Presentamos un recorrido por “Reproductibilitat 2.0. Colección MACBA”, exposición que pertenece a una serie cuyo principal objetivo es la investigación. Esta muestra ha sido comisariada por Nekane Aramburu, y llevada al público como una coproducción entre el del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y Es Baluard. El recorrido por esta exposición puede entenderse como un proceso para ampliar el conocimiento del espectador respecto a la evolución artística de la fotografía, el videoarte y las diferentes prácticas experimentales fílmicas de vanguardia que se han dado en movimientos como el dadaísmo y el fluxus.

La colección “Reproductibilitat” trata de fomentar el entendimiento y la investigación de las artes experimentales en lo que se refiere a las vanguardias artísticas que se han desarrollado desde el siglo XX hasta nuestros días. La primera exposición aconteció en 2013, más enfocada a las artes plásticas y la imagen; en esta ocasión, han querido rendir homenaje a lo audiovisual con prácticas tan directas como la performance. Este proyecto está en constante cambio para hacer llegar al público los diferentes aspectos experimentales que han aparecido en los últimos tiempos. Aunque no tenemos acceso de manera física a la exposición, es posible visitar la web del museo en la que disponemos de muestras e información más concreta de las obras que estamos abordando.

La corriente dadaísta está muy presente en esta exposición por ser la gran influencia de todas las sucesivas vertientes vanguardistas; a través de éstas nos presentan una propuesta que aboga por la fantasía, el absurdo, la expresión de lo tradicional y de lo ordinario para romper con todo. Es la creación del “anti-arte”, un movimiento artístico muy amplio que se compone de humor, sarcasmo y deseo general de romper con las limitaciones que el contexto genera. Tras la aparición de las nuevas vanguardias llega la performance, acto entendido como un “arte diario”, acciones, hechos que podemos observar en todos los momentos de la vida y que ahora podemos percibir como una muestra artística de lo corriente a través de lo audiovisual.

Esta nueva muestra abarca desde la imagen artística hasta múltiples procedimientos como el videoarte, la fotografía, las prácticas fílmicas y los medios electrónicos en sus inicios. En este recorrido por la exposición Reproductibilitat 2.0, también encontramos la presencia de obras audiovisuales desarrolladas alrededor del movimiento fluxus originado en el año 1962, y considerado como una de los más importantes herederos del arte dadaísta. Se caracteriza por su libertad, exento de intelectualismos, en contra de lo burgués y sin afán de crear un producto para su comercialización. Los intérpretes no precisan de una formación especializada para crear obras que representen fluxus, ya que la intención de este arte es la desmaterialización, desglosar lo conceptual para romper con todo lo anterior. En lo musical tenemos al artista estadounidense John Cage como el gran representante que expone su percepción de lo sonoro como un todo, dar prioridad a la escucha de lo cotidiano, apreciar y ser conscientes de la musicalidad de la que vivimos rodeados día a día.

La exposición cuenta con dieciséis obras en formato monocanal, en las que hallamos la oportunidad de observar las innovaciones artísticas que se han desarrollado durante el siglo XX y que aún siguen vigentes en la actualidad. Las obras que nos muestran exigen que el espectador mantenga una actitud activa para descodificar los recursos utilizados por los artistas, que a su vez nos hacen ser partícipes de la obra y su mensaje donde se refleja lo experimental ofreciéndonos diferentes enfoques y reflexiones de temas como la cultura de masas en la actualidad.

Reproductibilitat 2.0 muestra mayor interés hacia el concepto de lo que transmiten las imágenes y los sonidos que al soporte físico. En este sentido, nos referimos  a la idea de imagen-tiempo en la obra artística y su relación con el espectador. Estas obras muestran influencia de los primeros happenings y el movimiento Fluxus con las creaciones de artistas como Samuel Beckett, Helen Levitt, Vito Acconci y Joan Jonas entre otros.

Las obras que encontramos datan desde la II Guerra Mundial hasta los años noventa. Una de las más recientes es la acción performativa Matt Mullican under Hypnosis (1996) de Matt Mullican. Si dedicamos unos minutos a su escucha, observamos una serie de aspectos estético-sonoros que nos hacen reflexionar a través de los diferentes giros auditivos que nos ofrece. Mullican trata su voz con quizás cierta intención de una sonoridad que podría recordar a un trance creando en el espectador una sensación sugestiva, comienza en un bucle en el que suma sonidos provocados por él mismo y los objetos de los que hace uso en la performance. Estos sonidos hipnóticos van aumentado la tensión hasta llegar al culmen que trae un silencio sobrecogedor; de nuevo retoma lo repetitivo como recurso. Quizás los aspectos reiterativos en el lenguaje durante la performance deban entenderse como una crítica al funcionamiento de la información actual, es decir, los medios de comunicación y el difundir de manera insistente ciertas noticias, realities, una serie de ideas similares que limitan al espectador sin dejar un espacio para la creación de nuevos procesos artísticos.

En definitiva, este proyecto es una oportunidad de adentrarse en un recorrido por las diferentes técnicas audiovisuales de carácter experimental y que, además, están asociadas a aspectos reivindicativos hacia la sociedad contemporánea. Actualmente, podemos disfrutar y hasta el día 4 de abril en Es Baluard, Museu d’Art Modern i contemporani de Palma, de la exposición que continúa a la exposición que proponemos. Se trata de “Reproductibilitat 2.1. Narcisa Hirsch, este-oeste (una aproximación a su obra 1967-1999)” enfocado en las piezas más importantes de la artista alemana en relación  a la imagen en movimiento.

Roberto López, Lie, 2013, recorte sobre cartulina, 141,5 x 240,9 cm

“… no sólo nuestra percepción visual se muestra cuando la naturaleza revela aspectos amenazantes. Los otros sentidos –oído, tacto, olfato y gusto- también contribuyen a sumirnos en un estado de pánico.” (René Magritte)

Es en el estado límbico más infrahumano y primitivo en donde los receptores sensoriales, excitados por un estímulo indefinido, aún no han establecido si el estímulo se trata de una imagen o de un sonido. La esencia sensorial es la diferencia, pudiendo ser traducida a cualquier tipo de percepción, y es el área de la corteza cerebral, especializada  en la lógica, la razón y el lenguaje, la que se ocupa de distinguir entre diferentes aspectos de la realidad con la ayuda de palabras como “imagen”, “sonido”, “olor”, “sabor”, etc.

Nuestra cultura es verbocentrista por naturaleza, al contemplar esta cultura su visión es estructurada por la palabra y dará prioridad a ciertos elementos que el ser humano percibirá con mayor claridad.

Esta obra titulada Lie y realizada en 2013, consta de treinta y cinco cartulinas (diecinueve negras y dieciséis blancas), dispuestas de tal manera que en su conjunto forman la palabra Lie. Esto es apreciable desde cierta distancia, pero si nos acercamos, observamos que cada cartulina lleva recortada otras palabras que en conjunto forman los encabezados que estructuran la Declaración Universal de Derechos Humanos: Preámbulo, Artículo 1, Artículo 2, Artículo 3, y así sucesivamente hasta el Artículo 30, después, una cartulina sin texto de color blanco, otra de color negro  (vacío, pausa), y al final como conclusión la frase NO NOS JODAN MÁS.

Esta doble lectura, representación y concepto en un solo objeto visual, intensifica la claridad del mensaje, pero si además introducimos algún elemento sonoro a la inmovilidad de la imagen, aún obtendremos un mayor refuerzo de su significado, porque el sonido y la imagen son como el espacio y el tiempo, y aun siendo la imagen el primer impacto de los sentidos, el sonido puede imponerse y manejar a su antojo los códigos que la imagen establece, transformándola en algo contradictorio, como dos fuerzas opuestas, o bien alentarse mutuamente y reforzar el mensaje.

Lie es una extensión de la obra sonora titulada Stopwords en donde la palabra es el origen y nexo de unión, y cuyo mecanismo de representación se expande en sus dos cualidades; la palabra escrita (imagen) como presencia y permanencia en el tiempo, y la palabra oral (sonido) como elemento efímero y en movimiento. Si en el objeto visual sólo marcamos la estructura del texto a través de sus partes (un preámbulo y treinta artículos), en el objeto sonoro se expone su contenido (multitud de voces en diferentes lenguas). Por lo tanto, estructura (imagen) y contenido (sonido) se combinan audiovisualmente en donde una percepción influye en la otra y la transforma.

Una de las prioridades, tanto en Lie como en Stopwords, es trasladar al receptor el mensaje de la obra con una comunicación directa independientemente de que sus componentes contemplen partes abstractas o relativas:

En Lie
Lie = Comunicación abstracta
Declaración Universal de Derechos Humanos + Lie = Comunicación media
No nos jodan más = Comunicación directa

En Stopwords
Voces ininteligibles = Comunicación abstracta
Declaración Universal de Derechos Humanos + Voces ininteligibles = Comunicación media
No nos jodan más = Comunicación directa

Si la imagen y sonido por separado siempre establecen una representación de nuestra percepción relativamente abstracta, juntas añaden valor comunicativo y sólo con la palabra escrita o hablada se establece una imagen mental clara y concisa del significado.

Contexto Stopwords

Fue realizada en 2013 por encargo del TDM_Trío De Magia y estrenada el 29 de septiembre de 2013 en el XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos.

La obra está escrita para saxofón, percusión, piano, electrónica y vídeo y formó parte del proyecto Los Caminos Inciertos, un espectáculo escénico‐musical vertebrado por la música, la palabra y las artes visuales.

En Stopwords aparece la lectura microfragmentada del texto de la Declaración Universal de Derechos Humanos en multitud de idiomas. Esta microfragmentación la despoja de su significado y se convierte en algo ininteligible para manifestar su incumplimiento. Mientras la obra transcurría iba apareciendo en vídeo‐proyección la estructura del texto enunciando sólo los encabezados de la Declaración Universal de Derechos Humanos. Esta estructura estaba distribuida en el tiempo a partir de la lectura interiorizada del texto. Al final de la pieza y a modo de conclusión aparecía la frase “No nos jodan más”

Contexto Lie

Esta obra está basada en Stopwords y fue realizada posteriormente, también en 2013. Fue exhibida desde el 23 de noviembre al 31 de diciembre de ese mismo año en el Centro Cultural de El Campello con motivo de la exposición individual titulada En un Paraíso Tóxico. La obra se expuso conjuntamente con la audición de Stopwords en su versión sólo voces.