Posiblemente los post que han tenido más intensidad en mediateletipos, aunque fuera durante un corto periodo de tiempo, han sido las grabaciones de las manifestaciones que se dieron a partir del llamado 15M en el estado español. En parte porque se sumaban a una ola contrainformativa, en parte porque demostraba la capacidad de la fonografía de documentar de manera genuina un hecho político y social.

El archivo y mapa fue montado sobre la marcha para dar cabida a las innumerables grabaciones de las manifestaciones, represiones, asambleas y conversaciones. Con ello se ponía de manifiesto la importancia que el medio fonográfico estaba tomando dentro de las prácticas sonoras y del carácter militante que muchos han querido darle a éste.

Cuando estas grabaciones iban adoptando este eslogan parodia yes we klang en el trabajo de distintos artistas, que podría traducirse por algo así como “Sí  hacemos ruido” o “Sí sonamos”, se iba tomando constancia de que el verdadero acto político no era solo la grabación, sino el grito o el uso consciente e ideologizado del ruido.

Posted by Blanca Rego

¡Habemus mapa!

Todavía estamos subiendo las grabaciones, y algunas no sabemos dónde están hechas, así que si tenéis grabaciones colgadas en alguna parte, o grabaciones que hemos publicado en los posts y no aparecen en el mapa, y queréis que sean añadidas necesitamos saber dónde se hicieron (punto más o menos concreto, no sólo ciudad) y que se puedan embeber en el mapa (da igual que estén en SoundCloud, en vuestra página web o donde sea, mientras estén subidas a alguna parte).

Si alguien quiere añadir el mapa a alguna web, puede hacerlo con este código:

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</iframe>

Mirando en perspectiva es curioso ver la poca repercusión que han tenido las exposiciones propiamente dichas y cuanto los festivales o eventos en los post de mediateletipos. Esto es doblemente interesante dado que el arte sonoro se ve reforzado en sus definiciones en el espacio expositivo y casi cualquier cosa que pase por la sala de una galería o un museo se comprende dentro de los límites de ese arte. No pasa lo mismo en los eventos o festivales, donde el escenario o la temporalidad en que se desarrollan las propuestas sigue abriendo brechas entre lo que es arte y lo que es música (aunque la música sea una de las artes).

Trabalenguas aparte, sea esto de lo que hablamos galgo o podenco, son de destacar las múltiples reseñas de estos eventos que han aparecido en los post de mediateletipos, desde Transmediale en Berlín (2008, 2009, 2012), Tuned City también en Berlín, Sonic Acts en Amsterdam (XIII, XIV), ARTe SONoro en Madrid, ERTZ en Bera y Donostia, Situación Sonora en Madrid o Ars Electrónica 2008 en Linz.

Posted by ps

Tuned City es una iniciativa interesada en proyectos sonoros site-specific y en los trabajos desarrollados en las intersecciones entre arte sonoro, arquitectura y diseño urbanístico, que incluirá una serie de conferencias y una exhibición programadas para el próximo mes de julio en Berlín. Club Transmediale ha acogido dos eventos organizados como parte de este proyecto y que sirvieron como aperitivo a la programacion de este verano.

El sábado tuvo lugar el Tuned City Symposium, con una serie de conferencias de introducción a los temas en que se basa el proyecto. El sociólogo Prof. Dr. Detlev Ipsen habló sobre los recientes desarrollos urbanísticos y las megaciudades, al que siguió el Prof. Dr. Gernot Böhme, que definió el espacio sonoro desde un punto de vista más filosófico, basado en la estética de las atmósferas, analizando como ejemplo el paisaje sonoro de algunas ciudades japonesas. El historiador arquitectónico Prof. Dr. Ulrich Winko dio un amplio repaso a la historia de las relaciones entre música y arquitectura, y el artista sonoro y escritor Brandon LaBelle (muy recomendable su libro Background Noise) hizo también un repaso a diversos proyectos de arte sonoro basados en ideas sobre el espacio. Para finalizar, el propio LaBelle mantuvo una conversación con uno de los pioneros en el diseño de proyectos site-specific, y al que se atribuye el haber acuñado el término instalación sonora, Max Neuhaus.

Además, hubo una serie de micro presentaciones de algunos de los proyectos que estarán presentes en la exposición en julio. Nik Hummer (AT) habló de sus proyectos relacionados con el sonido en un marco social, orientado al espacio público; Zimoun & Pe Lang (CH), presentaron la serie de instalaciones sonoras Untitled Sound Objects (que estuvieron en Espacio MenosUno justo hace un año); el equipo Lola & Geert-Jan Hobijn (DE/NL), mostró su proyecto Composed City, y Mark Bain (NL/US), artista sonoro que lleva años desarrollando trabajos sonoros muy basados en la arquitectura y el espacio físico, que también realizó una performance sonora el domingo en el festival.

Tras esa jornada dedicada a la teoría, que fue muy interesante por lo variado de las propuestas y los enfoques mostrados, el domingo tocaba explorar la praxis a través de una serie de performances sonoras, que también por lo variado de sus aproximaciones al espacio y el sonido, conformaron una noche genial en el Club Maria, la sede principal del Club Transmediale, bajo el nombre Tuned Space.

La noche comenzó con Dallas Simpson y su concierto binaural, que la audiencia disfrutó mediante auriculares inalámbricos, mientras Dallas realizaba una minuciosa coreografía sonora en las inmediaciones del club (situado al lado de un rio en una zona pseudoindustrial), caminando y manipulando objetos preparados anteriormente y encontrados en el lugar. Después BJ Nilsen y Hildur Gudnadottir realizaron un concierto multicanal también bastante íntimo, en esta ocasión explorando la resonancia de la viola y el cello.

El tono de la noche subió dramáticamente con la aparición del vasco Mattin, que con su anti-laptop “Body & Linux” performance, perforó durante un rato los tímpanos y cerebros de los asistentes. Daniel Menche continuó elevando la intensidad con un concierto de noise utilizando como instrumentos sus cuerdas vocales y el resto de su cuerpo, objetos como tablas y varillas y un arsenal de pedales analógicos. Para culminar, llego el turno de Mark Bain, que literalmente hizo vibrar el edificio con sus sistemas para hacer resonar estructuras arquitectónicas y para registrar y hacer audibles esas mismas vibraciones, y que en mi caso fue una de la experiencias sonoras más emocionantes que he vivido hasta ahora.

Mediateletipos surgió como la reunión de tres personas que trabajaban en web y que asumieron la necesidad de una web con contenidos sobre sonido, escucha y audiovisual en un sentido expandido. Partiendo de ahí, al poco más y más integrantes del colectivo gallego escoitar se sumaban a la presencia de Zemos98 y comenzaron a postear en el blog, y en determinado momento, la identidad y visibilidad que iba tomando escoitar se fue haciendo más patente en mediateletipos.

De la lista de integrantes del blog, escoitar son Carlos Suarez, Chiu Longina, Julio Gómez, Xoan Xil y eventualmente Enrique Tomás. Casi todos las otras personas que postean han colaborado, coincidido y conspirado con escoitar.
A escoitar le debemos la introducción de anglicismo aural, hoy casi aceptado en el mundo del arte, las historias sobre el poder del sonido, los usos de la geolocalización y si no el primer mapa sonoro (mérito siempre discutible), al menos la popularización de este.

Recientemente, Horacio González Diéguez, se preguntaba ¿dónde está escoitar? tras una etapa de menor visibilidad.

Posted by Chiu Longina

FONOTOPÍAS DE GALICIA.
REGISTRO Y PUBLICACIÓN DE SONIDOS EN PELIGRO DE EXTINCIÓN
Colectivo Escoitar.org

EL PROYECTO

FONOTOPÍAS DE GALICIA es un proyecto para el registro, estudio y conservación de sonidos en peligro de extinción en el territorio gallego cuyo objetivo es, entre otros, la incorporación del sonido al patrimonio cultural inmaterial del país o el estudio de la identidad local a través de la acústica de sus espacios y gentes. La memoria sonora de Galicia es desconocida en muchos de sus aspectos fundamentales, y este proyecto pretende fomentar y difundir a escucha como un modo más de conocer la realidad de Galicia.

El proyecto, a través de un trabajo de campo exhaustivo, ofrece la identificación de sonidos que corren el peligro de extinguirse y su registro fonográfico.

INTRODUCCIÓN E IDEAS GENERALES. EL SONIDO COMO PATRIMONIO CULTURAL

Un lugar es un espacio que en buena medida está construido de memoria y una importante parte de esa memoria, ya sea individual o colectiva, se va sedimentando por medio de la auralidad. Cada entorno, cada contexto, cada momento, tiene sus propios sonidos que lo caracterizan y lo identifican, o lo individualizan, frente a las acústicas de otros espacios y contextos.

La progresiva e inevitable desaparición y modificación de algunas prácticas culturales y de ciertos entornos naturales lleva asociada la pérdida de una riqueza sonora irrecuperable al tiempo que emergen nuevos paisajes sonoros que en ocasiones tienden a la homogeneización acústica, algo que ocurre básicamente por influencia de los procesos de industrialización.

Se abre una línea de trabajo destinada a la recolección de aquellos sonidos que tienen un valor especial y que están en “peligro de extinción” reflexionando sobre las características de los espacios acústicos de Galicia y atendiendo a sus particularidades.

JUSTIFICACIÓN Y RAZONES EN LAS QUE SE FUNDAMENTA EL PROYECTO

El Patrimonio Sonoro es una parte importante de nuestro patrimonio cultural, (un patrimonio que fue registrado abundantemente en el ámbito de sus aspectos visuales, pero muy poco en su aspecto sonoro). Este proyecto propone la puesta en marcha de un esfuerzo inaplazable de investigación que implique la realización de un conjunto de trabajos de campo que permitan localizar los sonidos que se encuentran en peligro inminente de extinción.

En la actualidad la mayor parte de las recolecciones sonoras y ediciones fonográficas que se hacen en Galicia, en el contexto de la conservación del patrimonio inmaterial, se sitúan entre la expresión musical y la expresión oral. En esta dualidad se pierde toda la riqueza aural de Galicia que no entra dentro de estas categorías entanto que es considerada un “residuo” sonoro, un hecho involuntario. Al mismo tiempo se está ejerciendo un desprecio al gran valor de este material, no sólo para ciertas disciplinas, (historia, antropología, etnografía, psicología, ecología, arquitectura…), sino también para la educación, la creación artística y para el conocimiento de nuestra realidad acústica.

Ciertamente estos fragmentos de nuestra identidad son una aportación sustanciosa de la realidad sonora actual. Desde Escoitar.org creemos que es imprescindible continuar con este trabajo de un modo sistemático, partiendo de la reflexión y de premisas científicas con el fin de promover una honda sensibilización hacia el sonido de nuestro entorno así como llenar el espacio vacío que existe en nuestros archivos permitiendo la permanencia de los sonidos que forman parte de nuestra realidad para la mejor comprensión de nuestra cultura.

Se puede consultar la totalidade del proyecto descargando el siguiente PDF -en gallego- (contiene la iniciativa enviada a Creación e Difusión Cultural, Xunta de Galicia, para solicitar la ayuda parcial)

Fonotopías de Galicia se ha puesto en marcha el pasado mes de octubre. El proyecto tendrá una duración de 2 años tras los cuales se publicarán 4 CDs y un libro.

Para la puesta en marcha del proyecto se presentó la Audio-Acción “Castañazo” en la que se grabó el sonido de la caída de la primera castaña de la temporada en el parque natural de la Red Natura 2000 “O Caurel”.

Zemos 98 fue, junto con Escoitar, y con Pablo Sanz de manera independiente, otra de las raíces o nodos desde los que surgió este blog, en principio un blog hecho por artistas sobre arte.

Los intereses de Zemos han estado patentes en mediateletipos desde el principio y hasta la actualidad. Se podrían resumir en dos principalmente, el estudio del audiovisual expandido y el interés por la cultura libre.

La importancia del audiovisual puede verse en el tag vj, con homónimo en forma de blog gestionado por Zemos. El otro tema principal, el de la cultura libre, está en la base y en los principios de la mayoría de los integrantes del blog. Antes de la expansión de las redes sociales y de que compartir sonido se hiciera por medio de grandes corporaciones, compartir en la red, más allá de los derechos de autor, era la base del funcionamiento de blogs como estos.

Posted by Pedro Jiménez

Teoría del VJing. Realización y representación audiovisual a tiempo real. Apropiación de retórica y estética de las vanguardias artísticas del s. XX – César Ustarroz – Ediciones Libertarias – Madrid, Mayo 2010
http://www.teoriadelvjing.com/

Este libro de César Ustarroz, investigador y artista audiovisual, viene a cubrir un hueco: es probablemente el primer libro sobre la teoría del VJ que se escribe en español. No obstante el mérito de ser el primero tampoco es importante, hay investigadoras, el caso de Laura Sebastián y Mia Makela, que han liberado en la red sus investigaciones académicas sobre este movimiento artístico, importante es también en el caso de Makela el comisariado sobre Live Cinema para el especial de a mínima; otros hemos intentando mantener una línea de trabajo sobre este tema y aportado algo con lo escrito para el catálogo de la exposición “Repeat Please: Cultura VJ“. Cabe destacar, por lo diferente en el planteamiento, que el libro de Ustarroz sí pretende superar, al menos no se hacen si quiera referencia a ellos, los estudios del ámbito anglosajón que han liderado colectivos como DFuse y su exquisito volumen publicado en 2006: “VJ: Audio-Visual Art and VJ Culture”.

El libro de DFuse, aún siendo el más completo, está más centrado en la autoafirmación de un movimiento artístico que en un análisis crítico de las condiciones reales en las que surge el VJ. Es precisamente lo contrario a lo que en este libro de César Ustarroz se pretende hacer: caer en el ensimismamiento de que el VJ no tiene una historia, un background, y una fenomenología insertada en la cultura visual precedente y contemporánea. En todo caso la ausencia de referencias a otros investigadores como Mark Amerika (que tiene un blog titulado Professor VJ) o Eduardo Navas y su remixtheory.net me parecen unas carencias dignas de reseñar.

Ustarroz se situa en “el contexto de los nuevos medias y la cultura del remix, ubicado en un paisaje esculpido por los procesos de participación e interactividad, intermedialidad e interdisciplinariedad, hiperrealidad y realidad ampliada, surge el VJing como dispositivo dirigido a la realización y representación audiovisual a tiempo real.” Lo que le lleva, a Ustarroz, a plantear tres tesis o puntos de partida que a mi parecer son las tres aportaciones fundamentales de su libro. Por un lado, aunque parezca evidente, reivindica la idea de que “El vjing se convierte en el paradigma ideal para el estudio y comprensión de la intermedialidad. Paradigma de la hibidración de los nuevos medios audiovisuales y técnicas de producción que se resuelven en la era digital.“.

Influenciado por los estudios de Lev Manovich o por la propia lógica de la justificación que necesita el escrito de corte académico Ustarroz, para llegar a lo que es para mi su segunda aportación interesante, hace un recorrido excesivamente profuso por los referentes clásicos del cine de vanguardia, el collage y el found footage. Elementos muy importantes para entender el lenguaje visual del que beben, probablemente inconscientemente, los VJs pero que sepulta el espacio disponible del libro para ubicar otro tipo de referencias técnicas y sociológicas.

“La verdadera especificidad del VJing radica en el gesto de producir y representar a tiempo real contenidos visuales diferentes combinando diferentes tecnologías dirigidas a la construcción, manipulación y representación del objeto visual interactuando con la banda sonora“, es en el tiempo de la representación donde ocurre el fenómeno del VJing y es precisamente esta cualidad la que pone en valor el acontecimiento y la performance como elementos fundacionales del VJing. En esta especificidad es donde el tiempo real con todas sus circunstancias contextuales es entendido como “tiempo vivido”. Merece la pena cita de Michel Chion que se recoge en el libro: “Una imagen en tiempo real es una imagen que representa tiempo vivido“.

Ahondando en la idea del tiempo real, cualquier proyección, previamente editada genera “tiempo vivido”, acceder a cualquier archivo audiovisual también es “tiempo vivido” por eso en la fenomenología del VJing el propio Ustarroz, incide en la idea de que el elemento diferencial está en el que el montaje final y sobre todo el diálogo con la banda sonora, se “ejecuta” en directo, sumándole elementos escenográficos diversos, desde la multipantalla a la eliminación de la mirada dirigida a una única pantalla. Las posibilidades y las instalaciones son múltiples, aún así Ustarroz afirma rotundamente que, y aquí está la tercera aportación más interesante de este libro, “no existe un lenguaje específico al Vjing” ya que “el lenguaje cinematográfico es el lenguaje que maneja el VJing en la construcción del objeto audiovisual“. Porque el “lenguaje cinematográfico no es sino el lenguaje de la imagen en movimiento, no se trata de un lenguaje hermético sino que adopta nuevos elementos formales en una constante renovación“. Y termina por acotar al fenómeno VJing “no se trata de un nuevo medio, sino de un dispositivo o plataforma de expresión en el contexto postmediático que contemplamos, que trabaja con la imagen en movimiento en determinadas especificidades“.

Lo que me parece más importante de la aportación de Ustarroz es cómo enfrentarnos, los que tenemos responsabilidad en cuanto a la mediación cultural sobre este fenómeno, a contextualizar dicho dispositivo audiovisual, ya sea programando, seleccionando o en la organización de espacios de formación. Muchos han intentando aislarlo, creer que el VJing surge de manera espontánea como correlación a la figura de la cultura de club y cuyo hermano mayor es el DJ y no es así; otros estudios han intentando diferenciar entre VJ y Live Cinema, menospreciando la cultura de club por ser un espacio tendente a la “mercantilización” y no al “arte”, a lo cual responde, de manera rotunda el propio Ustarroz, en un apartado titulado “VJ vs Live Cinema”, apostando por la nomenclatura VJ y desechando la idea de Live Cinema por reduccionista, confusa y fascinada por el supuesto descubrimiento de un lenguaje audiovisual propio.

El debate no tiene mayor importancia. Sea Live Cinema o VJ coincido con Ustarroz en lo que para mi es más importante, hay una historia que descubrir, hay un fenómeno que hay que contextualizar. Hay que ser humildes y no pensar que el VJ lo inventamos ayer de la nada y que es tan importante que ha generado su propio lenguaje, único y con una gramática normativa que pone barreras expresivas innecesarias. No, hay que conocer la historia audiovisual, por ejemplo atender a los artistas locales, olvidados en el texto de Ustarroz, para darnos cuenta de que en España, uno de los países europeos donde el VJing se ha desarrollado con mayor profusión, hay unos hitos en la experimentación con el lenguaje cinematográfico como puedan ser José Val del Omar o José Antonio Sistiaga, por mencionar dos muy evidentes, o la veda que se abriría si empezáramos a hablar de “found footage” y cine experimental en España de la mano, por ejemplo, de Eugeni Bonet.

Aunque centrado en la “retórica y la estética” el texto de Ustarroz también adolece de referencias a la importante labor de festivales y espacios de programación de eventos sobre VJ así como al componente comercial de la plataforma VJ, no en vano muchos de los artistas terminan trabajando para eventos y espectáculos de marcas, y está claro que esto no debe ser motivo de menosprecio, pero sí es importante reseñar que muchos de los avances, en equipos de proyección, en hardware y en software para la práctica del VJing tienen su sustento en la salida para el mercado de los eventos comerciales.

En síntesis, un bueno libro, centrado en las tres ideas básicas que deben ser un punto de partida nuevo y que pueden servir(nos) a otros para seguir pensando sobre este fenómeno artístico-técnico.

Desde que se instauró el anglicismo de cultura aural en el contexto de la lengua hispana como reflejo de los Visual Studies anglosajones, ha habido distintas tentativas de academizar e institucionalizar este término bajo términos como Sonic Studies, Aural & Visual Studies hasta que finalmente parece que el término Sound Studies ha llegado para quedarse.

Mediateletipos surge en paralelo a estos estudios en los que se mezclaban disciplinas como la estética, la antropología, la musicología y etnomusicología, la economía política o los estudios sobre la tecnología y la identidad; todo ello con el objetivo de estudiar el sonido, el arte sonoro y las cultura musical desde un marco contextual a la resonancia de distintas teorías y escuelas de pensamiento.

En 2013 se celebró lo que sería la puesta de largo de este tipo de estudios en Berlín. Con la colaboración de Audiolab, mediateletipos se desplazó hasta Berlín para cubrir el evento, dando lugar a la siguiente reseña.

Posted by José Luis Espejo

Entre los días 4 y 6 de octubre fui a cubrir como parte de Audiolab el primer seminario europeo de estudios de sonido (ESSA), y además de algunas entrevistas, realicé esta crónica o reseña que se publica originalmente en el blog de Audiolab y que pego a continuación.

Cuando uno se sobrepone a la visión terrible de la reconstrucción del Palacio Imperial de los Hohenzollern, y a lo que ello significa, se acerca a la universidad Humboldt de Berlín, gracias a Audiolab y con la ayuda de NK Project, con la curiosidad propia, la desconfianza justa y las expectativas marcadas sobre que puede suceder en el 1º encuentro de la Asociación Europea de Estudios del Sonido (ESSA). ¿Qué pretende la universidad fijando, con resonancia esplendorosa, las distintas metodología trans-disciplinarias que se han arremolinado en los últimos diez años alrededor de lo que suena?

Lo que aparecía como un máster aquí, una asignatura allá, y una especialización en algún sitio más, se ha ido dibujando como metodología académica comparable a los Visual Studies, con sus cabezas visibles y sus temas troncales.
En el caso de ESSA, si tuviéramos que hablar de un tema central, deberíamos hablar de la transducción como centro del desarrollo de buena parte de los estudios presentados allí. Quizá se deba al desarrollo de este concepto que Jonathan Sterne realizó en Audible Past. Y quizá por esto hubo citas y más citas a este investigador a lo largo de Funtional Sounds, que en sus momentos más interesantes, revisó, amplió e hizo explotar el significado de transducción.
Esta idea expone que a un nivel estructural, la reproducción de sonido es poco más que la transformación de vibración en electricidad. Según el libro, también fundacional, Soundscape of Modernity de Emily Thompson, esta transducción eléctrica ha cambiado nuestra manera de escuchar y pensar lo que suena o el mundo a partir de sus resonancias. En el caso del trabajo de Thompson, esta transducción, al introducirse en la arquitectura de los teatros mediante la amplificación, cambió para siempre nuestra idea de resonancia hasta cambiar también las arquitecturas aurales, haciendo que el aislamiento anti-reverberante se entendiera casi como una necesidad.

La introducción de Functional Sound a mano de Holger Schulze, organizador del encuentro en su papel de coordinador del Sound Studies Lab, celebraba la transdiciplinaridad como una vía para el estudio teórico del diseño sonoro. No parece casualidad el tema elegido para el primer encuentro dado que el diseño y el branding sonoro comienzan a ganar posiciones dentro del ambiente académico y comercial. De hecho es posible que el ascenso de estos modelos de mercado, capitalización e instrumentalizació de los sonidos, sea algo que nos preocupa a todos.

Douglas Kahn realizó la conferencia de apertura a la vez que la presentación de su nuevo libro Earth Sound Earth Signal: Energies and Earth Magnitude in the Arts. El autor del histórico (y de difícil lectura) Noise, Water, Meat: A History of Sound in the Arts (MIT Press, 1999) y coeditor del más accesible e interesantísimo Wireless Imagination: Sound, Radio and the Avant-garde, (MIT Press, 1992), presentó un análisis desbordado del sonido en la cultura llevándolo, no ya a sus principios estructurales, sino a sus principios físicos. Kahn planteaba que el ascenso del electromagnetismo en la ciencia del s. XIX facilitó otras formas de pensar el sonido y que fue precisamente de la suma del electromagnetismo y la acústica de donde surgió la transducción.
De aquí se lanzó a analizar las relaciones del sonido con la humanidad como una fuerza entrópica, rozando y citando en algunas partes de su conferencia algunos principios de la Ontología Orientada a Objetos, es decir, la filosofía que trata de pensar los fenómenos del mundo sin situar la experiencia y existencia humana en el centro de ellos.
Desde este planteamiento de la física, las relaciones del sonido y del campo electromagnético por el que se transmite no son menos interesantes. Kahn exponía que este magma electromagnético es un espacio fundamental para la expansión neo-colonial, al hacer la tierra más pequeña. Las telecomunicaciones basadas en la transducción del sonido en electricidad, han hecho posible otra idea de imperio. De algún modo podríamos hablar de una política y una cultura sin hilos (wireless culture).

La otra keynote vino a cargo de Jason Stanyek, que se centró en algo aparentemente insignificante pero con connotaciones desproporcionadas: El control activo de ruido por cancelación. Estos sistemas son los que hoy llevan desde auriculares hasta teléfonos móviles, y que se desarrollaron para los auriculares de avión. Lo que hacen estos sistemas es captar el sonido que sucede dentro y fuera de la copa del auricular, y emitir unas frecuencias opuestas que cancelen la percepción de este sonido.

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Este feedback inverso, se convierte en una defensa del oído, una barrera que vende el confort y el aislamiento como su mejor valor. Según Jason Stanyek, además del confort, este tipo de dispositivos están poniendo en valor la tranquilidad silenciosa (quiet, que se traduce a la vez como tranquilidad, privado reservado, reposo).
Por último Stanyek repasó el mito de Ulises y las sirenas, tantas veces usado en la cultura de la escucha, pero especialmente en lo que se refiere a los auriculares en el texto de Michael Bull Thinking about sound, proximity and distance in western experience the case of odysseus walkman. El enfoque de Stanyek, sin embargo, se centra mucho más en la idea de crear tapones que nos aíslen del ruido como onda, no tanto en la de crear una experiencia estética audiovisual a partir de la música escuchada en los auriculares.

Dada la organización del seminario, uno debía elegir entre distintas mesas, por lo que no sería justo juzgar el interés de las distintas charlas. Así que sólo destacaré una que me resultó realmente interesante a nivel personal. Se trataba de Melissa Jan Drie, investigadora que trabaja junto con Karin Bijsterveld en la Universidad de Maastricht y que ha desarrollado su estudio sobre el uso de los estetoscopios.
En esta ocasión venía a mostrar sus estudios en el Teatrophone, un dispositivo que permitía, antes de la invención del fonógrafo, hacer un streaming del sonido de la ópera. Llegó a haber una red de auriculares en salas de escucha de cafeterías y bares de París, que permitían escuchar en tiempo real, y mediante un sistema de radio por hilos, distintos espectáculos de ópera de distintos teatros, que uno podía seleccionar por un dial.
Este aparato, no sólo permitía hacer asequible la escucha de la opera, sino que proponía escuchar algo que no se estaba viendo interpretar en un espectáculo tan audiovisual como la ópera, a la vez que des-contextualizaba el espacio de escucha permitiendo hablar mientras se oía esta música.

En 2011 y fruto de una colaboración con el Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment, parte del equipo de mediateletipos, bajo el comisariado de Pablo Sanz, realizó una serie de post, un ciclo de cine, conciertos y una exposición bajo el tema de la Inmersión Sensorial. Un tema resbaladizo desde el principio, trataba de analizar e historiar una tendencia en el arte audiovisual que busca la sugestión de espacios autónomos que ponen en cuestión o expanden los límites de la percepción humana.

El trabajo de investigación se centró en la tradición cinematográfica, el cine en directo o la acusmática, dando pié a otras interpretaciones del término de inmersión. Todo ello dió pie a una serie de eventos que tuvieron lugar en Lucena y Córdoba y que también concluyeron en un conjunto de entrevistas a los artistas participantes.

Recuperamos ahora la introducción al proyecto firmada por el mismo Pablo Sanz.

Posted by Pablo Sanz

Anunciábamos hace unos meses la preparación de la próxima edición del Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment, que tras diez años de andadura, se renueva con un formato trienal, celebrando el grueso de sus actividades el próximo 2011 en Lucena y Córdoba principalmente.

Comentamos entonces que tras la colaboración realizada el año pasado con el proyecto online Mediateletipos-Retrospecta, Sensxperiment nos ha invitado de nuevo a participar, esta vez confeccionando la programación y actuando también como plataforma de difusión para sus actividades. De hecho, gracias a esta colaboración, hemos estrenado el nuevo aspecto que nos acompaña desde hace semanas.

El título escogido para la próxima edición de este encuentro es ‘Inmersión Sensorial’, y quizá antes de nada sea oportuno reflexionar un poco acerca de tan amplio, escurridizo y sugerente concepto, y sobre todo, introducir cómo nos aproximaremos a él.

Por un lado, se podría afirmar que el paradigma de la inmersión siempre ha estado presente en la creación artística, directamente ligado a conceptos como el de ilusión y la representación de realidades ficticias. El teatro y la literatura (también el cine, la televisión, el video e incluso la radio) han buscado sumergir al espectador en su narrativa, intentando diluir la distancia e involucrarle al máximo. Encontramos por ejemplo recursos pictóricos clásicos, como el trampantojo, empleado para engañar al ojo e incrementar la sensación de realismo e inmersión, o formatos como el panorama y el diorama, bastante populares a finales del s. XIX. Desde el inicio del pasado siglo y partiendo de conceptos como la ‘Gesamtkunstwerk’ (precisamente inspirado en el antiguo teatro griego), ha surgido en paralelo al desarrollo de las posibilidades técnicas, un afán por unificar los medios empleados, las disciplinas artísticas y los sentidos, manipulando todos los elementos al alcance para alcanzar un estado de inmersión total por parte de la audiencia. Siguiendo esa interpretación multisensorial, aparecen el desarrollo de conceptos como el de sinestesia, el intermedia o el género de la instalación artística, con multitud de trabajos en los que el espectador (convertido en muchos de estos casos en partícipe) es sumergido en la obra. Los ejemplos actuales más evidentes los encontramos en los videojuegos, la realidad virtual (la que ocurre en Internet, a través de interfaces o bien en entornos especiales de última generación), el re-emergente cine 3D, los parques temáticos o en una variedad de trabajos catalogados dentro de lo que se viene a denominar ‘new media’.

No obstante, no es necesario referirnos a la historia del arte ni del entretenimiento para apreciar este fenómeno, que es parte de nuestra experiencia más cotidiana y aparece también por ejemplo en casi cualquier ritual popular que se precie, desde en las más remotas culturas aborígenes hasta en una procesión de Semana Santa, una rave de música electrónica o un concierto de metal.

Hoy en día encontramos muchos trabajos artísticos y de ocio —discutir las diferenciaciones ya es otra historia— que incluyen el término inmersivo en sus descripciones. En muchos casos esta es una manera de destacar su alto grado de multisensorialidad, hiper-realidad, el carácter íntimo y subjetivo de las experiencias ofrecidas, o simplemente es un mero gancho conectado al despliegue tecnológico del que hacen gala.

En esta edición de Sensxperiment, lejos de querer abarcar todas las posibles manifestaciones de tan variado concepto, pero manteniendo un carácter abierto y ecléctico, nos hemos propuesto examinarlo en relación a una serie de trabajos artísticos que parten sobre todo de la creación audiovisual, con especial énfasis en la exploración de las cualidades envolventes, íntimas e incluso físicas de la escucha y el medio sonoro. El objetivo es mostrar piezas recientes y rescatar ejemplos históricos relevantes, basándonos sobre todo (aunque no exclusivamente) en el valor de todas ellas como experiencias perceptivas. También nos gustaría contextualizar estos trabajos, indagar en las experiencias que producen y aproximarlos de una manera crítica, sin mayores pretensiones que la de contribuir a su difusión y acercar al público interesado trabajos y experiencias que en muchos casos pasan bastante desapercibidos.

Habrá varias líneas de investigación entrelazadas, tocando temas como el cine expandido y el live cinema, las relaciones entre sonido y espacio, el soundwalk, el paisaje sonoro y la escucha profunda. En pocas palabras, nos interesa mucho más tratar la inmersión desde lo perceptual y sensorial que desde lo espectacular o como un formato estrictamente tecnológico.

La estructura general del proyecto está basada en una investigación dinámica que se manifestará a partir de este momento mediante una serie de publicaciones regulares en Mediateletipos, funcionando como complemento a los eventos físicos organizados en 2011 (con aperitivos en 2010 que anunciaremos a su debido tiempo). Los posts dedicados a este proyecto aparecerán en el flujo habitual de los teletipos, además de quedar agrupados en una sección de la web habilitada para ello.

Recientemente Mediateletipos ha iniciado algunas lineas temáticas. Una de ellas lleva el nombre de Audiovisión, a la manera del libro de Michel Chion sobre sonido en el cine. Este bloque ha sido desarrollado especialmente por Blanca Rego. En esta sección se repasan distintas relaciones del sonido y la imagen en el medio audiovisual desde la historia del sonido óptico, los medios de exhibición en cines, la historia de la sinestesia fílmica o los primeros avances tecnológicos.

En esta ocasión se habla de Mary Hallock-Greenewalt, una pionera que a principios del siglo XX ideó espectáculos audiovisuales con un órgano de color. En este post se habla de algunos de sus inventos. El hecho de que esta figura sea menos conocida en la historia de la sinestesia que la de Alexander Scriabin u Oskar Fischinger, por ejemplo, pone de manifiesto cómo la historia extiende sus lagunas y acusa sus ausencias en función del género de sus protagonistas.

Posted by Blanca Rego

La historia de la música visual va mucho más allá de las primeras películas abstractas de Oskar Fischinger y Viking Eggeling, y de todo el desarrollo posterior que han permitido las tecnologías digitales. Sin embargo, hay muchos personajes de esta historia que por una u otra razón casi nadie recuerda, y uno de ellos es Mary Hallock-Greenewalt.

Mary Hallock-Greenewalt era una de las hijas del cónsul estadounidense en Beirut allá a finales del XIX. Su padre, Samuel Hallock, era además inventor y editor, lo que es probable que influyese en el aprendizaje e intereses posteriores de Mary.

Mary se introdujo en el mundo de la música a través de las clases de piano que le daba su madre, y tras trasladarse a EE. UU. terminó estudiando en la Philadelphia Musical Academy, donde se graduó en 1893. Cuatro años más tarde, se fue a Viena para estudiar con Theodor Leschetizky, quien en aquella época era el profesor de piano más famoso de Austria.

Cuando Mary volvió a EE.UU un año más tarde, tenía 27 años. Se casó inmediatamente con el Dr. Frank Greenewalt y se dispuso a forjarse una carrera como concertista de piano. Entonces se topó con la cruda realidad, había tantos pianistas que los mánager no le prestaban ninguna atención. No era suficiente con tocar bien el piano, ni siquiera con ser un genio, había que ofrecer algo más que sorprendiese al público.

Mary estuvo sopesando el tema con calma y decidió que no estaba dispuesta a convertirse en un escaparate falso que escandalizase o llamase la atención, quería destacar por su arte, no por su cuerpo o por un personaje inventado para la prensa. Fue entonces cuando tuvo la idea de conjugar su música con color, creando un espectáculo audiovisual.

Durante los años posteriores, se centró en la construcción de un órgano de color. Aunque sus primeros experimentos en este sentido se iniciaron en 1905, no empezó a conseguir resultados hasta 1909. Su primera idea fue pintar película fotográfica y proyectarla con una linterna mágica. En una de las primeras anotaciones que hizo sobre el tema en sus cuadernos, habla de su «primer mapeado de secuencias de color para Y la luna bajó sobre el templo que fue de Debussy» (Design and Notes for Color Tints, Greenwalt Papers, The Historical Society of Pennsylvania). Resulta curioso que utilice precisamente el término «mapeado», uno de los más explotados actualmente en el mundo del arte digital.

La idea de la linterna mágica no llegó muy allá, pero en 1919 terminó de desarrollar un fonógrafo preparado especialmente para ser sincronizado con luces de colores. Sus investigaciones culminaron poco tiempo más tarde en lo que bautizó como Sarabet (en honor a su madre, Sara Tabet) y Nourathar (una combinación de los términos árabes nour (luz) y athar (esencia). El Sarabet era un órgano de color, mientras que Nourathar es el nombre que le dio a ese nuevo arte que combinaba sonido y luz.

El Sarabet era un instrumento similar a un órgano que se manejaba con dos pedales y una serie de palancas que activaban reostatos. Exigía que el interprete utilizase los dos pies y las dos manos, por lo que la música que acompañaba a los colores debía ser ejecutada por otra persona. Se presentó en 1922 en unos grandes almacenes de Nueva York, y más tarde se fabricó un segundo modelo para instalarlo en un jardín botánico. No obstante, nunca pasó de ser una curiosidad de la escena musical neoyorquina de la época.

Mary proclamaba ser «quien ha concebido, originado, explotado, desarrollado y patentado» la música-color (Nourathar, Mary Hallock-Greenewalt), y además afirmaba que el Nourathar mejoraba la salud, una teoría que la introduce ya directamente en el terreno del new age. La realidad es que los órganos de color no eran nada nuevo, existían al menos desde el siglo XVIII, y las teorías que relacionan el color/luz con el sonido son mucho más antiguas. Tanto el sonido como la luz son ondas, así que no es extraño que muchos científicos, desde Marin Cureau de la Chambre a Isaac Newton, se hayan preocupado por ese tema.

A pesar de sus delirios de grandeza, o de su ignorancia, quizá, no cabe la menor duda de que Mary siguió un camino insólito para una pianista clásica de principios del siglo XX. Sus dos grandes problemas fueron la serie de interminables pleitos legales a la que la empujaron sus patentes y la gran explosión del cine sonoro, que provocó que su invento no acabase de cuajar entre el público. Estos dos obstáculos la llevaron a terminar abandonando sus investigaciones.

Más información:
Mary Elizabeth Hallock Greenewalt and the Sarabet, The Historical Society of Pennsylvania.
NOURATHAR: An early 20th century color organ, Maurice Wright. [PDF, 3MB]
New ‘Color Organ’ to Interpret Music, The New York Times.

El uno de septiembre de 2008 Pablo Sanz volvía de vacaciones y encontraba la portada de la revista The Wire dedicada a Ultra-Red con el subtítulo La Revolución será descargable.

La eternamente parafraseada The revolution will not be televised de Gil Scott Heron se usaba en esta ocasión para hablar de la práctica sonora de este colectivo que se centra en cuestiones políticas y de identidad y que por 2008 colgaba libremente sus discos antes de que esto fuese habitual o, como se ha demostrado últimamente, estrategia de marketing de manual de economía.

Además de ser un post marcadamente personal, atiende a otras cuestiones tratadas muchas veces en el blog durante su existencia: la cultura libre, el activismo sonoro, los usos políticos del sonido y obviamente la música experimental.

Ultra-Red ha ocupado en más de una ocasión el espacio del blog, desde donde se ha reseñado su trabajo sonoro, sus talleres o su producción teórica. Se ha seleccionado este post pero bien podría haber sido esta reseña de uno de sus talleres, este hilo de comentarios críticos sobre los post dedicados al colectivo, el enlace simple a uno de sus textos, a un programa de radio donde eran protagonistas o en las referencias declaradas de algunos de los integrantes del blog.

Posted by Pablo Sanz

03:30am: suena el despertador, ha dormido usted 3 horas: DESPIERTE!, es lunes, uno de septiembre, amanece, aeropuerto, colas, exceso de equipaje, saque y vuelva a meter toda su cacharrería electrónica del equipaje de mano, 06:55: despegue sin incidentes, vuelta a casa tras un mes fuera, comienzo de un nuevo curso, recuerdos variados de las ultimas semanas, listas de to-dos, gente que no dio tiempo a ver, cosas que quedaron sin hacer, cosas olvidadas, demasiadas tareas que hacer esperando al llegar y la espalda jodida por cargar demasiado el equipaje… el agobio resonando en mi cabeza…en fin (sin-fin)… hoy con estos ingredientes a todas luces no se vislumbraba como mi mejor día, y bueno… a quién le importa mi insignificante existencia y sus penurias se preguntará ya alguien…

A casi nadie, eso seguro… pero la cuestión es que aún después de la accidentada subida en dos tandas del equipaje hasta el cuarto piso (sin ascensor, por supuesto) en el que habito, por unas escaleras que creo fueron diseñadas por el mismísimo M.C.Escher para la casa de Los Diminutos, me he sorprendido a mí mismo sonriendo (la primera sonrisa ‘auténtica’ del día?) al recoger del suelo el número de septiembre de ‘The Wire’, a la que mi querido compañero Juan Gil se refería en una ocasión como ‘la única revista que subrayo’ (cosa que nos pasa a much@s seguramente) y ver que su portada está dedicada al colectivo ULTRA-RED, con el subtítulo ‘The revolution will be downloadable’. JODER, PUES VAYA SORPRESA!

Bueno, igual no es para tanto o es que yo estoy especialmente sensible hoy por la falta de horas de sueño y esto de que regresamos de un mes de vacaciones mediateletiperas y la coincidencia me da cierto juego para un post de vuelta, pero la verdad es que hallarme esto especialmente hoy ha sido una pequeña, oportuna e inesperada señal en mi peculiar devenir personal y sonoro, pues ha servido para reencontrarme y de paso ahondar un poco más en el trabajo de este grupo de audio-activistas, o mejor dicho ‘a political-aesthetic organisation’ (asi se re-definen ellos mismos desde 2004), el cual goza de mi especial admiración y cariño, por lo interesante e inspirador de su propuesta y la potencia de sus actividades desde que los conocí a través de dos lanzamientos en cd en el sello Mille Plateaux, allá por el 99-00: ‘Second Nature: an electroacoustic pastoral’ y ‘Structural Adjustments’, que se ocupaban de documentar y reflexionar acerca de asuntos sociales ‘delicados’ como las practicas homosexuales en espacios públicos y el reajuste urbanístico respectivamente.

Tras esos dos y algún otro lanzamiento en soporte físico, el colectivo fundó hace unos años la plataforma online Public Record, en la que ofrecen gratuita y libremente sus trabajos y la documentación de sus actividades, lo que les permite tener control total sobre el flujo y contenido de lo publicado, sin tener que intentar editar en soporte físico lo que muchos sellos sería seguramente imposible de publicar, al no resultar rentable.

No voy a intentar hacer aquí un desglose en profundidad de las actividades de este colectivo multinacional que de hecho ya apareció en teletipos anteriores. Para ello os remito a su web y a este reportaje escrito por Mark Fisher, que además de servirnos para poner caras a sus miembros, hace un jugoso repaso de su trayectoria y nos muestra la filosofía que ha ido conduciendo al proyecto en su trabajo desde mediados de los noventa, así como sus desafíos y planteamientos actuales; pero en resumen podemos decir que con sus actividades se han dedicado a explorar y explotar conexiones entre la acción política y areas como la escucha y la música experimental, influenciados por movimientos como el dada, el situacionismo y figuras como Walter Benjamin, Althusser, Duchamp, Cage, Rauschenberg, Derrida o el teórico de la educación Paulo Freire. Sus trabajos se orientan a hacer visibles las situaciones y problemáticas de determinadas minorias y también, más que cargar al arte de contenido político, se dedican a hacer hincapie y reflexionar acerca de las cuestiones políticas inherentes al arte y en particular al medio sonoro-musical en la era electrónica y los procesos, herramientas, recursos y modelos de producción y distribución utilizados.

Su último proyecto, presentado en la Tate Britain de Londres hace unos meses se llama ‘We Come From Your Future’, y se construye a partir de la pregunta: ‘¿Cuáles son los sonidos del anti-racismo?’. En él continuan con el trabajo iniciado en lanzamientos anteriores como ‘Play Kanak Attak’ (2005) y ‘Plaza Mariachi’ (2006), incidiendo en las discusiones existentes en torno a la diversidad étnica, la inmigración, el espacio público o los resultados de la masiva privatización impulsada por el neoliberalismo en diversas areas. Hay más información y contenidos exclusivos sobre el proyecto en este espacio de la web de The Wire.

Y ahora, a punto de dar el día por cerrado, mientras escucho ‘Movement for Airports’, otro trabajo de Ultra-Red publicado en 2005, repaso mentalmente el discurrir de la jornada e intento hacer un poco de autocrítica y reflexión barata preguntándome si quizá a fin de cuentas soy afortunado de haber nacido en ‘el lado bueno’ del mundo y tener entre otros el privilegio no siempre apreciado de poder circular con (relativa) fluidez por aeropuertos y cruzar fronteras y de expresarme ‘libremente’ como por ejemplo aqui y ahora en este microespacio de la red, cosas que para muchos no son un derecho en absoluto. Bueno, pues entonces intentemos pensar en hacer un ‘buen uso’ de tales ‘privilegios’ y de paso tratar de que el ánimo no decaiga sin necesidad a la primera de cambio en cualquier día un poco chungo.

Lo dicho, que volvemos a estar al pie del cañón aquí en mediateletipos.net, abrazos a l@s que nos leeis! (y disculpenme por la excesiva literatura introducida en el post).

En junio de 2013 iniciamos esta minieditorial que, de momento, sigue ahí parada. Podría decirse que el papel no es el medio idóneo de mediateletipos, como tampoco lo es la constancia. En cualquier caso, este post sigue siendo reseñable porque contiene una entrevista al artista y teórico Brandon Labelle por parte de Anna Raimondo en el que se analizan algunas de las obras del artista norteamericano afincado en Berlín.

El trabajo de Labelle parte del sonido, pero no termina en él, sino que se adentra en cuestiones como el espacio público y y el uso de éste. En este caso se centra en algunas de estas obras como Counter-partsde 2006 o Diary of a Stranger 2009. Nuestro interés por lanzar esta colaboración a Anna partía también de la afinidad que creemos hay en este blog con el trabajo artístico y teórico de Labelle, que también protagonizó una entrevista, en aquel caso conducida por escoitar.org en su proyecto Cartografías de la Escucha.

Posted by José Luis Espejo

Presentamos este pequeño cuaderno que contiene una entrevista a Brandon LaBelle realizada por Anna Raimondo en inglés y castellano.
Hay varias opciones para su consulta, puede descargarse en PDF o en autoedición manual. Para esto se debe descargar la maqueta, imprimirla y montar un cuaderno físico. Debe imprimirse a doble cara, con cuidado de que ambas caras estén en el mismo sentido, para que al doblarlas pueda leerse el cuadernillo. Por otra parte, se imprime la portada en un color a elegir, se dobla todo junto y se grapa o cose en el centro y ya se tiene una edición propia pero repetible.

Brandon LaBelle: Lo que me llevó a interesarme en el sonido como medio artístico fue su potencial relacional. Creo que el sonido es ingobernable, es decir, es al mismo tiempo propio y ajeno, y eso es precisamente lo que permite utilizarlo para hablar sobre el hecho de compartir. Nos enseña a gestionar la pérdida, pero también a estar presentes. El sonido me da siempre más de lo que espero, por eso me resulta tan sugerente como artista, y como cuerpo. En muchos de mis proyectos, el sonido me interesa como vehículo para generar tipos de interacción y formas de narrativa, y para producir conocimiento, todas ellas cosas que normalmente circulan a nuestro alrededor o se basan en lo efímero, lo migratorio y lo asociativo. El sonido y la escucha se relacionan y generan ese tipo de experiencias e ideas; ofrecen una plataforma para construir procesos que cuestionan o perturban lo singular, lo humano, las leyes y los lenguajes de lo correcto. En mis proyectos, uso todo eso como punto de partida, como medio, para desarrollar materiales y presentaciones, construcciones in situ y conversaciones. El sonido me ayuda a traspasar los límites del lenguaje y, especialmente, de mí mismo.

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Ruido y Capitalismo, publicado en un principio sólo en inglés, y después en castellano, se rodeó de una serie de intervenciones, talleres e incluso una exposición. El libro, centrado en la práctica y política de la improvisación, pensaba el ruido desde esa esquina y, siendo así de específico, se declaraba más que interesante. Muchos dijeron en su momento que le faltaba línea, que estaba deslavazado, pero viendo otro proyecto de sus editores Mattin y Anthony Illes como es Unconstituted Paxis publicado recientemente, parece que la de este libro es también una forma de contar las cosas.

En esta ocasión Mattin se hizo con Ars Sonora durante la emisión en lo que posiblemente sigue siendo de lo más interesante que produjo en los últimos años este programa. En aquella ocasión Pedro Jimenez decidió hacer una reseña de su experiencia de escucha, no ya del contenido del libro ni del programa en sí. Pedro venía a preguntarse por el gusto, a lo que Miguel Álvarez vino a dar una extensa explicación.

Posted by Pedro Jiménez

He de decir que esta entrevista/radioperfomance, como la llama no sin dudas, el propio Miguel Álvarez-Fernández en la presentación del mismo me ha “impactado con alegría”. Estaba por la calle, con mi Ipod de última generación escuchando un programa sobre/con/de Ruido y pensamiento crítico sobre el Capitalismo. Y estaba alegre porque de alguna manera me gustaba lo que estaba escuchando y no sé si el gusto debería ser sacado del contexto en el que se insertan los discursos de Mattin. ¿Se puede disfrutar con esto? Es una pregunta abrazafarolas ya lo sé…

A Mattin lo conocí hace unos años, en Arteleku, y allí, cuando estábamos hablando/conversando/entrevistándonos sobre el proyecto “Copy Your Idols” recuerdo que me pareció un tipo con las ideas claras, de las que probablemente podríamos disentir, pero siempre agarrado, quisquillosamente, a los matices. Es decir que su discurso estético, político, social no es ni más importante, ni revelador, ni siquiera tremendamente cotidiano… esa mezcla dispareja es la que más “me gusta”. Este trabajo para Ars Sonora está lleno de matices, diría que las voces retorcidas o los silencios forman parte de un matiz, lo importante no es cuál, sino que existe ese discurso complejo pero que al mismo intenta desentrañar, sin imponer dogmas, “las políticas y el ruido”. El resultado, ciertamente no es divulgativo, pero yo os lo recomiendo encarecidamente y con unos buenos auriculares.

No me quiero poner hagiográfico, además con decir que actuará en la próxima edición del Festival Internacional ZEMOS98, puedo caer en una especie de falso interés mediático por él del que es complicado distinguir la opinión del autobombo… no obstante no quería olvidarme del trabajo similar “Feedback Conceptual” que ya me gustó mucho, e incluso hice una versión para Radioactivos.

Así que bueno, Ruido y Capitalismo está ahí, con su blog y todo, y esperamos la versión en español pronto. Y todo lo demás en mattin.org

Agradezcamos a Ars Sonora la posibilidad de acceder a través de la Radio pública y sobre todo a través de Internet a un proyecto sonoro de estas características. Existen dos programas sobre Ruido y Capitalismo, en el podcast de RNE de momento sólo está el primero. Actualizaré el post con el segundo.

Comentario de Miguel Álvarez Fernández en el blog

Querido Pedro:

¡Muy bueno tu texto sobre la “radioperformance” (o lo que sea) de Mattin en Ars Sonora! Creo que todos, empezando por el propio Mattin, compartíamos esa extraña y ambigua sensación, tan bien descrita por ti, tras la escucha del programa (que, por cierto, se difundió a través de la radio en la noche del día de Navidad, para añadir más confusión). También varios oyentes que me han escrito respecto de este programa han mencionado cosas similares -aunque, claro, ha habido reacciones para todos los gustos…-.

La pregunta no es ociosa: El “¿Puede uno disfrutar con/de este tipo de cosas?” rápidamente se mezcla con un “¿Debe uno disfrutar con/de este tipo de cosas?”. El tema tampoco es nuevo; aparece, desde luego, en Platón (República), y es el problema clave de la estética agustiniana en cuanto a la música: saber si es lícito o no gozar de la belleza sensible. A esta cuestión San Agustín responde que la belleza inferior es un reflejo de la belleza de Dios, y que es necesario remontarse hacia esta última, aunque no rechaza el placer sensible que depara la belleza inferior; pero, en cualquier caso, dependerá de la actitud del hombre, pues si se deja llevar por la belleza sensible estará condenado. Así, “la belleza y los números en los que ésta se plasma dentro de la música pueden ser, pues, tanto instrumento de condenación como instrumento de elevación y ascesis; dependerá de la actitud que el alma tome en relación con aquellos” (Enrico Fubini: “La estética musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX”). [¡pero no sé si esto realmente resuelve "nuestro" problema!].

Más cercanamente -y creo que esto es lo que, hoy, nos preocupa-, supongo que lo que aquí se manifiesta tiene que ver con las raíces protestantes (no sería exagerado decir “calvinistas”) del pensamiento marxista, que tanto se acentuaron en el discurso de la Escuela de Frankfurt (ejemplarmente, con Adorno). La siempre problemática asociación entre progresismo, goce estético y esfuerzo ha marcado profundamente la evolución de la música en el siglo XX, al menos desde Schönberg en adelante -para mí el núcleo duro de la cuestión radica en la vinculación adorniana entre “disonancia” y “modernidad” (exploro este asunto en este artículo, algo antiguo: http://www.tallersonoro.com/espaciosonoro/04/Articulo1.htm)-.

Desde luego, otros planteamientos políticos de intencionalidad progresista (y, a menudo, acento francés) han acometido sus planteamientos con el ceño menos fruncido que Adorno y sus secuaces, y ahí queda Mayo del 68 o cierto Situacionismo. Ahora bien, me parece que en nuestros días resulta harto difícil rescatar (si es que ello fuera posible) la dimensión subversiva de espectáculos -en el más claro sentido debordiano de la expresión- tipo desfiles del orgullo gay o similares.

Creo que éste fue, al final, el tema principal de la “conversación/entrevista/radioperformance”… Significativamente, terminamos con la duda acerca de si era más conveniente “asfaltar” (tal vez al modo de Cardew en los últimos años de su vida -con él terminaba el Ars Sonora titulado “Comunismo”: http://www.artesonoro.org/archives/2736-) o, como proponía Mattin, “usar la piqueta” -o las bombas- (lo que me recuerda esas palabras de Adorno que citaba en mi artículo: “Que la nueva música abra la herida una y otra vez”).

Por cierto, acaba de actualizarse el podcast de Ars Sonora con la segunda versión de la “pieza” (http://www.arssonora.es/?p=247).

Un abrazo, y muchas gracias de nuevo por tu lúcido texto,

Miguel Álvarez-Fernández