Desde que se instauró el anglicismo de cultura aural en el contexto de la lengua hispana como reflejo de los Visual Studies anglosajones, ha habido distintas tentativas de academizar e institucionalizar este término bajo términos como Sonic Studies, Aural & Visual Studies hasta que finalmente parece que el término Sound Studies ha llegado para quedarse.

Mediateletipos surge en paralelo a estos estudios en los que se mezclaban disciplinas como la estética, la antropología, la musicología y etnomusicología, la economía política o los estudios sobre la tecnología y la identidad; todo ello con el objetivo de estudiar el sonido, el arte sonoro y las cultura musical desde un marco contextual a la resonancia de distintas teorías y escuelas de pensamiento.

En 2013 se celebró lo que sería la puesta de largo de este tipo de estudios en Berlín. Con la colaboración de Audiolab, mediateletipos se desplazó hasta Berlín para cubrir el evento, dando lugar a la siguiente reseña.

Posted by José Luis Espejo

Entre los días 4 y 6 de octubre fui a cubrir como parte de Audiolab el primer seminario europeo de estudios de sonido (ESSA), y además de algunas entrevistas, realicé esta crónica o reseña que se publica originalmente en el blog de Audiolab y que pego a continuación.

Cuando uno se sobrepone a la visión terrible de la reconstrucción del Palacio Imperial de los Hohenzollern, y a lo que ello significa, se acerca a la universidad Humboldt de Berlín, gracias a Audiolab y con la ayuda de NK Project, con la curiosidad propia, la desconfianza justa y las expectativas marcadas sobre que puede suceder en el 1º encuentro de la Asociación Europea de Estudios del Sonido (ESSA). ¿Qué pretende la universidad fijando, con resonancia esplendorosa, las distintas metodología trans-disciplinarias que se han arremolinado en los últimos diez años alrededor de lo que suena?

Lo que aparecía como un máster aquí, una asignatura allá, y una especialización en algún sitio más, se ha ido dibujando como metodología académica comparable a los Visual Studies, con sus cabezas visibles y sus temas troncales.
En el caso de ESSA, si tuviéramos que hablar de un tema central, deberíamos hablar de la transducción como centro del desarrollo de buena parte de los estudios presentados allí. Quizá se deba al desarrollo de este concepto que Jonathan Sterne realizó en Audible Past. Y quizá por esto hubo citas y más citas a este investigador a lo largo de Funtional Sounds, que en sus momentos más interesantes, revisó, amplió e hizo explotar el significado de transducción.
Esta idea expone que a un nivel estructural, la reproducción de sonido es poco más que la transformación de vibración en electricidad. Según el libro, también fundacional, Soundscape of Modernity de Emily Thompson, esta transducción eléctrica ha cambiado nuestra manera de escuchar y pensar lo que suena o el mundo a partir de sus resonancias. En el caso del trabajo de Thompson, esta transducción, al introducirse en la arquitectura de los teatros mediante la amplificación, cambió para siempre nuestra idea de resonancia hasta cambiar también las arquitecturas aurales, haciendo que el aislamiento anti-reverberante se entendiera casi como una necesidad.

La introducción de Functional Sound a mano de Holger Schulze, organizador del encuentro en su papel de coordinador del Sound Studies Lab, celebraba la transdiciplinaridad como una vía para el estudio teórico del diseño sonoro. No parece casualidad el tema elegido para el primer encuentro dado que el diseño y el branding sonoro comienzan a ganar posiciones dentro del ambiente académico y comercial. De hecho es posible que el ascenso de estos modelos de mercado, capitalización e instrumentalizació de los sonidos, sea algo que nos preocupa a todos.

Douglas Kahn realizó la conferencia de apertura a la vez que la presentación de su nuevo libro Earth Sound Earth Signal: Energies and Earth Magnitude in the Arts. El autor del histórico (y de difícil lectura) Noise, Water, Meat: A History of Sound in the Arts (MIT Press, 1999) y coeditor del más accesible e interesantísimo Wireless Imagination: Sound, Radio and the Avant-garde, (MIT Press, 1992), presentó un análisis desbordado del sonido en la cultura llevándolo, no ya a sus principios estructurales, sino a sus principios físicos. Kahn planteaba que el ascenso del electromagnetismo en la ciencia del s. XIX facilitó otras formas de pensar el sonido y que fue precisamente de la suma del electromagnetismo y la acústica de donde surgió la transducción.
De aquí se lanzó a analizar las relaciones del sonido con la humanidad como una fuerza entrópica, rozando y citando en algunas partes de su conferencia algunos principios de la Ontología Orientada a Objetos, es decir, la filosofía que trata de pensar los fenómenos del mundo sin situar la experiencia y existencia humana en el centro de ellos.
Desde este planteamiento de la física, las relaciones del sonido y del campo electromagnético por el que se transmite no son menos interesantes. Kahn exponía que este magma electromagnético es un espacio fundamental para la expansión neo-colonial, al hacer la tierra más pequeña. Las telecomunicaciones basadas en la transducción del sonido en electricidad, han hecho posible otra idea de imperio. De algún modo podríamos hablar de una política y una cultura sin hilos (wireless culture).

La otra keynote vino a cargo de Jason Stanyek, que se centró en algo aparentemente insignificante pero con connotaciones desproporcionadas: El control activo de ruido por cancelación. Estos sistemas son los que hoy llevan desde auriculares hasta teléfonos móviles, y que se desarrollaron para los auriculares de avión. Lo que hacen estos sistemas es captar el sonido que sucede dentro y fuera de la copa del auricular, y emitir unas frecuencias opuestas que cancelen la percepción de este sonido.

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Este feedback inverso, se convierte en una defensa del oído, una barrera que vende el confort y el aislamiento como su mejor valor. Según Jason Stanyek, además del confort, este tipo de dispositivos están poniendo en valor la tranquilidad silenciosa (quiet, que se traduce a la vez como tranquilidad, privado reservado, reposo).
Por último Stanyek repasó el mito de Ulises y las sirenas, tantas veces usado en la cultura de la escucha, pero especialmente en lo que se refiere a los auriculares en el texto de Michael Bull Thinking about sound, proximity and distance in western experience the case of odysseus walkman. El enfoque de Stanyek, sin embargo, se centra mucho más en la idea de crear tapones que nos aíslen del ruido como onda, no tanto en la de crear una experiencia estética audiovisual a partir de la música escuchada en los auriculares.

Dada la organización del seminario, uno debía elegir entre distintas mesas, por lo que no sería justo juzgar el interés de las distintas charlas. Así que sólo destacaré una que me resultó realmente interesante a nivel personal. Se trataba de Melissa Jan Drie, investigadora que trabaja junto con Karin Bijsterveld en la Universidad de Maastricht y que ha desarrollado su estudio sobre el uso de los estetoscopios.
En esta ocasión venía a mostrar sus estudios en el Teatrophone, un dispositivo que permitía, antes de la invención del fonógrafo, hacer un streaming del sonido de la ópera. Llegó a haber una red de auriculares en salas de escucha de cafeterías y bares de París, que permitían escuchar en tiempo real, y mediante un sistema de radio por hilos, distintos espectáculos de ópera de distintos teatros, que uno podía seleccionar por un dial.
Este aparato, no sólo permitía hacer asequible la escucha de la opera, sino que proponía escuchar algo que no se estaba viendo interpretar en un espectáculo tan audiovisual como la ópera, a la vez que des-contextualizaba el espacio de escucha permitiendo hablar mientras se oía esta música.

En 2011 y fruto de una colaboración con el Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment, parte del equipo de mediateletipos, bajo el comisariado de Pablo Sanz, realizó una serie de post, un ciclo de cine, conciertos y una exposición bajo el tema de la Inmersión Sensorial. Un tema resbaladizo desde el principio, trataba de analizar e historiar una tendencia en el arte audiovisual que busca la sugestión de espacios autónomos que ponen en cuestión o expanden los límites de la percepción humana.

El trabajo de investigación se centró en la tradición cinematográfica, el cine en directo o la acusmática, dando pié a otras interpretaciones del término de inmersión. Todo ello dió pie a una serie de eventos que tuvieron lugar en Lucena y Córdoba y que también concluyeron en un conjunto de entrevistas a los artistas participantes.

Recuperamos ahora la introducción al proyecto firmada por el mismo Pablo Sanz.

Posted by Pablo Sanz

Anunciábamos hace unos meses la preparación de la próxima edición del Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment, que tras diez años de andadura, se renueva con un formato trienal, celebrando el grueso de sus actividades el próximo 2011 en Lucena y Córdoba principalmente.

Comentamos entonces que tras la colaboración realizada el año pasado con el proyecto online Mediateletipos-Retrospecta, Sensxperiment nos ha invitado de nuevo a participar, esta vez confeccionando la programación y actuando también como plataforma de difusión para sus actividades. De hecho, gracias a esta colaboración, hemos estrenado el nuevo aspecto que nos acompaña desde hace semanas.

El título escogido para la próxima edición de este encuentro es ‘Inmersión Sensorial’, y quizá antes de nada sea oportuno reflexionar un poco acerca de tan amplio, escurridizo y sugerente concepto, y sobre todo, introducir cómo nos aproximaremos a él.

Por un lado, se podría afirmar que el paradigma de la inmersión siempre ha estado presente en la creación artística, directamente ligado a conceptos como el de ilusión y la representación de realidades ficticias. El teatro y la literatura (también el cine, la televisión, el video e incluso la radio) han buscado sumergir al espectador en su narrativa, intentando diluir la distancia e involucrarle al máximo. Encontramos por ejemplo recursos pictóricos clásicos, como el trampantojo, empleado para engañar al ojo e incrementar la sensación de realismo e inmersión, o formatos como el panorama y el diorama, bastante populares a finales del s. XIX. Desde el inicio del pasado siglo y partiendo de conceptos como la ‘Gesamtkunstwerk’ (precisamente inspirado en el antiguo teatro griego), ha surgido en paralelo al desarrollo de las posibilidades técnicas, un afán por unificar los medios empleados, las disciplinas artísticas y los sentidos, manipulando todos los elementos al alcance para alcanzar un estado de inmersión total por parte de la audiencia. Siguiendo esa interpretación multisensorial, aparecen el desarrollo de conceptos como el de sinestesia, el intermedia o el género de la instalación artística, con multitud de trabajos en los que el espectador (convertido en muchos de estos casos en partícipe) es sumergido en la obra. Los ejemplos actuales más evidentes los encontramos en los videojuegos, la realidad virtual (la que ocurre en Internet, a través de interfaces o bien en entornos especiales de última generación), el re-emergente cine 3D, los parques temáticos o en una variedad de trabajos catalogados dentro de lo que se viene a denominar ‘new media’.

No obstante, no es necesario referirnos a la historia del arte ni del entretenimiento para apreciar este fenómeno, que es parte de nuestra experiencia más cotidiana y aparece también por ejemplo en casi cualquier ritual popular que se precie, desde en las más remotas culturas aborígenes hasta en una procesión de Semana Santa, una rave de música electrónica o un concierto de metal.

Hoy en día encontramos muchos trabajos artísticos y de ocio —discutir las diferenciaciones ya es otra historia— que incluyen el término inmersivo en sus descripciones. En muchos casos esta es una manera de destacar su alto grado de multisensorialidad, hiper-realidad, el carácter íntimo y subjetivo de las experiencias ofrecidas, o simplemente es un mero gancho conectado al despliegue tecnológico del que hacen gala.

En esta edición de Sensxperiment, lejos de querer abarcar todas las posibles manifestaciones de tan variado concepto, pero manteniendo un carácter abierto y ecléctico, nos hemos propuesto examinarlo en relación a una serie de trabajos artísticos que parten sobre todo de la creación audiovisual, con especial énfasis en la exploración de las cualidades envolventes, íntimas e incluso físicas de la escucha y el medio sonoro. El objetivo es mostrar piezas recientes y rescatar ejemplos históricos relevantes, basándonos sobre todo (aunque no exclusivamente) en el valor de todas ellas como experiencias perceptivas. También nos gustaría contextualizar estos trabajos, indagar en las experiencias que producen y aproximarlos de una manera crítica, sin mayores pretensiones que la de contribuir a su difusión y acercar al público interesado trabajos y experiencias que en muchos casos pasan bastante desapercibidos.

Habrá varias líneas de investigación entrelazadas, tocando temas como el cine expandido y el live cinema, las relaciones entre sonido y espacio, el soundwalk, el paisaje sonoro y la escucha profunda. En pocas palabras, nos interesa mucho más tratar la inmersión desde lo perceptual y sensorial que desde lo espectacular o como un formato estrictamente tecnológico.

La estructura general del proyecto está basada en una investigación dinámica que se manifestará a partir de este momento mediante una serie de publicaciones regulares en Mediateletipos, funcionando como complemento a los eventos físicos organizados en 2011 (con aperitivos en 2010 que anunciaremos a su debido tiempo). Los posts dedicados a este proyecto aparecerán en el flujo habitual de los teletipos, además de quedar agrupados en una sección de la web habilitada para ello.

En junio de 2013 iniciamos esta minieditorial que, de momento, sigue ahí parada. Podría decirse que el papel no es el medio idóneo de mediateletipos, como tampoco lo es la constancia. En cualquier caso, este post sigue siendo reseñable porque contiene una entrevista al artista y teórico Brandon Labelle por parte de Anna Raimondo en el que se analizan algunas de las obras del artista norteamericano afincado en Berlín.

El trabajo de Labelle parte del sonido, pero no termina en él, sino que se adentra en cuestiones como el espacio público y y el uso de éste. En este caso se centra en algunas de estas obras como Counter-partsde 2006 o Diary of a Stranger 2009. Nuestro interés por lanzar esta colaboración a Anna partía también de la afinidad que creemos hay en este blog con el trabajo artístico y teórico de Labelle, que también protagonizó una entrevista, en aquel caso conducida por escoitar.org en su proyecto Cartografías de la Escucha.

Posted by José Luis Espejo

Presentamos este pequeño cuaderno que contiene una entrevista a Brandon LaBelle realizada por Anna Raimondo en inglés y castellano.
Hay varias opciones para su consulta, puede descargarse en PDF o en autoedición manual. Para esto se debe descargar la maqueta, imprimirla y montar un cuaderno físico. Debe imprimirse a doble cara, con cuidado de que ambas caras estén en el mismo sentido, para que al doblarlas pueda leerse el cuadernillo. Por otra parte, se imprime la portada en un color a elegir, se dobla todo junto y se grapa o cose en el centro y ya se tiene una edición propia pero repetible.

Brandon LaBelle: Lo que me llevó a interesarme en el sonido como medio artístico fue su potencial relacional. Creo que el sonido es ingobernable, es decir, es al mismo tiempo propio y ajeno, y eso es precisamente lo que permite utilizarlo para hablar sobre el hecho de compartir. Nos enseña a gestionar la pérdida, pero también a estar presentes. El sonido me da siempre más de lo que espero, por eso me resulta tan sugerente como artista, y como cuerpo. En muchos de mis proyectos, el sonido me interesa como vehículo para generar tipos de interacción y formas de narrativa, y para producir conocimiento, todas ellas cosas que normalmente circulan a nuestro alrededor o se basan en lo efímero, lo migratorio y lo asociativo. El sonido y la escucha se relacionan y generan ese tipo de experiencias e ideas; ofrecen una plataforma para construir procesos que cuestionan o perturban lo singular, lo humano, las leyes y los lenguajes de lo correcto. En mis proyectos, uso todo eso como punto de partida, como medio, para desarrollar materiales y presentaciones, construcciones in situ y conversaciones. El sonido me ayuda a traspasar los límites del lenguaje y, especialmente, de mí mismo.

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Ruido y Capitalismo, publicado en un principio sólo en inglés, y después en castellano, se rodeó de una serie de intervenciones, talleres e incluso una exposición. El libro, centrado en la práctica y política de la improvisación, pensaba el ruido desde esa esquina y, siendo así de específico, se declaraba más que interesante. Muchos dijeron en su momento que le faltaba línea, que estaba deslavazado, pero viendo otro proyecto de sus editores Mattin y Anthony Illes como es Unconstituted Paxis publicado recientemente, parece que la de este libro es también una forma de contar las cosas.

En esta ocasión Mattin se hizo con Ars Sonora durante la emisión en lo que posiblemente sigue siendo de lo más interesante que produjo en los últimos años este programa. En aquella ocasión Pedro Jimenez decidió hacer una reseña de su experiencia de escucha, no ya del contenido del libro ni del programa en sí. Pedro venía a preguntarse por el gusto, a lo que Miguel Álvarez vino a dar una extensa explicación.

Posted by Pedro Jiménez

He de decir que esta entrevista/radioperfomance, como la llama no sin dudas, el propio Miguel Álvarez-Fernández en la presentación del mismo me ha “impactado con alegría”. Estaba por la calle, con mi Ipod de última generación escuchando un programa sobre/con/de Ruido y pensamiento crítico sobre el Capitalismo. Y estaba alegre porque de alguna manera me gustaba lo que estaba escuchando y no sé si el gusto debería ser sacado del contexto en el que se insertan los discursos de Mattin. ¿Se puede disfrutar con esto? Es una pregunta abrazafarolas ya lo sé…

A Mattin lo conocí hace unos años, en Arteleku, y allí, cuando estábamos hablando/conversando/entrevistándonos sobre el proyecto “Copy Your Idols” recuerdo que me pareció un tipo con las ideas claras, de las que probablemente podríamos disentir, pero siempre agarrado, quisquillosamente, a los matices. Es decir que su discurso estético, político, social no es ni más importante, ni revelador, ni siquiera tremendamente cotidiano… esa mezcla dispareja es la que más “me gusta”. Este trabajo para Ars Sonora está lleno de matices, diría que las voces retorcidas o los silencios forman parte de un matiz, lo importante no es cuál, sino que existe ese discurso complejo pero que al mismo intenta desentrañar, sin imponer dogmas, “las políticas y el ruido”. El resultado, ciertamente no es divulgativo, pero yo os lo recomiendo encarecidamente y con unos buenos auriculares.

No me quiero poner hagiográfico, además con decir que actuará en la próxima edición del Festival Internacional ZEMOS98, puedo caer en una especie de falso interés mediático por él del que es complicado distinguir la opinión del autobombo… no obstante no quería olvidarme del trabajo similar “Feedback Conceptual” que ya me gustó mucho, e incluso hice una versión para Radioactivos.

Así que bueno, Ruido y Capitalismo está ahí, con su blog y todo, y esperamos la versión en español pronto. Y todo lo demás en mattin.org

Agradezcamos a Ars Sonora la posibilidad de acceder a través de la Radio pública y sobre todo a través de Internet a un proyecto sonoro de estas características. Existen dos programas sobre Ruido y Capitalismo, en el podcast de RNE de momento sólo está el primero. Actualizaré el post con el segundo.

Comentario de Miguel Álvarez Fernández en el blog

Querido Pedro:

¡Muy bueno tu texto sobre la “radioperformance” (o lo que sea) de Mattin en Ars Sonora! Creo que todos, empezando por el propio Mattin, compartíamos esa extraña y ambigua sensación, tan bien descrita por ti, tras la escucha del programa (que, por cierto, se difundió a través de la radio en la noche del día de Navidad, para añadir más confusión). También varios oyentes que me han escrito respecto de este programa han mencionado cosas similares -aunque, claro, ha habido reacciones para todos los gustos…-.

La pregunta no es ociosa: El “¿Puede uno disfrutar con/de este tipo de cosas?” rápidamente se mezcla con un “¿Debe uno disfrutar con/de este tipo de cosas?”. El tema tampoco es nuevo; aparece, desde luego, en Platón (República), y es el problema clave de la estética agustiniana en cuanto a la música: saber si es lícito o no gozar de la belleza sensible. A esta cuestión San Agustín responde que la belleza inferior es un reflejo de la belleza de Dios, y que es necesario remontarse hacia esta última, aunque no rechaza el placer sensible que depara la belleza inferior; pero, en cualquier caso, dependerá de la actitud del hombre, pues si se deja llevar por la belleza sensible estará condenado. Así, “la belleza y los números en los que ésta se plasma dentro de la música pueden ser, pues, tanto instrumento de condenación como instrumento de elevación y ascesis; dependerá de la actitud que el alma tome en relación con aquellos” (Enrico Fubini: “La estética musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX”). [¡pero no sé si esto realmente resuelve "nuestro" problema!].

Más cercanamente -y creo que esto es lo que, hoy, nos preocupa-, supongo que lo que aquí se manifiesta tiene que ver con las raíces protestantes (no sería exagerado decir “calvinistas”) del pensamiento marxista, que tanto se acentuaron en el discurso de la Escuela de Frankfurt (ejemplarmente, con Adorno). La siempre problemática asociación entre progresismo, goce estético y esfuerzo ha marcado profundamente la evolución de la música en el siglo XX, al menos desde Schönberg en adelante -para mí el núcleo duro de la cuestión radica en la vinculación adorniana entre “disonancia” y “modernidad” (exploro este asunto en este artículo, algo antiguo: http://www.tallersonoro.com/espaciosonoro/04/Articulo1.htm)-.

Desde luego, otros planteamientos políticos de intencionalidad progresista (y, a menudo, acento francés) han acometido sus planteamientos con el ceño menos fruncido que Adorno y sus secuaces, y ahí queda Mayo del 68 o cierto Situacionismo. Ahora bien, me parece que en nuestros días resulta harto difícil rescatar (si es que ello fuera posible) la dimensión subversiva de espectáculos -en el más claro sentido debordiano de la expresión- tipo desfiles del orgullo gay o similares.

Creo que éste fue, al final, el tema principal de la “conversación/entrevista/radioperformance”… Significativamente, terminamos con la duda acerca de si era más conveniente “asfaltar” (tal vez al modo de Cardew en los últimos años de su vida -con él terminaba el Ars Sonora titulado “Comunismo”: http://www.artesonoro.org/archives/2736-) o, como proponía Mattin, “usar la piqueta” -o las bombas- (lo que me recuerda esas palabras de Adorno que citaba en mi artículo: “Que la nueva música abra la herida una y otra vez”).

Por cierto, acaba de actualizarse el podcast de Ars Sonora con la segunda versión de la “pieza” (http://www.arssonora.es/?p=247).

Un abrazo, y muchas gracias de nuevo por tu lúcido texto,

Miguel Álvarez-Fernández