La inauguración de un nuevo centro de arte no puede sino alegrarnos. La escasez de iniciativa en la promoción y divulgación de arte en nuestro país hace que cualquier nueva propuesta –y más si ésta es de envergadura- abra un resquicio de luz que, sumado a otros, nos deja cierta esperanza de ser un país “normal” (como uno de nuestros gobernantes diría en referencia a “otras cosas”).

Es el caso del nuevo Centro Botín, inaugurado en Santander el pasado 23 de junio, coincidiendo con la noche de San Juan, y con el boato que caracteriza un proyecto que no quiere pasar desapercibido en la escena cultural nacional e internacional. El genovés Renzo Piano fue el arquitecto escogido para el diseño de este ambicioso e interesante edificio que mira al mar en una de las bahías más bellas de la península.

El Centro Botín nace con tres líneas de actuación esenciales: la investigación, la formación y la divulgación en el contexto del arte, con una atención especial a las artes visuales. Así, las tres exposiciones que pueden verse durante este verano son “Arte en el cambio de siglo”, “Carsten Höller: Y”, y “Ligereza y atrevimiento. Dibujos de Goya”.  Hasta aquí todo correcto. Un centro que se preocupa por el pasado pero, especialmente por el arte de su tiempo. Que organiza sus exposiciones basculando sobre ejes coherentes con un espacio de estas características.

Sin embargo, cuando llegamos al capítulo de las actividades musicales que ofrece el centro, aparece la paradoja, una demasiado frecuente en este tipo de espacios donde el arte contemporáneo debería encontrar sin demasiadas dificultades los paralelismos estéticos entre disciplinas, al menos tirando del argumento histórico. Pero no, esto no parece entenderse bien y vemos que la mayor parte de los conciertos programados no pasan del tópico, algunos bien aferrados a la complacencia vacacional. “¡Una noche diferente! Baila a ritmo de cumbia, tropical bass, bullerengue y otras músicas latinoamericanas fusionadas con ritmos electrónicos”, reza el comentario de uno de ellos. Después, otras propuestas con aire underground pero que no dejan de ser un producto mercantilizado, como es el caso de Maika Makovski con el Brossa Quartet. En el terreno de la “música clásica” el riesgo es mínimo, únicamente observamos un concierto que nos hace concebir cierta esperanza: “Música para una exposición: Luciano Berio ilustra a Carsten Höller”, con un admirable despliegue de sus Sequenzi. Berio nace en 1925 y Höller en 1961. Obviamente, esta diferencia generacional no sería un problema si no es porque el vínculo que se encuentra entre ambos no parece fundamentarse en ningún sentido. No hay relación en el plano histórico, ni conceptual, ni estético… Da la impresión de que Berio está ahí porque es “suficientemente moderno”, así, sin más.

Renzo Piano fue el arquitecto que diseñó el espacio acústico para el estreno del Prometeo de Luigi Nono. Esa lucha del compositor veneciano contra el espacio acabado y su visión de lo musical como un despliegue de posibles fue maravillosamente comprendido por el arquitecto genovés en aquella estructura que ocupó el interior de la desacralizada iglesia de San Lorenzo de Venecia. En la programación musical del nuevo Centro Botín se echa de menos algo de esa mirada que sabe hacer compatible lo plurifocal y una mínima coherencia en el plano estético, seguramente sí lograda en la arquitectura del nuevo espacio santanderino. Llama la atención que a un experimentado director artístico como el parisino Benjamin Weil no le haya chirriado alguna de estas inconsistencias. No obstante, es demasiado pronto para hacer una crítica definitiva al proyecto en este aspecto. Esperaremos, pues, nuevos acontecimientos.

Estimado lector/a, de antemano tengo que advertirle que leer esta serie artículos tomará parte de su tiempo prestado y que además requerirá de otros recursos más allá de la simple lectura. Me atrevo a hacerle este pedido a cambio de comprometerme a hacer de estos escritos una especie de caminata placentera.

Para comenzar esta caminata sonora, le propongo escuchar un tema de música sacra. El tema musical propuesto data de la época Isabelina, es un famoso motete del compositor inglés Thomas Tallis titulado Spem In Alium; es probable que usted ya lo conozca o haya escuchado acerca de él ya que se trata de una de las piezas polifónicas más conocidas en la historia de la música.

Le recomiendo escuchar una versión vocal preferentemente realizada por un grupo de 40 voces[1] (ocho coros a cinco voces) que es como originalmente fue pensada la obra.

Le invito a escuchar esta pieza con audífonos y ha realizarse las siguientes preguntas: ¿Cómo son los sonidos que percibe? ¿Cómo es la espacialidad de lo que escucha? ¿Siente el movimiento? ¿Siente el espacio? Si usted presta atención notará que las voces se mueven; que existe una dimensión espacial en esto que está escuchando.

Muchas veces esta parte de la espacialidad en el sonido, en la experiencia auditiva, se da casi por sentada. La dimensión espacial del sonido es una historia rica y profunda que llega hasta nuestros días y que permea de forma sustancial los desarrollos tecnológicos actuales. A su vez forma parte de un análisis profundo del cambio de paradigma[2] que está teniendo el sonido en esta época y que afecta de diferentes formas el modo en el que nos relacionamos con el sonido y la tecnología.

La primera voz del coro comienza en el lado izquierdo de su audífono (aquí haremos una pequeña parada para aclarar la importancia de tener colocados las audífonos de forma correcta); a medida que se van incorporando las demás voces, el espacio habitado por el sonido se enriquece proporcionándonos una mirada muy precisa de la forma en la que está dispuesto el coro. ¿Percibe el espacio en el que se encuentran las voces? Notará que el espacio no va solamente de izquierda a derecha y de derecha a izquierda sino que también existe un espacio vertical y una profundidad en el sonido. Usted está escuchando una composición en tres dimensiones.

A pesar de que no existen documentos que nos digan con precisión cuándo fue compuesta esta pieza, se especula con la posibilidad de que la obra fuera concebida en dos momentos diferentes. Una teoría dice que la obra fue parte de la celebración del cuadragésimo aniversario de la Reina Isabel I de Inglaterra en 1573; y otra de las teorías, publicada por el director de orquesta y musicólogo George Steel, propone que la obra fue compuesta en el año 1572 a pedido de Thomas Howard IV, duque de Norfolk[3].

Pero en lo que se refiere a este escrito no nos interesa tanto ubicar el año tanto como el lugar físico en dónde sería interpretada la obra por primera vez. ¿Cómo influyó esta noción del espacio en la composición de Thomas Tallis? Para averiguar esto nos tendremos que adentrar en otro mundo relacionado con el sonido: el mundo de la arquitectura y de la historia.

Así es como nos situamos en la Inglaterra de Enrique VIII a comienzos del 1500. Enrique VIII fue uno de los monarcas más prolíficos de Inglaterra en lo que se refiere a construcciones; durante su reinado construyó cinco palacios. Al parecer tenía una mirada muy particular de la arquitectura; quería instaurar la modernidad en Inglaterra y demostrar su supremacía y poder por medio de la ostentación de la riqueza que poseía.

El Palacio de Nonsuch, palacio del que sólo quedan algunos indicios en el Museo Británico, fue el edificio más importante de todos los proyectados por Enrique VIII. Se piensa que fue extraordinariamente bello; pero Enrique VIII murió antes de que se completara su realización y la reina María I lo vendió en 1556  al decimonoveno conde de Arundel, Henry FitzAlan, padre de Mary FitzAlan; es decir, de la primera esposa de Thomas Howard IV, duque de Norfolk [4].

Aunque no quedan vestigios del palacio, los planos generales han sido reconstruidos a partir de descripciones contemporáneas, pinturas, documentos históricos y excavaciones arqueológicas[5]. En su cara norte, la fortificación era de estilo medieval, pero en la cara sur se imponían dos altas torres octagonales decoradas con elementos renacentistas. No se sabe si Spem In Alium fue ejecutada durante la vida de Thomas Tallis pero al parecer la composición fue pensada para ser cantada en forma circular alrededor de la audiencia; el espacio físico para la ejecución de la obra se piensa que fue justamente una de las torres octagonales del Palacio Nonsuch. Este espacio concuerda  perfectamente con la posición de los coros (distribuidos circularmente en el octágono). A su vez, el interior de la torre contaba con cuatro balcones que se encontraban en el primer piso; lo que hacía que la pieza no sólo tuviese un espacialidad de 360° alrededor del público sino que además el sonido tuviese verticalidad; es muy probable que Tallis pensase en distribuir cuatro de los ocho coros en los distintos balcones teniendo en cuenta la arquitectura del lugar y con la idea de dar una sensación tridimensional al sonido[6] [7].

Hoy en día estamos cada vez más acostumbrados a escuchar música y sonido a través de audífonos, cada vez más dispositivos electrónicos vienen ya con los audífonos incorporados y la diversidad de marcas y modelos que existen en el mercado es cada vez mayor.

¿Pero cómo elegimos un audífono adecuado a nuestras exigencias? ¿Cómo los audífonos cambian nuestra percepción del sonido? ¿Cuales son las verdades y las mentiras que encierran los nuevos audífonos 3D?

Estas serán sólo algunas de las preguntas que iremos contestando a lo largo de diferentes artículos. Esta introducción es simplemente para que ahora, cuando usted se coloque sus audífonos, piense en Thomas Tallis y en su pieza Spem In Alium; se imagine ese espacio, esa verticalidad en el sonido, en sus reverberancias, en la tridimensionalidad de esta composición que no depende de la tecnología, sino de la arquitectura, la historia y la música.

Preguntas que, tal vez, siembren en usted la semilla de la curiosidad para saber cómo escuchamos lo que escuchamos.

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Notas

Aprovechamos nuestro editorial de noviembre para presentar TRASHUMANCIAS.15 Encuentros Interdisciplinares, un proyecto en el que andamos metidos, de manera muy intensa, desde hace meses. Y qué mejor espacio que este para hacerlo, teniendo en cuenta que es una iniciativa que nace en el seno de la revista, participando de algunas de las cuestiones que nos inquietan y nos apasionan.

TRASHUMANCIAS.15 no es un festival, queremos huir de las clasificaciones cerradas y poder así tantear las formas que mejor nos permitan indagar en cada pregunta, en cada propuesta. Se trata de un proyecto que quiere moverse y debatir sobre lo interdisciplinar, poniendo la mirada en la relación de las artes pero no únicamente observando y estudiando estos vínculos, sino llevando a la misma forma de las actividades lo múltiple, aprovechando y a la vez desplazando los formatos tradicionales. Un encuentro donde vincular a Pavese y Machado, en el que, al final, se baja la luz para interpretar una pieza para tuba y electrónica espacializada; una conversación sobre Andrei Tarkovski que termina con una improvisación libre sobre una secuencia de Nostalgia…, pueden dar una idea de lo que proponemos.

Los Encuentros, que tendrán carácter gratuito, se desarrollan en dos sedes: Sevilla (17, 19 y 20 de noviembre) y Madrid (30 de noviembre, 1, 3, 9, 10 y 11 de diciembre), en espacios emblemáticos de ambas capitales como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en La Cartuja, CentroCentro, el Palacio Bauer -donde se encuentra la Escuela Superior de Canto de Madrid- y la Sala Manuel de Falla de la SGAE. Todos ellos espacios arquitectónicos singulares.

Homenaje a Luigi Nono

TRASHUMANCIAS se sirve de lo temático para articularse. En esta primera ocasión (esperamos que haya sucesivas ediciones), será el compromiso en el arte el que articule los Encuentros. Bajo el título “El arte que podríamos hacer… si el compromiso fuera posible”, aprovecharemos la conmemoración de los 25 años de la muerte de Luigi Nono para tomar este creador esencial como vertebrador de las actividades. Sin embargo, hemos querido evitar el mero homenaje para que su música, su visión política, sus inquietudes, sirvan para activar nuevas miradas, para hablar de lo que nos pasa hoy, de cómo entendemos actualmente el compromiso en el arte. Los poetas, los cineastas que tanto quiso e interesaron a Nono nos servirán para hablar de ellos, emancipados ya de ese vínculo inicial con el veneciano, y para preguntarnos dónde nos encontramos ahora y hacia dónde caminamos (si es que lo hacemos hacia algún sitio).

Un total de 11 actividades (5 en Sevilla y 6 en Madrid) constituyen esta nueva aventura en la que nos hemos embarcado, donde la música, la poesía, el cine, la fotografía o las artes plásticas, se pondrán en juego en charlas-concierto, debates-performance, instalaciones, conciertos… Y con un conjunto de invitados de lujo al que agradecemos infinito su compromiso por el proyecto. En definitiva, una propuesta que esperamos pueda enriquecer el panorama cultural que nos rodea, por cierto, nada estático.

Toda la información en nuestro mini-site (accesible también desde el menú superior), y por supuesto, en la página en Facebook que hemos abierto al efecto, desde donde iremos informando en tiempo real de todo lo que acontezca (también los previos). ¡En estos espacios también os esperamos!