tener referencia de los tempos y las texturas que, para mí, a veces, son más importantes que las notas o los compases concretos. Cuando mi trabajo está enfocado a la música, que como video jockey es muchas veces, la escucho durante todo el proceso: pensar qué imágenes deben ser, qué irá en cada parte, la grabación o generación de las mismas, el montaje final o la preparación del setup si se trata de un directo”, señala.

Para este amante del arte contemporáneo tecnológico y performativo, este proyecto se ha convertido en un reto personal. “Me interesan especialmente experimentaciones que trabajan la música y el sonido libremente. Hace tiempo que estoy investigando en proyección en cúpula y, aunque había exhibido en domos desmontables, tenía ganas de pasar a mayores. NAK va a ser mi estreno en planetario y eso es un lujo”.

El tiempo imaginario

Christophe Havel, uno de los compositores invitados a NAK esta edición presentará su obra SPIN 5/2, que ha contado con la colaboración del Estudio de Creación e Investigación en Informática y Música Experimental SCRIME (Universidad de Burdeos). Miembro fundador de Proxima Centauri, investigador en el campo de la electroacústica, arrastra una dilatada carrera docente en centros como CEFEDEM, Universidad de Musicología de Burdeos, Musikene o la Escola Superior de Música de Catalunya.

Christophe Havel

Su resorte inspirador ha sido la termodinámica. “La termodinámica nos enseña que el tiempo está orientado en un eje que va del pasado al futuro, pero nada impide que nuestra imaginación retroceda en el tiempo o divague libremente a lo largo de su eje. En esta perspectiva, el tiempo no tendría principio ni fin, y el Big Bang sería solo una singularidad que sirviera como punto de referencia. En este tiempo imaginario, el efecto puede preceder a la causa y el sonido llegar antes que la luz”, explica sobre su obra. “Este encargo para el festival supone para mí la oportunidad de experimentar la proyección de música en un espacio 3D y asociarla con una imagen tridimensional”, concluye.

La interpretación de Kosmos 3.0. Los sonidos del espacio correrá a cargo de cinco músicos del Ensemble Garaikideak: Sergio Eslava (saxo), David Johnstone (cello), Xabi Olazabal (acordeón), Irene Villar (flauta) y Raquel Ortega (arpa).

Decía Quentin Tarantino en alguna de sus entrevistas que, para él, “el cine y la música van de la mano. Cuando estoy escribiendo un guión, una de las primeras cosas que hago es buscar la música que voy a poner en la secuencia de apertura”. Esta conexión estará muy presente en la IV edición del Festival de Música Contemporánea de Navarra, NAK 2018, que arranca el 21 de septiembre y que toma como hilo conductor, y casi reivindicación, la química entre el medio cinematográfico y la música de vanguardia.

Tal y como nos cuenta Yolanda Campos Bergua, su directora artística, “este evento, impulsado por el Centro de Música Contemporánea Garaikideak, se ha convertido en un punto de encuentro entre creadores y público en el que confluyen música, creación, pensamiento estético, así como un enfoque didáctico en todas sus actividades”. Este año, proponen un programa multidisciplinar que integra 5 presentaciones, 2 talleres, 5 conciertos, 13 estrenos musicales y cinematográficos, en los que participarán más de 80 músicos.

Destaca el concierto inaugural de este viernes, “Silencio, se rueda”, que suma la interpretación en directo de seis obras inéditas concebidas por compositores del CMC Garaikideak, que aportan su sonoridad a cuatro cortometrajes de estreno del cineasta Oskar Alegria. La puesta en escena se complementa con el Coro de la Fundación Atena, entidad que fomenta el desarrollo integral de personas con discapacidad a través del arte.

Otra de sus grandes apuestas se ha gestado gracias a la colaboración con la Filmoteca de Navarra. El dúo de música electrónica y experimental NYCK, formado por Ignacio Fernández Galindo e Hilario Rodeiro, presentará en directo una sonorización para una reciente versión remasterizada del clásico de cine mudo El fantasma de la ópera (1925). Parte de la grabación del material sonoro ha sido realizada por alumnos del Conservatorio Superior de Música de Navarra, en un proceso que ha supuesto cinco meses de trabajo.

Pasarán también por NAK dos compositores invitados, Philippe Laval y Sergio Blardony, este último con su trabajo “La luz de Dreyer”, una propuesta interdisciplinar que indaga, desde la música experimental, la poesía, las artes visuales y la escena, en dos obras de Carl Theodor Dreyer.

Los bilbaínos Ensemble Kuraia presentarán un programa estructurado en tres obras: Mal(in)con(i)ci, de Sonia Megías, apoyada en una videocreación de Paola Boioli; la proyección de Apokalypsis, símbolo de una revelación, ópera multimedia compuesta por María Eugenia Luc a quien acompaña en el libreto el escritor Juan Kruz Igerabide; y Un soplo que vacía el pecho, obra de Sergio Blardony sobre textos de la poeta Pilar Martín Gila. Finalmente, en el concierto de clausura, “Música coral en el cine de vanguardia”, la Coral de Etxarri Aranatz ofrecerá una selección de obras que pondrán de manifiesto la valentía de algunos grandes cineastas como Lynch, Malick o Kubrick, al incluir música de su tiempo en sus películas.

Sul Ponticello: Cuarto año como directora artística de NAK. Echando la vista atrás, ¿qué progresión percibes en el festival? ¿En qué punto está?

Yolanda Campos Bergua: NAK empezó siendo un festival local. La programación de la primera edición estaba integrada, prácticamente en su totalidad, por propuestas de artistas navarros. A partir de la segunda edición hubo un crecimiento notable, se abrieron líneas de programación importantes, como el establecimiento de un hilo conductor para cada edición, un eje artístico-social que integrara propuestas de ámbito inclusivo, y una apertura a formaciones y artistas más allá del ámbito territorial de Navarra.

S.P.: ¿Qué líneas maestras han guiado la programación?

Y.C.B.: Todas las líneas programáticas que se asentaron en la edición 2017 siguen estando presentes este año, pero, además, incorporamos una propuesta multidisciplinar, no como algo puntual en uno o dos conciertos, sino en unión con el eje temático. Todos los conciertos toman como punto de partida la música de vanguardia en relación al medio cinematográfico.

Creemos que ese trabajo en la selección de propuestas, acordes a lo que el festival necesita en cada momento, y no una selección basada en atraer a artistas o ensembles más o menos conocidos, se ha convertido en la seña de identidad de NAK. Esto nos ha permitido evolucionar despacio, pero con paso firme, situándonos, después de cuatro ediciones, como un evento de referencia en el ámbito estatal.

Yolanda Campos Bergua, directora artística del Festival NAK

S.P.: El eje temático para este año, ese nexo entre cine y música de vanguardia, ¿es una buena fórmula para facilitar el contacto del gran público con la nueva creación?

Y.C.B.: Creemos que sí. Es un año de apertura hacia otras disciplinas artísticas y esto tiene un objetivo claro de atraer un nuevo tipo de público procedente de otros ámbitos. La unión de propuestas artísticas dispares provoca una experiencia sensorial mucho más amplia y esto nos parece un buen punto de partida para atraer a oyentes de otras disciplinas.

De todas maneras, y aunque, obviamente, el dato del público siempre es importante y hay que tenerlo en cuenta, surge más como una necesidad de reivindicar la incorporación de la música de vanguardia en el cine actual, más allá de su presencia como un elemento puramente anecdótico.

S.P.: El esfuerzo creador en esta edición ha sido importante, puesto que a la concepción musical se han sumado varios estrenos cinematográficos. ¿Ha resultado muy complejo ese doble proceso?

Y.C.B.: Cuantos más elementos forman parte del proceso creativo más compleja es su ejecución. A nivel de infraestructura todo se complica y hay que tener en cuenta muchos más factores. No solo para la puesta en escena, que en algunos casos es una odisea para un festival más o menos modesto como el nuestro, sino también para manejar bien los plazos de creación, preparación, ensayos, etc., que deben ser mucho más amplios para abordar todos estos aspectos correctamente, primero de manera individual y luego de forma colectiva.

Sin embargo, todo esto queda compensado porque a nivel artístico es un proceso muy rico. En las propuestas multidisciplinares hay que abordar el trabajo de creación e interpretación de manera conjunta y, por tanto, te enriquece por partida doble, ya que tienes que tener en cuenta otros puntos de vista.

S.P.: En NAK 2018 van a participar alrededor de 80 músicos. ¿Crece la conciencia sobre la difusión de la música contemporánea entre los profesionales jóvenes?

Y.C.B.: Sinceramente soy un tanto pesimista en este sentido y tengo claro que, mientras no cambie lo fundamental, la educación, de poco sirven los esfuerzos que hagamos los músicos, programadores, ni tan siquiera el público… Por descontado que hay que plantear un cambio en los conservatorios y escuelas de música. Sigue siendo habitual que los estudiantes de los conservatorios no tengan prácticamente contacto con la música de nueva creación o artistas de su tiempo, algo que, a estas alturas, debería parecernos inaudito.

Mientras no cambiemos este planteamiento obsoleto y entendamos lo importante que es educar en el arte y promover la sensibilidad hacia las vanguardias, más alejados estaremos de nuestro objetivo. Hay que tener en cuenta que es el pensamiento de vanguardia en su conjunto, el de creadores, filósofos, científicos… el que nos permite avanzar un pasito más y mirar al futuro.

El Festival de Música Contemporánea de Navarra, NAK 2017, que va a tener lugar en Pamplona entre el 14 y el 23 de septiembre, alcanza su tercera edición. Seis conciertos programados, que incluyen trece obras de estreno, y mantienen intacta la principal aspiración de CMC Garaikideak, organizadores de este evento: promover iniciativas que permitan el estreno y difusión de obras de música contemporánea, consolidando un punto de encuentro entre creadores y público.

Sacar este barco a navegar por tercer año significa, no solo que el navío gana en aplomo, sino que, además, ansía descubrir nuevos horizontes. NAK 2017 toma como punto de partida la celebración del Año Internacional del Turismo Sostenible para el Desarrollo y, a partir de ahí, propone la exploración de TERRITORIOS SONOROS de aire, tierra y agua, como parte de la diversidad y riqueza que integra nuestro patrimonio musical. Seis conciertos, seis sonoridades únicas. Seis aventuras.

El primer territorio conquistado es el del AIRE (instrumentos aerófonos), materializado en las propuestas de Tamhá Ensemble y Silboberri Txistu Elkartea. La primera, integrada por David Cristóbal Litago, Javi Pérez y David Bona ofrece una sonoridad camerística propia, tan inusual como su formación, un trío de saxo, clarinete y fagot. Echarán el ancla en nuevos registros, con obras compuestas a partir del 2015 por Ignacio Fernández Galindo, David Cantalejo, Enrique Mendoza, Alberto Catalán y Esteve Casanova. Silboberri explora en el desarrollo del txistu como instrumento contemporáneo, promoviendo una intensa labor de investigación y desarrollo organológico del mismo. En esta línea, su repertorio incluirá obras de reciente creación de compositores consagrados como Luis de Pablo o Félix Ibarrondo, además de un estreno absoluto de Joseba Torre Alonso.

Territorio Cello

Un segundo escenario por ocupar conduce hacia las sonoridades de TIERRA, que viajan a través de instrumentos acústicos y electrónicos. La Orquesta Sinfónica de Navarra, presente en NAK desde su primera edición, nos arrastrará hacia el “Territorio Cello. Nuevas fronteras concertantes para violoncello”. Tal y como explica Yolanda Campos Bergua, directora artística del festival “después de dos años de intenso trabajo compositivo e interpretativo, materializados en una primera edición que involucraba a los cinco autores del CMC Garaikideak, y una segunda en la que, además, varios intérpretes de nuestro ensemble actuaron como solistas, nos pareció que era el momento de abrir espacios hacia otros compositores”.

Tres son los escogidos. Joseba Torre Alonso con su obra Kantuz, para violoncello solista y orquesta, plantea una obra austera, reflexiva, esencial, inspirada en un canto a capela homónimo del cantautor Mikel Laboa. Arquitecturas, de Jesús Echeverría, hace referencia a la arquitectura y a la composición musical como dos artes creativas que generan edificios con forma, volumen, dimensión, espacio, textura, color, intensidad y densidad. Finalmente, el Concierto para violonchelo y orquesta, de Koldo Pastor, es una obra en tres movimientos de proporciones sinfónicas en la que se perciben influencias de Bartok, Martinu o Hindemith.

“Los tres son autores de referencia para nosotros –señala Yolanda Campos-. En el caso de Joseba Torre se da la circunstancia de que ha sido el director del concierto en ambas ediciones y, además, nos une un vínculo emocional, ya que ha sido y sigue siendo en muchos sentidos, maestro de muchos de nosotros. Koldo Pastor y Jesús Echeverría son dos compositores muy reconocidos y activos en el ámbito de la nueva creación. Igual que el solista, David Johnstone, uno de nuestros intérpretes más comprometidos”.

El timón en este concierto lo toma José Trigueros, “un director emergente, algo que casa muy bien con nuestro objetivo de dar visibilidad a nuevos talentos. Tiene una enorme proyección internacional. Ha sido una gran apuesta, un acierto, y estamos encantados con su trabajo e implicación”.

Este periplo por las sonoridades de Tierra se completa con otros dos conciertos. En el primero, compartido por Pilar Rius Fortea y David Hernando Vitores, los instrumentos solistas se combinan con electrónica y electroacústica. Ella, propone “Sound in progress”, que incorpora parte del repertorio icónico para guitarra eléctrica de la segunda mitad del siglo XX, compuesto por una vanguardia de compositores de la llamada “música culta”, que se recrean en la experimentación sonora más radical y “artificial” del momento, incluyendo obras de Agustín Castilla-Ávila, Tristan Murail, Paula Matthusen y Fausto Romitelli. Él, saxofonista, nos llevará a otros parajes con “Haria”, libertad en lengua árabe. Un proyecto de música contemporánea que propone una revisión de la tradición de corte andalucista y géneros asimilados a través de una óptica inherente a la creación más actual, con obras para saxofón y electrónica de Jesús Villa-Rojo, Mario Carro, A.L. Guillén, Sergio Blardony y un estreno de Thierry Alla.

También llegarán sonidos desde otros mares, traídos gracias a la participación de Proxima Centauri, uno de los ensembles más prestigiosos de Europa. Fundado en Burdeos (Francia) por Marie-Bernadette Charrier y Christophe Havel, conforma un quinteto totalmente original: flauta, saxofón, piano, percusión y dispositivo electroacústico. Su programa, “Du geste à l’objet”, incluye una obra de estreno de Ignacio Fernández Galindo, Holstenwall, inspirada en el clásico del cine El gabinete del doctor Caligari, dirigido en 1920 por Robert Wiene.

Uracqua y la simbología del agua

La programación del Festival de Música Contemporánea de Navarra se sumergirá en un último territorio, el de las sonoridades del AGUA (propuesta multidisciplinar). Ese es el anhelo de “Uracqua”, la nueva producción del CMC Garaikideak, que busca manifestar a través de la música ideas profundamente humanas y actuales, como la conciencia de la escasez de los recursos, el “extrañamiento” del individuo respecto a la naturaleza, la atracción por lo incognoscible, el hecho religioso y un sentido de la ecología como mensaje vital, ético y conservacionista.

Así, en torno a la simbología y a la mitología del agua, surge una reflexión estético-interpretativa respecto a la sostenibilidad y la relación del hombre con la naturaleza. Este concierto de clausura, con cuatro obras de estreno de Yolanda Campos, Patxi Damián Rodríguez, David Cantalejo e Ignacio Fernández Galindo, será un viaje a la milenaria tradición mediterránea de agua (acqua), tierra, aire y fuego, con el primer elemento como eje conceptual y narrativo, también relacionado con la cultura vasca (ura).

Según Ignacio Fernández Galindo, “esta propuesta pretende recoger esta tradición expresiva y ligarla a la experimentación, tan cargada habitualmente de lances conceptuales y poco abierta al irracionalismo y a la sensibilidad hacia el entorno en el que vivimos. Son cuatro obras muy diferentes, que se articulan sobre un lenguaje sonoro personal y especulativo. En todas ellas se percibe un retorno expresivo a la idea de que el tiempo fluye y a la vez reposa, como en la imagen de una fuente romana”.

El concierto, que se ofrecerá en un espacio único (que incorpora restos de una antigua muralla), incluye elementos visuales que interactúan con los intérpretes, a través de la videocreación o el mapping. Intervendrán Tania Loza (piano), Sergio Eslava (saxo), Aitor Urkiza (txistu), David Cantalejo (piano), Javier Navascués (cello), Irene Villar (flauta), Uxue Roncal (clarinete), Manuel Gil (saxo), Bea Monreal (oboe), Javi Pérez (clarinete) y Xabier Olazabal (acordeón).

“Combinar música y escenografía –comenta Ignacio Fernández Galindo- promueve el acercamiento a diferentes puntos de vista, tanto sensoriales como programáticos. Con Uracqua, también Garaikideak como laboratorio de creación crece en torno a sus intérpretes, muchos de ellos muy jóvenes. En ese encuentro entre compositores e intérpretes se gesta la expresión y el contenido del nuevo discurso sonoro y estético”.

Entre el 12 y el 17 del pasado mes de septiembre, Pamplona abría su programación cultural para dar cabida al II Festival de Música Contemporánea de Navarra, NAK 2016. Una cita, “peleada” por el Centro de Música Contemporánea Garaikideak, que no entiende un panorama musical sin presencia de obras de nueva creación, perspectivas intelectuales diversas, y espacios comunes entre público, compositores e intérpretes.

Un festival con más musculatura, que ha ampliado jornadas, escenarios, actividades y que ha contado en esta ocasión con formaciones consolidadas como Ensemble Sinkro, Proyecto Ocnos, Coral de Cámara de Navarra, Orquesta Sinfónica de Navarra y los bordeleses Questions de Tempéraments, con figuras como François Rossé, Etienne Rolin, Philippe Laval y Marie-Bernadette Charrier, compositores e improvisadores reconocidos internacionalmente.

Uno de los conciertos simboliza, quizás, algunos de los cimientos sobre los que se asienta este festival: un eje temático  que sirve de nexo para todo el programa –en este caso, el 80 aniversario de la Guerra Civil española; la puesta en valor del patrimonio cultural; la inclusión de piezas inéditas; y el carácter innovador, con un público subido al escenario, eliminando cualquier barrera entre músicos y espectadores. Así surgió “Sonidos negros. Un homenaje a Federico García Lorca”, cinco obras de estreno absoluto para solistas y la Orquesta Sinfónica de Navarra, que fueron interpretadas el pasado 16 de septiembre en el Auditorio Baluarte. Tanto los autores (Yolanda Campos, Ignacio Fernández Galindo, David Cantalejo, Urtzi Iraizoz y Patxi Damián Rodríguez) como los solistas (Sergio Eslava y Manuel Gil, saxos, Javi Pérez, clarinete, Xabier Olazabal, acordeón, Aitor Urkiza, txistu, y Tania Loza, piano) pertenecen al CMC Garaikideak.

La Orquesta Sinfónica de Navarra, dirigida por Joseba Torre

Decía el crítico y musicólogo Xabier Armendáriz, en su reseña al concierto en un medio local, que las colaboraciones entre compositores e intérpretes instrumentales, siempre han sido enriquecedoras a lo largo de la historia. “Los intérpretes tenían la oportunidad de investigar sobre las posibilidades de sus propios instrumentos y, los compositores, perfeccionaban su escritura y encontraban su propio lenguaje como autores”.

Para Ignacio Fernández Galindo, compositor y uno de los impulsores de NAK, esta idea es clave. “Una de nuestras señas de identidad es la integración de instituciones y músicos, apoyados en orgánicos ya centenarios, como la Orquesta Sinfónica de Navarra, que fundó Pablo Sarasate. Por eso, en nuestro trabajo interno, propio de un laboratorio de creación, buscamos alianzas de este tipo. Por un lado, los intérpretes solistas son el nexo entre la nueva música y la orquesta; y, por otro, la orquesta desarrolla las narrativas de cinco autores aportando, bajo el magisterio del director Joseba Torre, una lectura pública muy distinta a la programación más tradicional”. Yolanda Campos, directora artística y también compositora, añade que “esta colaboración se fraguó en la primera edición. Han creído en el proyecto, esta vez ampliando su participación a la orquesta completa. Estas sinergias artísticas proporcionan un enriquecimiento para todos los agentes implicados y son necesarias en la escena musical navarra”.

El Festival NAK es una consecuencia natural del trabajo previo de este grupo afincado en Pamplona, pero proyectado a comunidades cercanas como La Rioja, Euskadi y Aragón. Así, desde sus inicios, los intérpretes han sido esenciales para dar forma a las creaciones. “Existe un objetivo común –insiste Ignacio Fernández Galindo-. Estudiar la sonoridad y la estilística del solista a partir de su instrumento, y la relación con el mensaje de nueva creación. La juventud es circunstancial, pero también es cierto que autores e intérpretes vamos evolucionando, con una horquilla de edades que va desde los 20 hasta los 43 años. No obstante, ha sido el impresionante trabajo de estos solistas el que nos ha hecho crecer como autores, con sus propuestas, matices y reflexiones. No nos cabe ninguna duda”.

Homenaje a Lorca desde diferentes miradas

Desde su creación en 2010, el CMC Garaikideak ha tratado de estudiar, desde un enfoque crítico, las consecuencias de la Guerra Civil en general (represión, exilio, censura, involución pedagógica y cultura, etc.) y, en la música contemporánea, en particular. Esta referencia es la que encadena las cinco obras: La fragilidad del sentido (un viaje de introspección al interior del poeta), Lola 4.45 (que contrapone uno de sus poemas con la hora en que fue fusilado), Elegía del silencio (un canto hacia la dualidad vida-muerte, entendidas como algo metafísico), Euri (lectura en clave musical de unos versos que acercan la música gitana y el txistu) y Se le vio caminando entre fusiles… (una reivindicación de la figura de Lorca que arranca en el poema de Antonio Machado). “Partimos de un hilo conductor –explica Yolanda Campos- que dé coherencia al planteamiento, pero no tenemos una estética común ni compartida. Esto que, a priori, puede parecer una carencia, nosotros lo vemos como una oportunidad en cuanto a diversificación de lenguajes creativos, puesto que mantiene intacta la libertad de creación de cada autor. Tanto la aproximación al escritor granadino como la poética de cada composición son diferentes”.

La inclusión de obras de estreno (13, a lo largo de este festival) es un compromiso fundamental desde un punto de vista divulgativo. “La cronología ayuda en el arte a ligar el presente con la actualidad, pero el tiempo de la creación trasciende esos mismos límites. Es imprescindible que los estrenos absolutos tengan su espacio, para que el público aprecie qué diversidad de lenguajes tenemos en 2016. Y de la misma manera que lo más moderno no es lo más reciente, tampoco concebimos que los estrenos no tengan un eje común sobre el que exponer material sonoro. La libertad individual de los autores no tiene más límite que la inspiración parcialmente condicionada. En 2015, el eje fue el tiempo musical y la filosofía, en 2016, la infamia de la Guerra Civil y Lorca como símbolo trágico, en 2017… ya se verá”, expone Ignacio Fernández Galindo.

Y la propuesta escénica, íntima, con el público en el escenario, a la misma altura que la orquesta que daba la espalda al patio de butacas, una manera de explorar otros formatos. “Nos planteaba un reto muy importante –explica Yolanda Campos- y una implicación técnica enorme, pero ha supuesto una increíble experiencia visual y sonora para los espectadores”.

Se han metido en una difícil partitura. Apasionante, pero compleja. Componer un festival de música contemporánea, articular cuatro días de actividades entorno a un lenguaje de expresión artística que, ni de lejos, llega de momento al gran público. Hacerlo en una ciudad pequeña (eso sí, heredera del atrevimiento de los “Encuentros de Pamplona 1972”, uno de los festivales de vanguardia internacional más significativos de los celebrados en nuestro país), con muy pocos recursos económicos, pero unas señas de identidad claras y un modelo colaborativo basado en el compromiso.

Así arrancó el día 9 de septiembre NAK 2015, el I Festival de Música Contemporánea de Navarra, un evento motivado por la necesidad de promover iniciativas que permitan el estreno y difusión de obras de música contemporánea, y de apoyar a jóvenes compositores e intérpretes. El componente innovador es inherente a esta propuesta. Por eso, de las 27 obras que se interpretaban a lo largo de estos días, 15 eran estrenos absolutos. Una rareza.

Insuflando aire a este festival está el Centro de Música Contemporánea Garaikideak, un colectivo cultural de carácter privado y sin ánimo de lucro, creado en Pamplona en el 2010 y del que forman parte músicos de Navarra, Aragón, Euskadi y La Rioja. Tres de sus componentes (arropados, eso sí, por muchos más) son estos días los responsables de marcar el tempo de una batería de conciertos, conferencias, encuentros y talleres que son la expresión final de un profundo análisis sobre el proceso creativo, tanto desde un punto de vista teórico como estético.

Abordamos a Yolanda Campos Bergua, Patxi Damián Rodríguez e Ignacio Fernández Galindo, compositores y autores de algunas de las obras de estreno, entre pruebas, ensayos y nervios. Aunque con proyecciones profesionales bien distintas, hablan un mismo idioma a la hora de entender la música de nueva creación y de cómo debería acercarse a un público poco familiarizado. El escenario que ocupa un increíble piano Steinway Gran Cola de 1920, protagonista del concierto inaugural, parece un buen lugar para charlar un rato con ellos.

Sul Ponticello: ¿Cuáles serían las señas de identidad de NAK? ¿Qué es lo que os diferencia respecto a otros festivales de música contemporánea a nivel nacional?

Ignacio Fernández: Este festival surge como una evolución del colectivo de creación del que nace y forma parte, el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, de Pamplona. Así que sus señas de identidad son nuestras bases fundacionales. Básicamente, impulsar iniciativas que permitan el estreno de obras de nueva creación a través de conciertos, establecer vínculos con compositores consagrados y de proyección internacional, dar visibilidad al talento local apoyando a compositores e intérpretes de nuestro entorno, y promover la participación de los ciudadanos apostando por su formación como espectadores críticos. Y un aspecto muy importante es que se basa en un modelo de cooperación entre organismos culturales, educativos, de mecenazgo y administraciones públicas.

Nos gustaría convertirnos, año tras año, en un punto de encuentro entre creadores y público, en el que confluyan música, creación, pensamiento estético y aprendizaje, sin perder de vista una perspectiva didáctica, que para nosotros es irrenunciable.

Sul Ponticello: La música contemporánea plantea el problema de la delimitación del propio término, que es complejo y ambiguo. ¿Dónde se sitúa NAK respecto a este debate terminológico?

Ignacio Fernández: Si sólo se atiende a la falta de definición del término, justificada sólo con un criterio temporal, se puede caer en el error de aceptar que toda la música actual, creada hoy, es contemporánea y esta afirmación es equívoca. En este caso, coetáneo y contemporáneo dejan de ser sinónimos, puesto que contemporáneo clasifica un estilo musical dado en un tiempo (siglo XX y XXI) y una estética particular. A su vez, no toda la música actual es contemporánea y, además, esta música se queda fuera, sin pretenderlo, de los circuitos de difusión cultural masiva. Es un producto cultural orientado a un mercado reducido, no al entretenimiento.

Nos interesa siempre el debate, pero si está bien planteado el problema. Preferimos hablar, siguiendo el criterio del musicólogo Marcos Andrés Vierge, de música de nueva creación, con una estética de vanguardia, alejada del historicismo. Ese ha sido el criterio en la programación y en la elección de repertorios dentro de los conjuntos. Defendemos el presente, con un sentido proléptico, dirigido hacia el futuro.

De izquierda a derecha, Ignacio Fernández, Yolanda Campos y Patxi Damián

Sul Ponticello: El programa intercala conferencias de expertos, como la del musicólogo Marcos Andrés Vierge que mencionáis, compositores como Joseba Torre Alonso y Juanjo Eslava, con conciertos de agrupaciones de referencia como la Orquesta Sinfónica de Navarra, Coral de Cámara de Navarra y otras más atípicas como Pamplona Brass Quartet. ¿Qué ideas comunes comparten?

Patxi Damián: Tanto las agrupaciones como las personalidades de reconocido prestigio que han participado han demostrado con su presencia en el festival una apuesta clara por hacer llegar la música contemporánea o de nueva creación al público, estrechando lazos para hacerlo posible. Se han arriesgado hasta tal punto, que todas las formaciones incluyen obras de estreno en sus repertorios.

Sul Ponticello: ¿Qué aporta un festival de estas características a los jóvenes compositores?

Patxi Damián: Sobre todo, la posibilidad de ver interpretadas sus obras por formaciones profesionales ante un público, poder difundir sus propios trabajos. La colaboración con estas agrupaciones es una oportunidad de aprendizaje y profesionalización muy importante. Es, también, una ventana abierta para hacerse un hueco con su trabajo en este ámbito de la música, porque en el festival encuentran un espacio de confluencia entre intérpretes, críticos, autores y público.

Sul Ponticello: Trabajar desde el terreno teórico permite valorar la coherencia y las posibilidades de los distintos sistemas musicales, lo que a su vez hace posible generar el debate estético. ¿En qué coordenadas de reflexión se sitúa el trabajo del Centro de Música Contemporánea Garaikideak, organizador del festival?

Ignacio Fernández: Lo nuevo como marca, lo renovado como producto deseable… En la sociedad de consumo, los valores simbólicos añadidos a una obra son tan importantes como su existencia. El estímulo real es sustituido por un estímulo condicionado, que produce el mismo tipo de respuesta esperada. Ante la miríada de impactos recibidos, es difícil mantener un mínimo de aliento para la reflexión crítica.

En el documental Silencio, tiempo, memoria (Juan Zapater, 2011), el compositor Agustín González Acilu expone que la gran suerte de su generación fue que se encontraron en la confluencia de la tradición clásica y de la renovación de las vanguardias, y fueron capaces de absorber las dos para crear un lenguaje propio y personal. La coherencia de González Acilu con su discurso creativo, pleno e independiente, nos ayuda a entender cuál es el verdadero valor de la libertad. Como él dice, el objetivo es crear con la música algo que sea más significativo que el silencio. Nada más y nada menos.

Desde GARAIKIDEAK entendemos que la reflexión y el debate están indisolublemente unidos al hecho creativo y esa independencia y carga teórica es lo que nos define como grupo de trabajo. Los conciertos, igualmente importantes, son la parte final del proceso.

Sul Ponticello: El distanciamiento del público mayoritario con respecto a la música de vanguardia es una realidad que no parece tener una solución sencilla. ¿Qué objetivos tiene este festival en cuanto al acercamiento de propuestas contemporáneas? ¿Vais a emprender alguna línea de acción dentro del marco del festival?

Yolanda Campos: Gran parte de esta problemática se basa en la ausencia de comunicación de los creadores con el público, y en la pérdida de referentes auditivos que supusieron las vanguardias musicales del siglo XX. Parte de la solución pasaría por proporcionar al oyente unos parámetros que le sirvan de orientación y de guía para la escucha. Tenemos que ser capaces de mostrarles lo que hacemos, de una manera cercana, nunca con un propósito aleccionador. Y en esta línea hemos planteado  un componente didáctico, que va a tener mucha importancia dentro del marco del festival. Hemos elaborado un programa de puertas abiertas con conferencias, mesas redondas y  talleres donde la interactuación con el público va a ser la norma, no la excepción.

De la misma manera, la solución también pasa por pedirles una predisposición hacia una escucha más receptiva, que estén abiertos a las sensaciones que puede provocarles las músicas de nueva creación, algo en lo que vamos a insistir mucho.

Sul Ponticello: ¿Subvencionado o no? ¿Habéis logrado apoyo institucional? ¿En qué esquema de viabilidad os gustaría moveros?

Yolanda Campos: NAK ha nacido en un clima de gran inestabilidad económica y política y, de alguna manera, eso ha acentuado la problemática ya existente. El festival ha salido adelante con muy pocos recursos económicos por parte de las instituciones, por lo que se promovieron otras vías alternativas de financiación como el micromecenazgo. En cualquier caso,  y gracias a la  implicación y el compromiso adquirido por todos los participantes y colaboradores, la iniciativa ha salido adelante, lo que significa que este festival supone un reto sumamente atractivo para formaciones y agentes culturales. Y certifica que los creadores siempre van por delante de las instituciones, en el sentido de que la creación es algo inherente al ser humano, también en tiempos de crisis.

Los cambios hay que promoverlos desde dentro de los organismos culturales. Nosotros no debemos dejar de crear, sino seguir trabajando en la misma línea. Si no llega apoyo por parte de las instituciones, está claro que habrá que buscar vías alternativas de financiación. Quizás el modelo ideal sería una combinación de ambas cosas: financiación tanto pública como privada, de manera que esta complemente, pero nunca sustituya el servicio público. La inversión de un gobierno en su cultura y educación es fundamental para su desarrollo.

Sul Ponticello: Aspiráis a que NAK se convierta en un evento de carácter anual y con proyección internacional, a pesar de desarrollarse en una pequeña ciudad como Pamplona. ¿Qué objetivos os planteáis a largo plazo?

Yolanda Campos: De cara a futuras ediciones, nos gustaría convertirnos en un punto de encuentro de referencia dentro de los circuitos de música contemporánea que tienen lugar en el ámbito estatal, ampliando miras, pero siempre sin perder una de nuestras principales señas de identidad: seguir trabajando con agrupaciones e intérpretes locales, de manera que NAK suponga un escaparate y una oportunidad para los artistas de la tierra, tanto los consagrados como las generaciones venideras.

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