En esta ocasión presentamos The Archive of Contemporary Music (ARC), una web que suscita interés dado a su carácter ya histórico, a pesar de no contener recursos sonoros en la misma. Se trata de un archivo de música popular contemporánea cuyo centro de investigación se encuentra establecido en Nueva York desde el momento de su creación, en 1985. En este centro se preservan tres millones de grabaciones de diversos estilos musicales en todos los formatos existentes, de producción publicada desde 1950 hasta nuestros días.

El archivo fue fundado por David Wheeler (1957-1997) y B. George, quien ejerce actualmente como director del ARC. Además, existe un equipo de personas que se encarga de digitalizar libros, catálogos, folletos (18.000), cancioneros (3.000), partituras (23.000), revistas, fanzines (50.000) y cientos de miles de recortes de prensa, fotografías y kits de prensa. Asimismo en la sección About (Who we are) disfrutamos de la biografía de las personas que se han involucrado en este trabajo a lo largo de los años.

La plataforma ofrece seis secciones, las más destacadas son: News, no sólo comparte las últimas novedades musicales y lo enlaza con sucesos sociales dándole un carácter interdisciplinar, sino que un mes al año presentan la cultura musical de un país, para fomentar el conocimiento de las diferentes posibilidades que encontramos en el mundo en relación a este arte. El pasado mes de mayo organizaron y publicaron a través de la web videos, seminarios, conciertos, partituras y otros documentos en torno a las múltiples músicas que forman parte del ideario artístico de Cuba; por otro lado, en Galleries encontramos una serie de imágenes; normalmente se trata de portadas de discos, partituras, fotografías y libros que han sido escaneados para facilitar la llegada de esta información a cualquier usuario que tenga acceso a internet. A cambio de estos servicios los encargados de gestionar el proyecto piden una pequeña donación opcional, tanto de material como monetaria, para contribuir al mantenimiento y desarrollo del archivo.

Como visión general, consideramos esta web una fuente de gran utilidad tanto para aficionados como para investigadores que deseen ampliar sus conocimientos en torno a músicas del mundo que se han producido desde la segunda mitad del siglo XX hasta el presente.

Durante el mes de junio, y hasta octubre, podremos disfrutar de una serie de eventos que se celebran en la ciudad de San Sebastián, Capital Europea de la Cultura. Se trata de un proyecto multidisciplinar en tanto que, por ejemplo, se muestran temas enfocados desde distintas perspectivas como el sonido y su relación con la ciudad. Además de intervenciones artísticas, hallaremos varios puntos de debate para fomentar el diálogo y a la vez, la investigación en torno a la percepción de los sonidos actuales de nuestra sociedad en ámbitos urbanos.

El Observatorio de la Escucha es una propuesta que invita al conocimiento, difusión y divulgación del concepto de paisaje sonoro, término que expone en la década de los setenta del pasado siglo, el pedagogo musical y compositor, R. Murray Schafer para referirse a los ambientes sonoros que se producen en entornos tanto naturales como urbanos. Cada una de las intervenciones artísticas que han sido ideadas para este evento, están relacionadas de manera concreta con el lugar donde será representado.

Estas diferentes evocaciones provocadas por la naturaleza o producto de los inventos del hombre en los diferentes espacios sonoros elegidos, comenzarán el día 10 de junio en el centro cultural Arantzazu Gandiaga Topagunea con la obra Ghost Forest de Francisco López. El creador es una de las figuras más reconocidas a nivel internacional  en el campo de la música experimental y el arte sonoro. En este caso su trabajo intenta crear una atmosfera tridimensional a través de un sistema de mini-altavoces que dividen la energía de los sonidos y provocan en el oyente un estado de reflexión en torno al propio espacio.

En los próximos meses también tendremos la oportunidad de asistir a exposiciones sonoras como Rara Avis del sello discográfico y colectivo artístico Alku en Aiete Kultur Etxea. Este proyecto recoge ocho diferentes cantos de pájaros que llevan al espectador a reflexionar en torno a la idea de mimesis. Por otro lado, aunque siguiendo la filosofía de la escucha Luz Broto presenta una situación sónica distinta con Derogar las normas de comportamiento de la biblioteca en la Biblioteca Koldo Mitxelena. También Jaume Ferrete presentará durante el mes de octubre su trabajo Voz Sorda II Chiste Raro, que contribuye a establecer un nexo entre los oyentes y las personas sordas a través del humor, dando utilidad a una selección de chistes como forma fundamental de comunicación en nuestro contexto actual cotidiano.

Varios son los procedimientos que se pondrán en marcha durante estos meses en la ciudad de San Sebastián. Destacamos el espacio abierto al diálogo, un foro que se llevará a cabo el día 18 de junio en Tabakalera. La conferencia “Del archivo sonoro al acontecimiento” es una propuesta Xóan-Xil, ponente de este foro en el que posteriormente se debatirán temas en torno a la práctica e investigación del paisaje sonoro.

En conclusión, el proyecto Observatorio de la Escucha es un proceso de investigación que está en pleno desarrollo, puesto que el término espacios sonoros  aún es muy joven y además, existen diversas maneras de comprender este ámbito que recorre desde un entendimiento más filosófico del sonido hasta una visión social, como el choque de los sonidos creados por la naturaleza en contraposición a los producidos por el hombre en una sociedad industrializada como la actual.

La trigésimo octava edición del festival de música contemporánea Ensems se encuentra en el ecuador de su celebración, por lo que queremos exponer algunas de las diversas propuestas que se presentarán en la última etapa de este evento dedicado a los aspectos más experimentales de la música.

Este año el evento que se celebra en la ciudad de Valencia ha sido planteado por primera vez como un ciclo de conciertos que se prolongará desde abril hasta julio; contará con la presencia de un amplio número de músicos y creadores que actualmente se encuentran en plena actividad musical. Los diferentes conciertos ofrecidos se caracterizan por su diversidad y variedad de tendencias, puesto que en esta edición los intérpretes son asesorados por el comisario Edu Comelles y el Consejo Territorial de la Fundación SGAE, por lo que no siguen una única línea estética.

Uno de los objetivos del festival Ensems es difundir las músicas vanguardistas de compositores coetáneos, tanto de Valencia como de otras zonas de España y Europa. La multiplicidad que ofrece el proyecto hace que esté dirigido a un público de diferentes edades y entendimientos para divulgar las diversas corrientes experimentales de una forma más directa.

En el inicio de esta edición tuvimos la oportunidad de presenciar el estreno de una ópera de cámara del compositor Carlos Fontcuberta, basada en la novela corta Noches Blancas de F. Dostoievski. Por otro lado, en las próximas semanas podremos disfrutar, entre otros, de un homenaje en torno al Quijote con motivo de la conmemoración del IV centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, donde la pianista Marta Espinós ejecutará una serie de obras en relación a la obra cervantina el próximo 15 de junio, entre las que encontraremos un estreno absoluto del compositor César Cano. Asimismo, debido al reciente fallecimiento del compositor y director de orquesta Pierre Boulez, el Grup Instrumental de València rendirá homenaje a este emblemático autor con la obra Dérives el próximo 22 de junio en el Palau de la Música.

Por supuesto, el festival contará también con otras agrupaciones como el Ensemble Kuraia de Bilbao o el Cuarteto Quiroga que interpretará obras de Steve Reich, Phillip Glass y Samuel Barber, entre otros. Además, el compositor y artista sonoro valenciano Ferrer-Molina estrenará el 4 de junio su obra Underground Music en las instalaciones del metro de Valencia (Estació de l’Albereda).

En definitiva, la nueva cara del Ensems se presenta como una propuesta renovada que aboga por un mayor conocimiento de las músicas experimentales y de las artes actuales en la Comunidad Valenciana.

Memorias del Vacío:
Actrices: Sandra Victoria Aguilar, Christine Jenewein.
Flauta Paetzold y voz: Anna Margules.
Producción, dirección y música: Arturo Fuentes.
Basado en el libro Noticias del Imperio del escritor mexicano Fernando del Paso.

En la actualidad, disfrutamos de la presencia de un gran número de compositores e intérpretes latinoamericanos que desarrollan su labor artística en Europa. En esta ocasión, hemos tenido la oportunidad de entrevistar al artista mexicano Arturo Fuentes (1975), quien comenzó sus estudios de composición en Milán y París hace veinte años, radicando actualmente en la ciudad austriaca de Innsbruck, donde tiene su estudio de composición y filmación.

Arturo Fuentes incursiona en la dirección escénica con varios proyectos que veremos en los próximos años. Aunque en su obra encontramos trabajos muy dispares, en esta ocasión destacamos sus creaciones en torno a la realización de diferentes obras fílmicas, donde la música se mezcla con lo visual tomando la misma importancia e intensidad. Desde el año 2004 hasta nuestros días, el artista se ha embarcado en la elaboración de múltiples trabajos audiovisuales como Raya (2004), Fosil KV (2006), Sierra Negra (2008), Line of Oblivion (2010), Hymne 80 (2010), Grace Note (2012), y Memorias del Vacío (2012). Hemos elegido abordar durante la entrevista este último cortometraje tanto por su riqueza estética, como por ser un proyecto del cual surgen las raíces de la ópera Carlota, actualmente en pleno proceso de creación según nos informó el compositor Fuentes en la entrevista que presentamos a continuación.

Sul Ponticello: A lo largo de tu carrera como compositor ¿Qué corrientes artísticas y más en concreto, musicales te han servido como influencia?

Arturo Fuentes: Si un artista se sensibiliza con su entorno es entonces capaz de percibir “huecos de la realidad” mostrando los hilos abstractos que tiran hacia su arte. Más que buscar influencias, enfilo mi percepción a identificar esas líneas abstractas en cualquier lugar; mantengo un “sentido en alerta” ya que ellas nos pasan desapercibidas la mayor parte del tiempo, están tan cerca que no las vemos. Wittgenstein nos recuerda que la filosofía pone de manifiesto lo que siempre tuvimos frente a los ojos y, según mi opinión, también lo hace el arte. Esta sensibilidad, que se va adquiriendo poco a poco, sin duda requiere de una voluntad para llegar a ella, uno debe “tratar de ver”. Es ahí, en ese vacío conceptual que significa “buscar algo” que he encontrado la materia (la sangre, la forma, el color) que ejerce una influencia en mi próxima obra. Aprender a buscar algo sin poder definirlo es un buen ejercicio para la creatividad – el cual practico diariamente. Crear es una “obscura observación” que apela a todos los sentidos, para decirlo de otra manera, uno encuentra cosas que nunca imaginaba, son “las gotas de la imaginación”. Así es como funciona, para mí, la influencia artística y creativa. Un poema de Borges nos dice “No existe una puerta, estás adentro”, esto me lleva a reflexionar que en el arte no se necesita poder definir lo que se busca para encontrarlo, tampoco se necesita definir lo que se escucha o se ve para poder disfrutarlo ¿Cómo se puede definir una puesta de sol o una sinfonía de Beethoven? Sin embargo, sentimos que ese momento nos ha dejado algo. Desde luego, un paseo por la nieve me puede “inspirar” una idea, aunque asistir a un espectáculo de danza, un concierto o una exposición, así como leer un poema o ver una película, son actividades más afines a una tarea artística que podría derivar en una idea musical en mi obra. Por lo anterior, no puedo propiamente definir un autor que haya ejercido una influencia particular en mi obra, yo me guío más por los momentos, por los contextos o por las épocas que vivo; algunas veces me llama la atención esto, o aquello, y otras veces simplemente me entrego a un silencio continuo, a un vacío, sin dejar entrar las voces que rondan. Busco mi propia influencia. En algún momento afirmé que, para un artista, la mejor influencia es la de sí mismo, también es la más difícil de encontrar porque ella se busca al mismo tiempo que se hace, es, en este sentido autorreferencial: ella está dotada de un contenido que es, al mismo tiempo, forma.

Arturo Fuentes

S.P.: De tu producción ¿Qué obras consideras que han marcado una etapa en tu carrera como compositor? ¿Por qué?

A.F.: Algunas obras son, efectivamente, puntos formantes que dan origen a otras obras. Pero, desde una perspectiva general, encuentro más adecuado pensar que mis obras son como hermanas que guardan ciertos rasgos familiares entre ellas. A pesar de su singularidad, cada obra forma parte del indeterminado orden del catálogo de un compositor; recuerdo a José Lezama Lima en este punto: “todo ser es causal, busca ser causal, para diferenciarse de la sucesión en la infinitud”. Toda obra musical es, entonces, causal, y eso es lo que marca su singularidad (su originalidad, podríamos afirmar). El compositor, con una vista aérea, descubre “su bosque de obras” y así reconoce la trayectoria que siguió la creación: “un autor no tiene una perspectiva clara de su propia obra”, nos dice Fernando del Paso. Volviendo a la idea de familiaridad, la similitud o rasgos característicos entre las obras es, quizá, lo que comúnmente llamamos “estilo”. Como compositor, mi principal interés es que esa familia de obras sea reconocida como “Fuentes”.

Sería entonces más conveniente hablar de periodos de composición, por ejemplo, al terminar mis estudios en México (1994-96) comencé la escritura de varias piezas para guitarra y al llegar a en Europa (1997) amplié mi catálogo de obras de cámara. Abordé posteriormente la música electrónica (durante mi doctorado en Paris y mi paso por el IRCAM, 2002).  Hace unos años inicié un período muy activo en el teatro musical y las producciones de danza/música; en algunas de ellas he tenido la oportunidad de hacer la puesta en escena. También inicié, hace una década, la filmación de cortometrajes donde me gusta involucrarme en todo, desde la producción hasta la dirección. En ellos incluyo alguna de mis obras sonoras y casi siempre me guío por una idea literaria, es el caso de Memorias del Vacío, basada en los monólogos de Carlota que se encuentran en el libro Noticias del Imperio, del escritor mexicano Fernando del Paso.

S.P.: ¿Por qué decidiste hacer de Memorias del Vacío un proyecto audiovisual?

A.F.: Como dije anteriormente, produzco y dirijo un par de cortometrajes al año, Memorias del Vacío nació de este impulso por abordar el campo de la imagen en mis obras. El libro Noticias del Imperio lo leí por primera vez hace algunos años, casi a mi llegada a París en 1999, desde entonces visualicé a Carlota, emperatriz de México y esposa de Maximiliano, como una mujer que encuentra en la realidad las grietas de la fantasía y la imaginación, hasta llegar a confundirse con la locura. Hace unos días, en honor del Premio Cervantes otorgado a Fernando del Paso, me encontré con un artículo que lo citaba y que reafirmaba mi primera idea sobre la realidad-ficción en la que vivía Carlota: “Cuando estaba escribiendo Noticias del Imperio un día descubrí que la locura de la emperatriz Carlota, estaba destinada a representar a la imaginación (la loca de la casa) y su lucha por conquistar una realidad que se nos escapa todos los días”.

Para contextualizar mi comentario, me gustaría recordar que, en varios capítulos de su libro, Fernando del Paso recrea la voz de Carlota a manera de “monólogos”, mezclando imágenes, historia y fantasía. Siempre visualicé estos monólogos como cartas que Carlota escribía a Maximiliano, unas cartas que nunca enviaría. Vi a Carlota sentada, ya vieja, imaginándose a sí misma joven, recordando y mezclando su memoria con su imaginación. El acto de escritura de Carlota, como lo interpreto en el libro de Fernando del Paso, es más bien un acto frenético y compulsivo (como se puede ver en mi cortometraje); la escritura como una catarsis o una grieta de la realidad que lleva a la fantasía. Por otro lado, Carlota, dentro de su locura, parece entender el mundo de una manera más lógica, ella construye los engranajes que hacen girar su propia historia. Al final de cuentas, me pregunto ¿no es eso mismo, lo que hacemos nosotros? Finalmente, Carlota se desdobla en varias Carlotas: la histórica, la cuerda, la loca, la amante, la niña, la adolecente, la vieja, la que ya murió, etc., todas esas voces forman, dentro de mi interpretación del texto, un trayecto sonoro, musical. Se crea un monodrama.

S.P: Y la música, ¿cómo está planteada en el contexto de la obra?

A.F.: La música de Memorias del Vacío muestra el estado frenético de la escritura, está grabada con una flauta paetzold contrabajo interpretada magistralmente por Anna Margules, a quien también grabé leyendo algunos párrafos de los monólogos. Una parte del cortometraje lo filmé en México, la otra en Austria. Mis dos actrices, Sandra Victoria Aguilar (la joven Carlota) y Christine Jenewien (la adulta) me dieron líneas a seguir en la dirección: encuadre, luz y montaje. Por ejemplo, recuerdo la escena donde Carlota joven, interpretada por Sandra, se unta miel para que las moscas vengan a picarla provocándole placer (un pasaje del libro de Fernando del Paso). A pesar de estar en verano, en México, al momento de untarse la miel Sandra tuvo mucho frío, aproveché esa sensación para que su actuación fuese más nerviosa, como si realmente estuviera excitada por la llegada de las moscas. Recuerdo que le decía: “Sandra, tiembla, no te preocupes, pero no dejes de pensar en el placer de Carlota”.

Memorias del Vacío es un estudio previo a Carlota la ópera-monodrama que escribo en estos momentos, basada en el mismo tema, los monólogos magníficamente escritos por Fernando del Paso en Noticias del Imperio. Esta será una ópera-monodrama para una soprano, gran ensamble, electrónica y video. La ópera comienza con el sonido de un avión, es Lindbergh cruzando el Atlántico en 1927, se escuchan también transmisiones de radio Walky-talky. Carlota está en medio del escenario, casi desnuda, bañándose en leche y cantando en frecuencias muy altas, acompañadas por los sonidos del ensamble orquestal, como queriendo alcanzar las nubes que cruzan el mar. Muchas de mis ideas sobre la realidad y la imaginación estarán ahí plasmadas. Este verano viajo a México, tengo filmación en puerta, ahora, Carlota está acostada en el desierto, cubierta de polvo, unos drones harán tomas aéreas, otras tomas a ras de suelo llegan como serpientes, es Carlota que imagina su muerte en México y su vida en esa tierra que nunca más pisó. El vacío del desierto, el vacío de la memoria, el aire en movimiento perpetuo… alguna idea me llegará estando ahí.

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Memorias del Vacío

Presentamos un recorrido por “Reproductibilitat 2.0. Colección MACBA”, exposición que pertenece a una serie cuyo principal objetivo es la investigación. Esta muestra ha sido comisariada por Nekane Aramburu, y llevada al público como una coproducción entre el del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y Es Baluard. El recorrido por esta exposición puede entenderse como un proceso para ampliar el conocimiento del espectador respecto a la evolución artística de la fotografía, el videoarte y las diferentes prácticas experimentales fílmicas de vanguardia que se han dado en movimientos como el dadaísmo y el fluxus.

La colección “Reproductibilitat” trata de fomentar el entendimiento y la investigación de las artes experimentales en lo que se refiere a las vanguardias artísticas que se han desarrollado desde el siglo XX hasta nuestros días. La primera exposición aconteció en 2013, más enfocada a las artes plásticas y la imagen; en esta ocasión, han querido rendir homenaje a lo audiovisual con prácticas tan directas como la performance. Este proyecto está en constante cambio para hacer llegar al público los diferentes aspectos experimentales que han aparecido en los últimos tiempos. Aunque no tenemos acceso de manera física a la exposición, es posible visitar la web del museo en la que disponemos de muestras e información más concreta de las obras que estamos abordando.

La corriente dadaísta está muy presente en esta exposición por ser la gran influencia de todas las sucesivas vertientes vanguardistas; a través de éstas nos presentan una propuesta que aboga por la fantasía, el absurdo, la expresión de lo tradicional y de lo ordinario para romper con todo. Es la creación del “anti-arte”, un movimiento artístico muy amplio que se compone de humor, sarcasmo y deseo general de romper con las limitaciones que el contexto genera. Tras la aparición de las nuevas vanguardias llega la performance, acto entendido como un “arte diario”, acciones, hechos que podemos observar en todos los momentos de la vida y que ahora podemos percibir como una muestra artística de lo corriente a través de lo audiovisual.

Esta nueva muestra abarca desde la imagen artística hasta múltiples procedimientos como el videoarte, la fotografía, las prácticas fílmicas y los medios electrónicos en sus inicios. En este recorrido por la exposición Reproductibilitat 2.0, también encontramos la presencia de obras audiovisuales desarrolladas alrededor del movimiento fluxus originado en el año 1962, y considerado como una de los más importantes herederos del arte dadaísta. Se caracteriza por su libertad, exento de intelectualismos, en contra de lo burgués y sin afán de crear un producto para su comercialización. Los intérpretes no precisan de una formación especializada para crear obras que representen fluxus, ya que la intención de este arte es la desmaterialización, desglosar lo conceptual para romper con todo lo anterior. En lo musical tenemos al artista estadounidense John Cage como el gran representante que expone su percepción de lo sonoro como un todo, dar prioridad a la escucha de lo cotidiano, apreciar y ser conscientes de la musicalidad de la que vivimos rodeados día a día.

La exposición cuenta con dieciséis obras en formato monocanal, en las que hallamos la oportunidad de observar las innovaciones artísticas que se han desarrollado durante el siglo XX y que aún siguen vigentes en la actualidad. Las obras que nos muestran exigen que el espectador mantenga una actitud activa para descodificar los recursos utilizados por los artistas, que a su vez nos hacen ser partícipes de la obra y su mensaje donde se refleja lo experimental ofreciéndonos diferentes enfoques y reflexiones de temas como la cultura de masas en la actualidad.

Reproductibilitat 2.0 muestra mayor interés hacia el concepto de lo que transmiten las imágenes y los sonidos que al soporte físico. En este sentido, nos referimos  a la idea de imagen-tiempo en la obra artística y su relación con el espectador. Estas obras muestran influencia de los primeros happenings y el movimiento Fluxus con las creaciones de artistas como Samuel Beckett, Helen Levitt, Vito Acconci y Joan Jonas entre otros.

Las obras que encontramos datan desde la II Guerra Mundial hasta los años noventa. Una de las más recientes es la acción performativa Matt Mullican under Hypnosis (1996) de Matt Mullican. Si dedicamos unos minutos a su escucha, observamos una serie de aspectos estético-sonoros que nos hacen reflexionar a través de los diferentes giros auditivos que nos ofrece. Mullican trata su voz con quizás cierta intención de una sonoridad que podría recordar a un trance creando en el espectador una sensación sugestiva, comienza en un bucle en el que suma sonidos provocados por él mismo y los objetos de los que hace uso en la performance. Estos sonidos hipnóticos van aumentado la tensión hasta llegar al culmen que trae un silencio sobrecogedor; de nuevo retoma lo repetitivo como recurso. Quizás los aspectos reiterativos en el lenguaje durante la performance deban entenderse como una crítica al funcionamiento de la información actual, es decir, los medios de comunicación y el difundir de manera insistente ciertas noticias, realities, una serie de ideas similares que limitan al espectador sin dejar un espacio para la creación de nuevos procesos artísticos.

En definitiva, este proyecto es una oportunidad de adentrarse en un recorrido por las diferentes técnicas audiovisuales de carácter experimental y que, además, están asociadas a aspectos reivindicativos hacia la sociedad contemporánea. Actualmente, podemos disfrutar y hasta el día 4 de abril en Es Baluard, Museu d’Art Modern i contemporani de Palma, de la exposición que continúa a la exposición que proponemos. Se trata de “Reproductibilitat 2.1. Narcisa Hirsch, este-oeste (una aproximación a su obra 1967-1999)” enfocado en las piezas más importantes de la artista alemana en relación  a la imagen en movimiento.