Espacio y sonido son dos conceptos que caracterizan a los festivales de arte sonoro, Lisboa Soa, en Lisboa (Portugal), y Tsonami, en Valparaíso (Chile). Este enfoque se sostiene, en ambos casos, a partir de una metodología en particular: la investigación sonora del espacio urbano, en conjunto con el desarrollo y el fomento de la creación en contextos específicos.

Estos puntos en común son los que llevaron a las organizaciones a iniciar una alianza en 2019, que se concreta durante septiembre con el viaje de dos artistas sonoros chilenos al festival portugués: Natacha Cabellos y Rodrigo Araya, quienes estarán trabajando bajo la curatoría de Fernando Godoy, director de Tsonami, con el objetivo de realizar residencias de creación en Estufa Fría, complejo de invernaderos que se emplaza en el centro de Lisboa y donde se desarrollan las actividades del encuentro.

“Cuando estuve, en 2016, en una residencia de investigación en el Festival Tsonami, me sorprendió ser la primera portuguesa en estar presente en un festival, por aquel entonces, con 10 ediciones. No había ningún conocimiento sobre Portugal o la cultura portuguesa, mucho menos sobre el arte contemporáneo, la música experimental o el arte sonoro. Creo que es parte de nuestra misión como curadores o directores encontrar las mejores condiciones para presentar artistas y obras dentro de un contexto específico, pero también para crear redes de intercambio y contribuir a estimular un área aún relativamente nueva, como el arte sonoro“, manifiesta Raquel Castro, directora de Lisboa Soa, quien participará como curadora de la XIII versión del Festival Tsonami a inicios de diciembre.

Teniendo como principio la sensibilización de la conciencia y la cultura aural, el tema central de la IV edición de Lisboa Soa es la migración como fenómeno que se produce con personas, animales, plantas y también sonidos, y el impacto de la actividad humana sobre el medioambiente en el siglo XXI. De esta forma, los proyectos de Cabellos y Araya investigan Estufa Fría como contexto específico, relevando sus características y cualidades como umbráculo, con el propósito de crear instalaciones sonoras para el mismo invernadero.

“Estufa Fría es un gran oasis verde en el corazón de Lisboa, un enorme invernadero con miles de plantas articuladas de forma orgánica, donde flujos de agua circulan entre flora, piedras y senderos, un equilibrado espacio natural creado artificialmente. Los artistas enfrentan el desafío de desarrollar propuestas para este contexto respondiendo al tema sugerido por el festival y, en ese sentido, no sólo deben definir espacios a intervenir, sino también considerar la coexistencia respetuosa con los seres que aquí habitan. Por otro lado, si bien Natacha y Rodrigo traían ideas previas, el encuentro con el lugar ha sido tan potente que les ha obligado a repensar, adaptar y resolver obras instalativas en solo diez días“, explica Fernando Godoy.

Estufa Fría

Laboratorio para una planta migrante es el nombre que toma el proyecto de Natacha Cabellos, una investigación sobre las especies alóctonas o introducidas que se encuentran en el complejo, vida que ha migrado –en su mayoría, forzosamente- por los desplazamientos del ser humano, y que ha debido adaptarse a un nuevo hábitat: “Mi idea inicial era trabajar con las plantas y hacer, a modo de performance, el ejercicio de sentarme a contarles de dónde provenían, cuál era su origen, como el acto de las abuelas que les hablan mientras las riegan. Devolverles el cariño que han perdido en este contexto europeo“.

Conocer Estufa Fría supuso encontrarse con una diversidad de especies, por lo que la artista decidió centrar su trabajo en el invernadero de cactus, con la intención de buscar aquellos provenientes de América Latina y montar, lo que ella llama, un laboratorio de gestos y afectos. “Busqué los que provenían de Latinoamérica, que son alrededor de catorce cactus, y lo que hice fue plantear una especie de laboratorio de afecto para crear un ambiente como lo harían nuestras abuelas, nuestros antepasados, los indígenas, los mapuche, el rito amoroso de cantarles, de conversarles y hacerles cariño. Pero ahora desde la tecnología, ya no performance, sino que pequeñas estaciones dentro del invernadero donde estarán estas maquinitas: una haciéndole cariñito a los cactus, con el sonido siendo amplificado a través de un piezo eléctrico, otra estación de canto para su crecimiento, y luego también va haber una historia leída por una persona portuguesa, contándoles su origen. Todo desde la idea de lo poético, de un afecto sonoro“.

"Laboratorio para una planta migrante" de Natacha Cabellos

Por su parte, Rodrigo Araya se encuentra estudiando las cualidades únicas de Estufa Fría como espacio artificial de naturaleza controlada. Su proyecto, Objetos y flujos: tres estudios de energías migratorias, interviene tres locaciones del invernadero donde se articulan sistemas de objetos e interacciones con el entorno, las que generan fenómenos sonoros, lumínicos y mecánicos que van en contraste con el entorno natural. “Esta serie de intervenciones son una especie de conjunto de esculturas que reaccionan con las fuerzas que están fluyendo dentro de Estufa Fría. Tiene que ver con la idea de trabajar a partir de diversas energías y transformarlas a otras que se puedan visibilizar o percibir de diferentes formas. Por ejemplo, el flujo del agua que activa ciertos contactos eléctricos, que, a su vez, nos permiten generar ritmos de sonidos. Las esculturas están pensadas para integrarse en ciertos puntos específicos de la Estufa, pero entre que conviven y aparecen como elementos extraños dentro del paisaje“, cuenta el artista.

Además de la instalación que finaliza su proceso de residencia, Araya también se presentará durante el festival con la performance audiovisual Té nº3 (El alambique), una exploración de las relaciones entre el sonido, la luz y otros fenómenos físicos mediante el uso de objetos comunes y la producción de reacciones materiales de causa y efecto. El desarrollo de la acción estará mediado por la arquitectura del lugar y del posicionamiento de los observadores, factores que modificarán cada situación de acuerdo a sus reacciones y respuestas.

Por otro lado, Fernando Godoy también será parte del festival a través de Luciérnagas, bichos y otros seres, una instalación efímera y performativa basada en la reutilización y el hackeo de pequeños motores y ventiladores de computador. A partir de estos elementos, la obra produce dispositivos cinéticos que intervienen gradualmente el espacio con fenómenos derivados de la luz, el sonido y el movimiento mecánico, simulando una suerte de ecosistema artificial.

En su IV versión, Lisboa Soa se posiciona como el encuentro de arte sonoro, urbanismo y cultura aural en el espacio público de Portugal, con instalaciones sonoras, performances, charlas y talleres que se realizarán del 12 al 15 de septiembre. En esa misma línea, buscando profundizar en las reflexiones sobre el sonido y la creación artística, el viernes 13 se llevará a cabo una mesa redonda bajo el nombre Urban Sound Art, donde participarán los curadores en arte sonoro, Carsten Seiffarth (Alemania), Raquel Castro (Portugal) y Fernando  Goody (Chile), encargados de debatir sobre la contribución de la disciplina en el desarrollo de la consciencia auditiva en contextos urbanos y las formas en que puede presentarse en la ciudad en la actualidad.

La segunda parte de esta alianza entre Lisboa Soa y Tsonami tendrá lugar en Valparaíso, del 02 al 08 de diciembre de este año, con las residencias de creación de una delegación de artistas sonoros portugueses –bajo la curatoría de Raquel Castro- en el marco de la XIII versión del festival de arte sonoro porteño.

La participación del Festival Tsonami en Lisboa Soa es posible gracias al co-financiamiento de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile.

Un pequeño manifiesto de Tim Ingold (“Against Soundscape”) podría hacernos replantearnos la validez y vigencia del concepto “Soundscape”, o paisaje sonoro, extendido rápidamente entre los teóricos de los estudios sonoros y allegados desde la publicación en 1977 de Tuning of the world, de Murray Schafer –en español traducido como El paisaje sonoro y la afinación del mundo-. Para Ingold, se ha confundido, ya en los estudios visuales, lo visual con lo visible. Los estudios sonoros habrían tomado estructuras de los estudios visuales aplicándolas, por así decir, al sonido, reproduciendo por tanto la confusión entre audible y aural. El “soundscape”, a su juicio, sirvió momentáneamente para dar cuenta de todo un “registro sensorial que había sido negado por la vista”. Sin embargo, en muchas ocasiones, el componente retórico o, mejor dicho, metafórico del paisaje sonoro, hace que se mantenga en la metáfora sin hacerse cargo en serio de lo sonoro.

Uno de los puntos de partida más polémicos de su posicionamiento es que el mundo es uno y el mismo independientemente de cómo lo percibamos. Esto es algo discutido por otros autores, como Brian Kane, que se pregunta si el mundo sería cualitativamente otro cuando es percibido de otra manera. Básicamente, lo que está en juego es la estabilidad de la realidad más allá de lo “puesto” por el sujeto en esa percepción. Dicho en otras palabras, si la realidad existe independientemente de que sea percibida o no. En pocas palabras, Ingold diría que el árbol cae y hace ruido aunque nadie lo vea y nadie lo oiga ante el ya clásico dilema filosófico derivado del budismo zen que pregunta: “Si un árbol cae en un bosque y nadie está cerca para oírlo, ¿hace algún sonido?”.  De esta forma, retoma la diferencia en visible-visual y audible-aural. Lo visible y lo audible darían cuenta de lo potencial frente a lo visual y lo aural, que es aquello que posibilita que, efectivamente, se vea o se oiga eso visible o audible. A su juicio, por tanto, lo “visual” y lo “aural” necesitan de mediación técnica. Esta posición recuerda, de alguna forma, a aquellos que decían que Monet hizo que los ingleses se dieran cuenta de la bruma londinense. Quién sabe.

El segundo aspecto de análisis versa sobre el estatuto de los ojos. Las tecnologías visuales serían un reflejo del concepto de mirada que se maneja en la cultura occidental: “es como si los ojos vieran por nosotros, dejándonos (re)ver las imágenes que ellos transmiten –como una cámara- sobre/en nosotros. De ahí que podamos hablar de “los ojos de la mente” o “el ojo interior”. La cámara sería una extensión de esta noción, una especie de ampliación de lo que los ojos ya eran capaces. De alguna forma, los ojos se han convertido paulatinamente en “órganos de reproducción” [playback] y no nos hemos hecho cargo de su complejidad en tanto “órganos de observación”. Justamente de esta centralidad de la reproducción emerge lo que, para él, ha sido el gran problema de los estudios visuales, a saber, la preminencia de las imágenes como núcleo de su estudio. La constitución de las imágenes ya implica un carácter reproductor de la mirada, algo que después ha sido equiparado en la audición con las grabaciones. Se podría plantear críticamente que las grabaciones equivalen exactamente a las imágenes en el problema del sonido, en la medida en que, por ejemplo, podríamos pensar también en el peso específico de las partituras como proto-intento de captación de lo sonoro, por más que sea un intento abstracto y altamente conceptual. Según Ingold, los estudios visuales se restructurarían tomando en consideración no tanto la mirada sino la luz.

Luz y sonido serían los objetos de estudio específicos de estos estudios visuales y sonoros. Habría que dejar claro que no son “ni mentales ni materiales”, sino un “fenómeno de la experiencia”: “esto es, de nuestra inmersión en y nuestra mezcla von el mundo en el que nos encontramos”. Es decir, continúa, “el sonido es otra forma de decir “yo puedo oír”. ¡Vaya, vaya! Pero, entonces, ¿esta experiencia no es mental ni material? Parecería que Ingold se libera demasiado rápido de algo que no es tan sencillo. Él señala, con Merleau-Ponty, que ya estamos inmersos en el mundo, en tanto “precondición existencial”, cuando comenzamos a establecer distinciones sobre la percepción de ese mundo. Que ya estemos en un mundo y que, justamente, ese “ya estar” marque nuestra experiencia como situada y acotada, no hace que sea menos mental o material porque sea “un fenómeno de la experiencia”. De hecho, en concreto, poner en duda la materialidad del sonido hace que caigan por tierra todos los serios esfuerzos que se vienen haciendo, especialmente en los últimos diez años, por pensar seriamente una materialidad no extensa, no espacial para articular otros modelos de división entre sujeto y objeto o, incluso, diluir tal división. Lo relevante de su posición, no obstante, se sitúa en que, para él, este “estar inmersos” hace que seamos incapaces de percibir la luz o el sonido, pues no serían “objetos” sino “medios” de nuestra percepción. El sonido sería “en” lo que escuchamos, al igual que “no vemos la luz pero vemos en ella” [we do not see light but see in it].

Tomando en consideración el sonido y la luz como medio, Ingold propone rechazar la noción de “scape” en tanto “conformación de las cosas en una superficie” [surface conformation of things], pues las superficies no darían cuenta de el medio a través del cual somos. Si le interesa el medio frente a la superficie es porque ésta implica la atención a lo fijado, pasando por alto el interés de los flujos del medio. Para él, la historia o la geografía, así como la antropología, tienden a centrarse en lo “solidificado de esos flujos”, algo que “de(s)materializaría” los medios. Su crítica más potente, a mi juicio, sería la de preguntarse por la posibilidad de pensar radicalmente ya en, estableciendo un pensamiento inmerso en esa fluidez de los medios frente a la solidez de las superficies. Los objetos no estarían conformados, establecidos para nuestra percepción, sino que surgen a través de aquello que los mediatiza. De este modo, Ingold critica que incluso “el aire que respiramos, y del que depende la vida, se ha convertido en un producto de [aunque cabría decir para] la imaginación”. ¿Podríamos pensar ese aire sin que pase por la imaginación, sino en su carácter mediador?

Su propuesta final es sorprendente y sigue, de alguna forma, la tendencia hacia una mística de la naturaleza que ya se encuentra en Christoph Cox. Ingold plantea que se debería sustituir la noción de “scape” a favor de la atención a la meteorología. Para él, los elementos meteorológicos condicionan radicalmente nuestra percepción, es decir, escuchamos a través del aire. En concreto, el cielo le interesa justamente por su carácter fluido frente a la solidez de la tierra. Ese carácter fluido, que hace que el viento y el sonido confluyan le permite concluir que habría que pensar en la espacialidad del sonido como un “alrededor” más que “dentro” [within] de una localización fija. Así, “la escucha atenta… implica exactamente lo contrario a emplazamiento [emplacement]”. Y, añade, “el confinamiento a un lugar, en breve, es una forma de sordera”. Pese a la mística final con respecto a la naturaleza, no habría que pasar por alto el potencial de su propuesta en la medida en que justamente hace hincapié en el visuocentrismo del concepto de “scape”  que reincide en la espacialidad construida visualmente del sonido, por más que se trate  metafórica o relativamente. El “scape” como “registro sensorial”, siguiendo a Ingold, reproduciría entonces un modelo de espacio-tiempo que busca lo estable y lo continuo, algo a lo que el sonido solo puede responder con la desaparición.

El parque natural de Yellowstone, en Estados Unidos, invita no sólo a visitar sus paisajes de forma presencial, sino también a disfrutar de sus paisajes sonoros a través de su página web. A través de ésta muestran un catálogo de sonidos ambiente que se pueden encontrar en el parque natural. El parque natural (como institución) conjuntamente con Acoustic Atlas, un proyecto de la Biblioteca de la Universidad del Estado de Montana, hace cuatro años emprendieron un plan para recoger sonidos ambientales en alrededor de algo más de 5.500 kilómetros cuadrados del parque. La consecuencia fue una enorme biblioteca sonora de todo tipo de sonidos de la naturaleza. Al alcance de un click, hay decenas de sonidos de distintas aves, ranas o ardillas, e incluso sonidos relacionados a la geografía, como una gran muestra de géiseres.

Dentro del archivo, aparecen en orden alfabético todos los sonidos recogidos y de dominio público. Al seleccionar uno de los sonidos aparecer el reproductor de audio con el sonido escogido, junto a una breve descripción, además de su duración y la fecha en la que se creó y se actualizó. En ocasiones, como en la del oso grizzli, aparecen distintos audios del mismo animal (también ocurres con otros fenómenos geográficos como con las). Asimismo, es habitual encontrar una fotografía relacionada con el audio escogido, lo que hace a la experiencia sonora, también visual. Todos los audios están producidos por Jennifer Jerrett. Igualmente, la experiencia puede ser aún más completa mediante una opción de una videoteca. Este archivo es similar al de audio, pues está organizado de igual forma, la diferencia está en que cambia los audios por vídeos.

En esta ocasión, os mostramos de nuevo un mapa sonoro. Se trata de KENTUCKIANA SOUNDS, un mapa, desarrollado a través de Google Maps,  que reúne sonidos en la ciudad o alrededores de la ciudad estadounidense de Louisville en el estado de Kentucky, creado por Aaron Rosenblum. Todos los sonidos que aparecen en el mapa, fueron grabados en el pasado mes de agosto.

Para encontrar cada sonido, encontramos cada sonido en cualquiera de los distintos pines que aparecen en el mapa, estos, son de dos colores diferentes: los pines amarillos pertenecen a sonidos grabados durante el programa Collider, con el que consigue conectar a las personas que crean arte con su público. Esto es, cualquiera puede estar presente durante el proceso de creación de un artista. Los pines de color azul, recogen todos los sonidos restantes.

Al hacer clic en uno de los pines, se abre una ficha informativa del pin cliceado. Ésta incluye, el  reproductor de audio para poder escuchar el sonido y una descripción. La grabación aporta información especificando el lugar donde fue grabado, además del día junto a una hora aproximada. Seguidamente aparece una breve explicación sobre los sonidos que se aprecian. Por ejemplo, en un pin amarillo indica que en el sonido se puede apreciar cómo el personal de la Free Public Library (Biblioteca Pública Gratuita) anuncia el cierre de la biblioteca. Asimismo, indica el nombre de la persona que ha llevado a cabo las grabaciones, en su mayoría realizadas por el creador de este mapa sonoro, Aaron Rosemblum. Incluye, además, los medios que se emplearon para su grabación.

— 1 —

C
ierto:  modernidad y  metrópolis nacieron  siamesas una junto a la otra. Movimiento, velocidad, cambio y capacidad para integrar la heterogeneidad de un mundo en globalización. Incluso el blues, que nació de la plantación en el corazón de los esclavos negros arrancados de África, encontró en la ciudad espacio para  electrificar su alma vagabunda.

— 2 —

F
ingiendo, afuera, la gente camina, los coches rugen y escupen humo, los autobuses atraviesan las avenidas. Nada parece desviarse de la exaltación futurista del ruido que soñaron Russolo y Marinetti. Dentro, en la cabeza, todo resuena; la experiencia subjetiva emerge frágil en medio de una realidad cuya materialidad se evidencia insoslayable y estridente.

— 3 —

C
omo su banda sonora, el furor constata la imposibilidad de la quietud, la utopía del silencio en la secuencia continua de jornadas de trabajo —que se extienden entre la luz del amanecer y las sombras vespertinas. El blues de la ciudad inmóvil es sólo deseo de quietud, la añoranza de algo que nunca existió ni existirá en la modernidad productiva que construimos y habitamos frenéticamente.

— 4 —

C
olor. El blues es la música del color triste. Un color cuyo lamento es interno y que tiene la forma de la ausencia. La multitud conforma el paisaje más crudo para la soledad del desarraigo. La metrópolis es el espacio impersonal en el que confluimos para tratar de ser personas, libres por fin de los lastres de nuestro origen plebeyo. Unos junto a los otros, como si superponiendo nuestros deseos tuviésemos más posibilidad de llegar a conocerlos.

— 5 —

F
orma de blues. Repetición y vuelta. Abrir, cerrar y de nuevo al principio. Sin desfallecer. Complementando. Como el ritmo de las palas asfaltando las venas de una naturaleza indómita que cede y se transforma. Avenidas permanentemente iluminadas por diodos. Jungla donde todo convive. El fuerte con el débil, en comunidad, persiguiendo el mismo destino de volver a empezar una nueva estrofa.

— 6 —

F
antasía. La ciudad alberga rincones míticos donde la locura es posible. Oasis de disidencia. Resistente a todos los fascismos, la calle es escenario para la performance de las identidades. Cotidiano auto-espectáculo en el que lo exótico logra pasar desapercibido. A nadie le importas. Disfruta de tu anonimato. Déjate deslumbrar por las luces de sus coches, mecer por el boogie-woogie.

— 7 —

C
aminar la ciudad con auriculares. Aislarse del molesto ruido de los otros generando una burbuja acústica privada. Evitar que la esfera íntima se diluya en el anonimato de lo social. Superponer sonido con sonido hasta transformar el entorno en una ensoñación sonora que transcurra ante nosotros como si no estuviésemos ahí; la fantasía de ser espectadores de nosotros, sin nosotros mismos.

— 8 —

C
uando los sentidos se sobre-estimulan la imaginación se colapsa. La publicidad lo sabe. Las ciudades son campos de batalla para la comunicación de masas. La conciencia sobre-estimulada se aletarga y vuelve dócil para cumplir su cometido: ir a trabajar, volver de trabajar, descansar para volver a ir a trabajar. En coche. En autobús. En tren. Sintiendo el ritmo del engranaje. Con sacrificio de peón. Cantamos el blues del trabajo porque nos hace sentir juntos, porque nos hace olvidar lo arduo de nuestra tarea.

— 9 —

D
emostramos lo que somos por nuestras acciones. La inacción es incompatible con la responsabilidad de ser uno mismo, de mantener algo parecido a una integridad psicológica del yo. En la ciudad todo está en permanente mutación. El vacío se convierte en un lugar inaccesible. En el vacío no puede haber música. El silencio interno se rompe por las reverberaciones de aquello que nos llama desde afuera.

— 10 —

G
alería de arte que se colecciona. Se vende. Se exhibe. Se desea. La metrópolis es mercado y refugio de artistas hambrientos con zapatos desgastados. Se puede ser libre y pasar hambre, regalar lo que no puede venderse o venderse a uno mismo a cambio de un pedacito de espejo. Acariciar la fama, sumirse en el olvido. Como un film, la ciudad misma, en su vital movimiento, nos convierte en actores de su imparable secuencia de plano-contraplano. El arte no imita la vida, sólo mantiene el espejismo; sentir que todo merece la pena.

— 11 —

C
entro y periferia. Anillos de expansión urbanizados de población distribuida. La tasa de habitantes por kilómetro cuadrado es  proporcional a la posibilidad de lo imaginario como alternativa a la crudeza de lo real. No es pura estadística. Algo sucede cuando nos juntamos, aunque sea sin estar verdaderamente juntos. Es como si los metrónomos se sincronizasen y empezásemos a funcionar como un único instrumento, sin ataduras, libre para rasgar los velos de toda armonía establecida. Da-da, be-bop.

— 12 —

G
ente entre la gente. Ahí afuera la ciudad persiste; su motor mantiene el pulso binario de consumo y productividad. Dentro, el blues también continúa, como la última pertenencia, como ese sentimiento que finalmente es la esperanza de no dejar de ser uno mismo en el medio de todo lo demás.

— Créditos —

Still City Blues es una producción del Centro Imaginario de Estudios Artísticos que he tenido el placer de compartir con Colectivo Ergo Sound — Alberto Bernal, Pedro Pablo Cámara, Manuel de Pablos, Gala Pérez Iñesta, Pedro Pablo Polo y Alessandra Rombolá. La pieza tiene formato instalativo, con vídeo en 2K y sonido binaural, para ser exhibida en centros culturales, museos, ambigús teatrales, y lugares de tránsito.
Las imágenes son fotogramas de la pieza, que grabamos en Madrid entre los meses de marzo y abril de 2018.
Este artículo es parte de ese mismo proceso de creación-investigación sobre  ciudad y silencio, espacios inversos del alma de la modernidad..

Sobre el autor

Rubén Vega Balbás (conocido como Rubén Vejabalbán, Madrid 1975) soy un artista, investigador y emprendedor comprometido con la innovación en el campo de la creatividad artística. Trabajo en temas como teatro y filosofía, teoría dramática, tecnología y nuevos medios, arte cibernético, dispositivos comunicativos, y pedagogía de las artes. Coordino el Centro Imaginario de Estudios Artísticos y formo parte del Grupo Nebrija de Investigación en Comunidades académicas y artísticas.

Aquí llega el Invierno es un proyecto de Edu Comelles seleccionado dentro de la convocatoria Naturalizarte promovida por el Ayuntamiento de Guadalaviar, la Fundación Daniel & Nina Carasso, el gobierno de Aragón y el comisario Fran Quiroga. La propuesta consistía en producir un disco a partir de grabaciones realizadas e inspiradas en Guadalaviar. Como es habitual en esta sección, es el autor el que nos habla de su propuesta, en esta ocasión, a modo de crónica.

El proyecto se formalizó en una estancia de una semana en esta remota localidad en plenos Montes Universales. Debido a ajustes de agenda y cambios en el calendario, la estancia se produjo la segunda semana de diciembre de 2017.

Había planeado el viaje en coche para un lunes, a pesar de que el tiempo amenazaba nieve y muy bajas temperaturas. Inicié el recorrido desde Valencia, donde vivo. Salí de casa con 17º, a medida que me iba acercando a Teruel la temperatura descendió hasta los 0º. A la altura de Bronchales me di cuenta de que estaba nevando muy fuerte, sin embargo seguí, la carretera estaba despejada y nada indicaba que no lo fuera a estar hasta Guadalaviar. Segui avanzando y la nieve cada vez se hacía más persistente, a cada kilómetro empeoraba. La disyuntuva era: si doy la vuelta, no llego, si sigo, no se que me encontraré. Cuando la situación empezaba a ser preocupante (no llevaba cadenas) me crucé en la carretera con el quitanieves, este me paró para preguntarme a donde iba y viendo mi grado de despiste decidió dar media vuelta y escortarme hasta Guadalaviar, si no me llego a cruzar con él, no hubiese podido seguir.

Una vez en el pueblo, y con el coche bloqueado me encontré en un lugar remoto, aislado, silencioso y frío. Menos mal que el acogedor apartamento rural hizo la estancia muy agradable. Por delante cinco jornadas de grabaciones de campo, sesiones de escucha, recorridos entre la nieve y trayectos andados por sendas invisibles, ocultas bajo el manto blanco. El Guadalaviar que conocí fue blanco y negro.

Siempre pasa que los primeros días en una residencia de estas características uno va a por los tópicos, el ganado, las campanas, los sonidos del pueblo, la naturaleza, etc. Pero a medida que avanzan las horas y los días uno va perdiéndose en el sonido, es en ese momento cuando empiezan a suceder cosas, cuando uno empieza a dejarse llevar por  la escucha y registra, graba y genera un material que trasciende los lugares comunes del mundo de las grabaciones de campo.

Por suerte, en Guadalaviar sucedió lo mismo, me perdí en el sonido. El disco resultante reúne grabaciones que son una meditación sobre el ciclo de la nieve (frío, viento, agua, nieve, sol, calor, deshielo) como metáfora de la fragilidad de un ecosistema social y rural muy frágil también. Aquí llega el invierno, Todos Quietos y Deshielo adúcen a ese ciclo climático cada vez menos habitual en la zona pero igualmente determinante para el futuro del pueblo. La primera habla de la nieve, del silencio que la rodea y del viento y el frío que la precede. La segunda explora la quietud del paso de la tormenta, de la bajada de tempertauras nocturas que congela absolutamente todo a su paso, convirtiéndo las calles en pistas de patinaje, obligando al que vive allí a escuchar cada uno de sus pasos al andar por no caer en la trampa de la placa de hielo. Por último “Deshielo” habla de ese momento de languidez, que puede durar horas o días, ese proceso lento pero inexorable en el que todo lo blanco pasa a líquido y lo que antes no sonaba ahora tintinea en cada esquina y a través de todas las cañerías, canales y desagües.

Estante lanza un guiño a uno de los principales motores del pueblo, la trashumancia; estante, es el ganado que no viaja a los prados de Jaén, que se queda en los montes Universales. La pieza fue interpretada en directo a puerta cerrada usando cencerros y cañones presentes en el Museo de la Trashumancia de Guadalaviar.

Por último la pieza “Mañana”. En la escuela de Guadalaviar solo hay cinco alumnos, y la perspectiva de dos más que en breves irán a la escuela. Sin ese mínimo de niños, la escuela cierra, y si eso cierra, el futuro desaparece. Así que esos cinco niños, ajenos al mundo y ajenos a la importancia en relación al pueblo, siguen ahí jugando en la nieve, sin darse cuenta de todo lo que depende de ellos. Esa idea, fue el dentonante de Mañana el tema que cierra el disco. El tema fue compuesto usando las voces blancas de esos cinco niños y es una reivindicación de todo ello.

Finalmente “Guadalaviar” el tema que cierra el disco es un homenaje al paisaje, a la orografía y a las formas suaves de los Montes Universales, un macizo que a primera vista parece prácticamente llano pero que sin embargo presenta unas cotas altísimas y unos paisajes únicos. Es una oda al paisaje, duro, áspero y sinuoso.

Todos las piezas que componen el disco se realizaron el Guadalaviar durante esa nevada de mediados de diciembre de 2017. Los sonidos son fruto de las derivas por el pueblo, de grabar en el frontón, la iglesia y en infinidad de espacios, rincones, bosques y campos de este lugar perdido. Es el resultado de un proceso de inmersión, de descubrimiento y de sumergirse completamente en un proceso creativo, para terminar presentando una propuesta sin concesiones, pero absolutamente consciente del contexto y las circunstancias que lo rodean.

El disco, editado con risografía en Valencia, reúne fotografías de esos días de diciembre y se han realizado tansolo 100 copias del mismo. Estas están disponibles en el Museo de la Trashumancia de Guadalaviar de forma gratuita. La idea detrás del proyecto, siempre ha sido la de producir, crear y componer un disco, pero teniendo en mente el retorno a los vecinos de Guadalaviar, por ello, el disco es para ellos, para los que vivien allí o para los que visiten este lugar increíble.

El pasado 8 de abril de 2018, se presentó Aquí Llega el Invierno en la Iglesia de Santiago de Guadalaviar. En el concierto se interpretaron (en este orden) Estante, Aquí Llega El Invierno, Deshielo, Guadalaviar y Mañana. La grabación de dicho concierto queda aquí para su escucha en streaming.

Acoustic territories. Sound Territories and Everyday Life (Continuum, 2010) es uno de los libros más importantes en la producción de Brandon LaBelle, en el que explora qué significa ubicar un sonido, y no tomarlo como un ente radicalmente temporal que poco tiene que ver con lo espacial. Lo interesante, a su juicio, es que el espacio que emerge en el análisis de lo sonoro “excede en muchos casos los parámetros convencionales y las posibilidades de la representación”, que es como normalmente se ha entendido lo espacial y también la geografía cultural. La topografía urbana debe trazarse, a su juicio, desde lo aural, en la medida en que lo sonoro da claves fundamentales para rearticular el espacio como espacio político no dualista (dicho simplemente: o esto o lo otro), tal y como lo es el sonido, que no es reductible a relaciones de pertenencia y que se caracteriza por la divergencia y el desplazamiento. El sonido, en tanto un ente fuera de lugar, modifica la noción de espacio.

El tema en el que me voy a centrar es su lectura sobre el espacio doméstico, recogido en el capítulo “Home: Ethical Volumens of Silence and Noise” e “Interiors”). Tal espacio lo trabaja desde términos políticos, en tanto “domesticación”, traer al orden, reprimir; y la relación con el sonido. Desde su punto de vista, la casa tiene una doble lectura: por un lado, es una protección frente al ruido exterior; pero, por otro lado, una reordenación del sonido, tanto propio como, en las viviendas modernas, de los otros que no se ven, los vecinos y la gente de la calle, el exterior que se cuela en el interior. En ambos casos, de cualquier modo, lo que quedaría de manifiesto es que el sonido y, con él, el ruido y el silencio, son “place-based”, es decir, relativos a un lugar concreto y no pueden pensarse como categorías des-ubicadas. Por tanto, su definición de ruido es también espacial, en la medida en que sería un “sonido que ocurre donde [y no como o cuando] no debería”.

En la primera lectura, parece que el sonido se domestica. Estar “en casa” implica también estar “en ciertos sonidos” en términos de “seguridad física”. Tener una casa, a su juicio, organiza el resto de actividades sociales. La interioridad espiritual, un tema muy querido entre los decimonónicos, se desarrolló justamente como metáfora de la segura y la privacidad del interior de una casa. Lo privado, por tanto, se volvió un asunto relevante y constituyente de lo público. En este sentido, lo privado no se articula solo desde lo visual –esa esquina que se convierte en “mi” rincón o esa foto que evoca un recuerdo- sino que el espacio de la casa protege de los sonidos exteriores, caóticos, molestos, ajenos y legitima los propios: los secretos, los obscenos, los intraducibles al lenguaje de lo público. La casa es el espacio de la paz y la tranquilidad.

Tal sería una lectura conciliadora. La lectura conflictiva es cuando en esa burbuja de protección y seguridad de cuelan los sonidos, convertidos en ruidos, de los otros. Por tanto, en el segundo caso, la ordenación del ruido se articula desde una noción normativa: el estar “con otros” desde el respecto o trasgresión de su silencio. Escuchar al vecino cantando bajo la ducha o su televisión implica una “conectividad” inesperada cada vez tras la protección de las paredes del espacio privado. A través de los muros, se desvela parte del espacio del otro sin necesidad de lo visual. La intimidad se rompe por la participación del sonido.  Un ejemplo de este asunto sería, para él, el proyecto de Vito Acconci Talking House (1996), en la que se escucha lo que sucede en una casa en Santa Barbara, California. Se escucha lo que “no se debe escuchar”, que es el secreto del hogar. La invasión de la protección del silencio que la casa ofrece rompe con la propia idea de la casa y pone en juego el deseo de lo prohibido, de la intromisión en lo otro.

Además, también la clase se desvela en esta intromisión, en el cruce de intimidades. Como señala LaBelle a través de Karin Bijsterveld, cuando tener un gramófono o un tocadiscos era algo que solo algunos podían pagar, inundar la intimidad de otros con el aparato era una forma de poder. Hoy, el uso de auriculares abre un nuevo espacio de lo íntimo. Que los dueños de aparatos de reproducción pudiesen elegir su propia música, más allá de la que sonase en la radio, llevó al desarrollo del derecho a la propia “cultura sonora”, que a llegado hasta plataformas como YouTube o Spotify.

La complejidad de la determinación de lo público y lo privado por la capacidad transgresora del sonido llevó a una elaborada discusión sobre cómo y en qué términos se mide el sonido en términos de “molestia social”. ¿Es lo mismo un vecino que pone a todo trapo música que uno que tiene un ataque de tos continua que se cuela por el patio de luces? ¿Qué se pone en juego? LaBelle se pregunta, específicamente, “¿cómo se pueden regular los movimientos del ruido urbano sin que parezca que se va a socavar la condición nuclear que lo urbano ofrece como experiencia social o comunitaria?” El sonido, para él, tiene un carácter relacional que afecta tanto al “contacto social” como al sentimiento que atribuimos a un espacio, de tal modo que, à la Platón, no habría forma de modificar la concepción sonora sin que ello afectase a la concepción de una “comunidad futura”. La organización del ruido, que para autores como Attali ha caracterizado desde su origen a la propia definición de la música, es ahora también una construcción del espacio en términos disciplinarios y discursivos. Según LaBelle, la exploración de los “territorios acústicos” debería dirigirse a pensar “cómo las casas y ciudades llegan a ser paisajes sonoros [soundscapes] dinámicos” que permitan articular otras “relaciones sociales y espaciales”.

El propio concepto de comunidad está atravesado por lo sonoro. El otro es entendido, a su juicio, como un ser ruidoso que interviene en la comunidad. Por tanto, señala, el silencio “actúa como un principio de ordenación social”. Lo silencioso sería “lo normal” y el ruido lo que desequilibraría tal normalidad a la que se aspira. Siguiendo a Richard Sennett LaBelle propone, sin embargo, una lectura radical: el ruido, a diferencia de esa lectura que lo reduce como elemento disturbado y trasgresor de la armonía (casi preestablecida) de la comunidad –esto es, el fin de toda comunicación posible– es, para él, un comienzo. La comunicación, en la constitución de la comunidad, queda relegada al ámbito del lenguaje propositivo. Sin embargo, hay marcas que pertenecen a lo ruidoso, como la risa o el sollozo, registran formas de comunicación extremas no articulables fácilmente dentro de los márgenes de tal lenguaje: «molestándote, creo también un espacio en el que conocernos en el extremo. El ruido puede verdaderamente hacernos visibles». Quizá lo que propone, entonces, es una exigencia radical al lenguaje: que vuelva a comunicar a los individuos entre sí sin la coraza de lo apropiado, lo aceptable o lo “normal”. Es decir, abrir la comunicación a espacios de expresión no domeñados.

Nuestra relación con el medio ambiente a través de la escucha es orgánica. Existe un equilibrio entre el “input” y el “ouput”, impresión y expresión, escuchar y producir sonidos. Es como un espejo acústico que regula una ecología social y biológica dentro de nuestras sociedades.

El medio ambiente sonoro de una sociedad puede estar caracterizado por su variedad (potencial de información), su complejidad (procesamiento de la información por el escucha), y su equilibrio (una serie de coerciones que estabilizan al sistema). A partir del desarrollo del fenómeno electroacústico, nuestra relación con el medio ambiente sonoro ha cambiado mucho. Por un lado hemos logrado transformarlo y enriquecerlo con la posibilidad de fijar el sonido fuera del tiempo (grabación), así como modificarlo, pero por otro lado hemos creado también distintas situaciones que nos han enajenado, como el bomardeo sonoro de los los medios masivos de comunicación. Este fenómeno ha creado actitudes malas hacia la escucha del medio ambiente, ya que la repetición constante de la misma información nos ha metido en un estado que ha reducido nuestra receptividad. Si a esto añadimos los altos niveles de ruido que existen en la vida moderna, podemos entonces ver cómo hemos alterado de manera negativa el equilibrio de nuestra relación con el medio ambiente sonoro. Es muy dificil encontrar una solución a este problema, y depende de los profesionales que trabajan con el sonido de educar y de hacer tomar consiencia a las personas de esta situación para así poder transformarla. Tenemos también que tener consiencia de que la escucha está en el centro de la compleja relación entre el individuo y su medio ambiente, y que solamente cambiando nuestra escucha pasiva por una activa podremos transformar esta relación (Truax, 1984) (Figura 1).

Figura 1. Relación del individuo con su medio ambiente.

El compositor tiene la posibilidad de colaborar de una manera creativa para ligar al escucha a su medio ambeinte sonoro utilizando el campo de la electroacústica. Para ello, puede utilizar el objeto sonoro natural así como su transformación, pero siempre debe contemplar al objeto dentro de un contexto determinado, ya que su significación dependerá de su relación total con el medio ambiente[1]. Según Barry Truax, la significación del objeto sonoro tiene que darse en relación a su organización dentro de una estructura dada. Un objeto sonoro aisaldo en cambio (grabado en un soporte fijo), no tendrá ninguna significación salvo por su propia senzación auditiva (Truax, 1984).

En este ensayo voy a desarrollar la idea de la escucha del objeto sonoro natural en un contexto determinado, analizaré sus multiples niveles de significación así como su utilización en la música electroacústica tomando en cuenta todas estas características.

La riqueza del campo electroacústico existe gracias a su propia contradicción como medio de comunicación. Esta aparece debido a la posibilidad que tenemos, gracias a la tecnología, de poder tomar un sonido natural de un contexto determinado (a partir de su grabación) y colocarlo dentro de otro contexto completamente distitnto. Un ejemplo de esta juxtaposición de contextos[2] es la posibilidad de escuchar en nuestro hogar la grabación del ruido del mar. En este caso podríamos estar en la ciduad, pero sin embargo relajarnos con el sonido de las olas como si estuvieramos cerca del océano. Murray Schafer llama a este fenómeno ezquizofonía[3]: la separación entre la fuente original del sonido y su reproducción electroacústica (Schafer, 1994). Aunque esta separación implica en algunos casos un peligro que arrastra a una falta de comunicación, por el otro lado representa también un medio suplementario para enriquecer nuestra manera de comunicar en el campo de la electroacústica a través de la metáfora.

a) La doble significación del objeto sonoro

La separación del objeto sonoro natural de su contexto original ha permitido el desarrollo de una música hecha con una materia sonora nueva. No obstante, la utilización de estos sonidos naturales ha creado mucha polémica a causa de la significación de su fuente de origen. Es muy dificil escuchar los sonidos de nuestra vida contidiana sin ligarlos a su procedencia. Por ejemplo, cuando escuchamos un sonido de agua lo ligamos de manera automática con el sentido del concepto “agua”[4]. Este podría estar asociado a la relajación, al subconsciente, a la fluidez, etc. Entonces, el objeto sonoro adquiere un doble sentido, material y simbólico.

Pierre Schaeffer inventó el método de “la esucha reducida” para desligarnos de la significación original del sonido, permitiéndonos escucharlo tan solo a partir de sus características físicas, es decir, a partir de su timbre. La razón que tuvo Schaeffer para eliminar el sentido de la fuente de origen, fue que el pensaba que su valor conceptual nos podía distraer de las características musicales y perceptuales del objeto sonoro (morfología interna y externa). Esta preocupación fenomenológica, fue probablemente engendrada a causa de la crítica de los compositores instrumentales hacia la música concreta, que no creían en una utilización funcional de los sonidos naturales en la música[5] debido a sus cualidades anecdóticas meta musicales. De este modo, el compositor Pierre Boulez pensaba que el sonido que tiene una afinidad evidente con el ruido de la vida cotidiana, se aisla completamente de su contexto debido a sus conotaciones anecdóticas; según él, el objeto sonoro no puede integrarse a la música, ya que rompe con la dialéctica de la forma y de la morfología, y vuelve problemática la relación entre  las estructuras parciales y globales (Boulez, 1971).

El método de  Pierre Schaeffer de la escucha reducida fue eficaz para poder adentrarnos en las cualidades musicales del objeto sonoro, así como para colocarlo en el campo de la abstracción. De esta manera, el creador de la música concreta logró integrar nuevos sonidos al campo de la música, así como sistematizarlos formalmente. Sin embargo, Schaeffer eliminó al mismo tiempo la inseparable significación de la fuente original del objeto, y de esta manera limitó las nuevas posibilidades expresivas que representa la utilización de la doble significación del objeto sonoro, es decir, de su materialidad en el dominio físico, y de su existencia en el imaginario[6]. Esta actitud es un poco paradójica, ya que el compositor comenzó creando música concreta usando la cualidad andecdótica del objeto sonoro. En Etudes aux chemins de fer[7], Schaeffer parte de sonidos ferroviarios y aleja poco a poco al auditor de una escucha anecdótica para guiarlo hacia una escucha de los ritmos existentes en este tipo de eventos sonoros. Una vez más, la razón por la cual este compositor se aleja de ésta estética debe de haber sido causada por una preocupación musical formal, que luego se conviertiría en un principio teórico importante para la redacción de su Traité des objets musicaux[8] (Schaeffer, 1966).

Durante cierto tiempo, el tabú de la utilización de la cualidad anecdótica del sonido se limitó al medio musical europeo[9]. Al final, distintos compositores, incluso aquellos influidos por la estética concreta, reivindicaron finalmente el doble valor del objeto sonoro. Este fue el caso por ejemplo del compositor Luc Ferrari quien compuso en 1970, Presque rien No. 1 ‘Le Lever du jour au bord de la mer. En esta obra, Ferrari redujo las grabaciones del paisaje sonoro de un día entero en una playa Yugoslava a una composición de veintiún minutos.

“Yo creía que era posible guardar completamente las cualidades estructurales de la música concreta antigua sin deshacernos del contenido de la realidad que tenía el material de origen. Tenía que ser posible hacer música y ligar los fragmentos de la realidad para así poder contar historias”.

La discusión del uso de dos significaciones del objeto sonoro continúa hoy en día, incluso con los compositores que hacen parte del Groupe de recherche musical (GRM) de Radio France. Estos son los herederos de la estética concreta, cuyo nombre cambiaron por música acusmática. Actualmente podemos encontrar una divergencia de opiniones entre sus miembros, algunos apoyan todavía la importancia de la esucha reducida y de juzgar al objeto sonoro solamente por sus características musicales, y otros creen en la utilización de un continuo entre el objeto sonoro anecdótico y su abstracción. Pienso que esta última posición es mucho más rica y menos purista ya que podemos desarrollar tanto el lado timbrico como el lado del imaginario y asociarlos de diferentes maneras, aunque de algún modo introducimos en la escucha musical un universo completamente nuevo, de carácter tal vez literario o narrativo?. Pero sigue siendo una estética válida que ha aportado enormemente y que podríamos definir como un fenómeno intermedia.

b) La metáfora en la música electroacústica

La existencia de un continuo en el campo de la electroacústica entre lo real y lo imaginario, lo referencial y lo abstracto, ha inspirado a muchos compositores de diferentes tendencias. La riqueza de este continuo reside en que podemos ir gradualmente de un mundo al otro sin darnos cuenta. Este continuo nos habla de la macro-realidad del objeto, es decir, del objeto sonoro natural y de su relación con el todo, así como de la micro-realidad del objeto, es decir, de las características musicales internas del sonido escondidas en un inicio, y desveladas luego a causa de su transformación. En un polo del continuo el objeto es casi un concepto, y en el otro es completamente musical, pero en medio podemos percibir al objeto de distintas maneras. Trevor Wishart hace un esquema interesante en donde separa el campo de la composición con ayuda de objetos sonoros (Figura 2). Estos dos mundos aparentemente distintos pueden estar ligados por la transformación de objetos sonoros, y de este modo podemos desarrollar en una misma obra la riqueza de los dos mundos[10] (Wishart, 1985).

Figura 2. Composición con objetos sonoros e imágenes sonoras.

La existencia de una significación extra-musical del objeto sonoro natural[11] (la imagen sonora) lo vuelve capaz de comunicar a través de la metáfora. Sin embargo, hay que tomar en cuanta el contexto para hacer uso de esta cualidad, ya que la significación del objeto va a cambiar dependiendo del caso. Para hacer uso de la metáfora dentro del continuo que ya mencioné, hace falta primero considerar el reconocimiento del objeto sonoro aislado. Wishart habla de un reconocimiento intrínseco y de un reconocimiento contextual. Algunos sonidos guardan su reconocimiento intrinseco aunque los distorsionemos. La voz humana es un ejemplo, ya que debido a la complejidad única de su articulación podemos reconocer facilmente la fuente, incluso cuando esta es transformada. La imagen de otros sonidos es mucho mas ambigua, hace falta meterlos dentro de un contexto para poder reconocerlos facilmente. Si por ejemplo, quisieramos dar una imagen sonora de un libro que cerramos con fuerza para producir el ruido de un golpe (“plack”), tendríamos tal vez que acompañar ese ruido con las paginas que dan vuelta para saber que ese “pack” fue producido por un libro. Existen sonidos naturales como el del fuego que son difíciles de reconocer cuando los grabamos. En los estudios de radio han logrado imitar algunos sonidos y darles una imagen sonora más clara, de este modo, la imagen de fuego se vuelve mas real si arrugamos papeles de celofan y manipulamos un poco el sonido grabado para filtrar las reverberaciones. Otro ejemplo podría ser la creación  artificial de una imagen de un caballo que galopa utilizando cáscaras de coco. Aquí existe una especie de “trompe l’oeil”, usamos un sonido artificial para crear un sonido real, e incluso si no lo imitamos bien, el solo hecho de colocarlo en un contexto apropiado nos hacer creer que estamos escuchado el sonido verdadero. Esto refleja la ambigüedad de ciertas imágenes sonoras así como la importancia de saber usar otras imágenes sonoras alrededor de ellas (el contexto), para poder reenforzarlas y volverlas creibles.

Existen distintas maneras de articular un discurso metafórico con las imágenes sonoras. La primera, la más simple, es la yuxtaposición de dos imágenes sonoras diferentes. El compositor Bernard Parmegiani desarrolla en algunas de sus obras una especie de surrealismo sonoro usando la dualidad, la perspectiva y la superposición de imágenes sonoras. Este efecto es más facil de realizar en el campo sonoro que en un campo visual, ya que es mas fácil separar dos imágenes sonoras que se encuentran juntas pero que se disginguen de manera nítida. No obstante, podríamos tener un problema al fundir musicalmente dos imágenes sonoras que son timbricamente muy diferentes, pero es posible acercarlas usando el mismo gesto musical,  o bien trabajando sobre los dos espectros armónicos de los sonidos[12].

La segunda manera de trabajar con la metáfora es a través del juego con la disposición de los objetos sonoros naturales en diferentes contéxtos, así como con la creación de espacios acústicos virtuales[13]. Podemos crear de esta manera lo que Wishart describe como “Imaginary Landscapes” (paisajes imaginarios). Éste autor nos describe tres situaciones diferentes:

1. Objetos sonoros irreales – Espacio real

Si tenemos la grabación de un ambiente cualquiera, por ejemplo, el canto de los pájaros en el bosque, y substituimos poco a poco los sonidos de los pájaros por otros sonidos que respetan la frecuencia y el ritmo de los sonidos de origen, tendremos como resultado una situación de este tipo.

2. Objetos reales – Espacio irreal

Si tenemos los mismos sonidos de pájaros, y los transformarmos (con reverberación, filtraje y edición) sin alterar su identidad, creamos un espacio irreal con los sonidos reales.

3. Objetos reales – Espacio real

Podemos crear artificialmente la imagen sonora de un ambiente natural donde existe un diálogo entre una ballena y un león. Aquí percibimos el ambiente como si fuera real, y los objetos sonoros también son reales, pero la situación es casi imposible. Esto puede crear una ilusión de carácter surrealista.

La tercera manera de utilizar la metáfora es un poco mas compleja, ya que aquí contemplamos la transformación del objeto sonoro. Gracias al desarrollo de las técnicas  digitales, poemos manipular los detalles más pequeños de la estructura interna del sonido. Con la síntesis cruzada podemos tomar el análisis del envolvente de un sonido y aplicárselo a otro. De este modo, podemos obtener el sonido de una trompeta articulada como el ladrido de un perro, o el sonido de un perro articulado como una campána. Esto nos da la posibilidad de crear una gran diversidad de sonidos híbridos así como imágenes metafóricoas muy ricas[14]. Otra técnica interensante es la transformación de un objeto sonoro que se convierte en otro por interpolación (síntesis y resíntesis) [15]. De esta manera, podemos transitar sin darnos cuenta, desde una voz humana que canta hacia una nota del sonido de un violín que toca esa misma nota. Esta técnica puede tiene limitaciones cuando intentamos crear una transición natural entre sonidos que son muy distintos.

El juego entre lo real y lo irreal en el campo de la electroacústica tiene ciertas cualidades que lo diferencian de su utilización en los campos visual y literario. La diferencia principal es que las imágenes sonoras tienen una ambigüedad intrínseca, tal vez a causa del reconocimiento  auditivo, más intuitivo y menos desarrollado que la vista que es más racional[16]. Esta cualidad nos da la senzación de una ilusión, de un estado de ensueño. La alusión a la realidad es más directa en el campo sonoro, y es más dificil saber si un sonido que estamos escuchando es real o irreal. Imaginemos por ejemplo que nos encontramos  en casa de un amigo que ha escondido un altavoz y que hace sonar en él la grabación de un gorila enojado. En esta situación no podemos saber si se trata de un gorila real o irreal. La causa se debe a que el mundo sonoro existe en la temporalidad[17]. Con las artes visuales en cambio, cuando vemos la representación de un elemento real estamos seguros de que se trata de una imitación (excepto en el campo de la fotografía) [18], y en la literatura, sabemos que nos encontramos en el dominio del imaginario. Entonces, las características de la imagen sonora de la que hablamos abre un espacio muy interesante en la música electroacústica para el uso de la metáfora, de lo surreal y del ensueño.

Para desarrollar ampliamente el uso de la metáfora sonora en un discurso musical, hay que centrarse en la importancia de dos conceptos fundamentales y caraterísticos de la temporalidad del fenómeno sonoro, la transformación y el gesto. La transformación es importante, ya que se trata del elemento principal dentro de la música electroacústica que engloba lo micro –transformación del objeto sonoro-, y lo macro –transformación global dentro de una obra (contexto, masa sonora, esructura, etc)-. Podemos transformar las metáforas del mismo modo como transformamos el sonido dentro de la estrutura de una pieza. Trevor Wishart usó mucho esta “transformación metafórica” en su composición Red bird. Aquí vemos cómo la palabra “reason” (razón) se transforma a través del fonema “real” en el ladrido furioso de un perro. El gesto es también muy importante para la creación de metáforas sonoras. En esta misma obra hay una imagen sonora de una máquina de palabras, lograda a partir de la utilización de los gestos musicales de la máquina (ritmo, ataques, etc), y haciendo luego una substitución de los sonidos de origen de la maquina por las palabras de una voz que habla.

Para terminar, hagámosnos la pregunta: cómo podemos ser claros para comunicar una idea cuando utilizamos una metáfora sonora?. La claridad total es imposible, pero la eficacia depende de la manera en la que coloquemos la metáfora en la estructura de relaciones recíprocas y de las transformaciones de la obra[19].

c) Composición con el medio ambiente sonoro

Los compositores de música concreta y otros compositores que se han afiliado a esta estética no han sido los únicos en hacer uso de los sonidos del medio ambiente para incluirlos en su música. Existen compositores con una actitud muy diferente en relación a la doble significación del objeto sonoro. El caso mas interesante fue el de la formación de un grupo de compositores de la Universidad de Simon Fraser en Canadá alrededor del “World Soundscape Proyect” (proyecto mundial del medio ambiente sonoro). Estos compositores crearon el término de  “soundscape composition” (composición con el medio ambiente sonoro) para poder nombrar una música que puede crearse con el uso de sonidos naturales, incluso sin necesidad de transformarlos, pero particularmente con la incorporación de las grabaciónes de distintos medio ambientes (la grabación de un medio ambiente sonoro se convierte en el objeto sonoro!). La diferencia principal entre una composición de este tipo y una electroacústica, es que en la segunda el sonido pierde casi siempre todo lazo con su medio de origen. En cambio, en la primera situación el contexto del medio ambiente es preservado y aprovechado por el compositor, que además del aspecto musical utiliza también la experiencia del escucha en relación a su percepción del paisaje sonoro[20]para comunicarse en un campo diferente, el de la meta-música[21]. De hecho, el compositor puede intentar tomar en cuenta la consiencia que el escucha tiene de su medio ambiente, y de este modo, su obra podría adquirir un carácter político y ecológico.

En una composición con el medio ambiente sonoro existe un continuo entre la “composición natural encontrada” – una simple grabación de un medioambiente que puede ser escuchado con la misma apreciación que tenemos en la música convencional -, y la composición en la cual manipulamos el sonido, pero en donde todavía podemos reconocer su relación con el medio ambiente de origen[22] (Truax, 1984).

Cuando hablamos de la “composición encontrada”, no podemos dejar de pensar en el concepto de “objeto encontrado” de Marcel Duchamp. Este artista seminal de la primera parte del siglo XX asignaba un valor artístico a un objeto determinado (un urinario por ejemplo), y lo colocaba en un museo dándole entonces otra significación. En una “composición encontrada” nos encontramos con el mismo fenómeno pero dentro de la temporalidad, aquí tenemos la senzación de encontrarnos en el umbral del dominio del arte conceptual, pero, que nos impide decir que esto no es música?. El prejuicio en su origen nace con la idea de que componer es manipular y construir con la ayuda de elementos distintos, y sin embargo, en el momento de grabar, también estamos realizando una composición ya que debemos decidir como colocar los micrófonos y saber escoger un medio ambiente que sea musicalmente interesante. Por otro lado, una grabación ya es una abstracción de la realidad, pero al final, solamente la intención y la estética de un artista sonoro  o compositor nos pueden develar si se trata tan solo una grabación, de una composición musical o de una obra arte sonoro. Un ejemplo de “composición encontrada” es la compresión de una grabación de un medio ambiente de 24 horas a 50 minutos. Esto fue realizado en 1974 en la mitad del verano cerca de un estanque en Westminster Abbey, en Brithis Columbia Canadá. Aunque existe una manipulación en la edición, es solo para poder volver la evolución de los ruidos del medio ambiente más evidente[23]. En otro ejemplo similar, sentimos más claramente la presencia del compositor ya que manipula un poco más el sonido y lo dispone de una manera ligeramente distinta. Se trata de la obra Presque Rien No.1. Le lever du jour au bord de la mer (1970) de Luc Ferrari, en donde edita la grabación de varias horas en una playa para hacer una obra de veintiun minutos. Aquí, Ferrari se ha movido un poco hacia el otro extremo del continuo, pero sin embargo, el compositor no transformó ni modificó de ningun modo el paisaje sonoro grabado. En esa época, Ferrari pertenecía al grupo de investigación musical de Radio France, y al mostrarle la obra a Pierre Schaeffer, éste no logró comprender cómo la grabación de un paisaje sonoro inalterado (salvo por la edición), podía constituir una obra musical!.

Podemos encontrar composiciónes dispuestas en diferentes puntos de este continuo, pero la situación más fructífera es la de utilizar todo su espectro, y trabajar de un extremo al otro, de manera evolutiva, o saltando de modo discontínuo. Este es el caso de la composición de Jack Body titulada Musik Dari Jalan (Música de la calle, 1975). Esta obra ganadora del primer lugar del premio de música electroacústica de Bourges en 1976, está basada en los gritos de vendedores en la calle en Indonesia. Body aisla los gritos y crea objetos sonoros que manipula un poco, luego los coloca de nuevo en una recreación de su medio ambiente original. El fin es de hacer tomar consiencia al escucha de las caaracterísticas musicales de estos sonidos aislados mediante la utilización del contraste entre los niveles micro y macro (micro, sonidos aisaldos – macro, sonidos dentro de su contexto original).

En la composición que emplea el medio ambiente sonoro podemos desarrollar tambien la diferencia entre el plano del fondo y el primer plano. Estos elementos constituyen una parte importante de nuestra percepción de un espacio acústico, y con su su aplicación, podemos enriquecer el espacio acústico de la obra. La sensación de tener un sonido cercano o lejano cambia nuestra percepción del objeto sonoro, no solamente en el campo físico, sino también en el campo psicológico. Si hacemos una grabación del océano en donde el ruido de las olas es lejano, y en donde escuchamos otros sonidos asociados al oceano (las gaviotas, el viento, etc), nuestra sensación psicológica del oceano será de recogimiento y tranquilidad. De otro modo, si grabamos el ruido de las olas de cerca, tendremos una sensación de agresividad y miedo.

En la composición con el medio ambiente debemos tomar en cuenta al objeto sonoro de una manera nueva, ya que aquí el objeto representa muchas veces la totalidad de la grabación de un medio ambiente. Este objeto va a adquirir una significación solamente si lo contemplamos dentro de un cuadro de tiempo mucho mas largo que aquel de un objeto sonoro normal. Se trata de una especie de objeto gigante, compuesto por elementos más pequeños. Por esta razón, será mucho mas dificil manipular todos los elementos que ya estan mezclados de origen, y lo largo de la banda de frecuencias vuelve difícil (o incluso imposible) la mezcla de estos elementos distintos[24]. Una solución para este problema sería la la de grabar cada elemento del objeto de manera separada para poder así manipularl los distintos pequeños objetos en el estudio en pistas separadas para luego re-mezclar todos los elementos de nuevo[25]. Esta será la manera más eficaz de enriquecer este tipo de composiciones.

d) La palabra en la música electroacústica

En el análisis del empleo de la doble significación del objeto sonoro y del medio ambiente en la música electroacústica casi olvidamos mencionar el uso de la palabra y el lenguaje como dos elementos imporantes que han ocupado diversos compositores de música contemporánea[26]. Una de las razones se debe a la gran riqueza sonora de la voz humana. Las características de nuestro aparato de reproducción sonora son muy complejas, y por esta razón somos los únicos seres vivos de todo el reino animal que podemos producir una enorme diversidad de sonidos distintos. Existen tres fuentes diferentes de exitación de la voz que nos otorgan tres variedades de sonidos. Los sonidos producidos por la vibración casi periódica de las cuerdas vocales (“Voiced Sounds”, un ejemplo son las vocals), los sonidos producidos por una turbulencia creada por una constricción dentro de la cavidad vocal (“Fricative sounds”, un ejemplo es la consonante “R”), y los sonidos producidos por la liberación repentina de una presión construida detrás de la entrada de la cavidad vocal (“Plosive sounds”, un ejemplo es la consonante “P”). Además de esta variedad, la overtura de la cavidad vocal produce resonancias llamadas “formantes”. Estas formantes ocacionan la diversidad de vocales en el habla de acuerdo a la overtura de la cavidad vocal. Por el otro lado, la nariz sirve también como resonador, y para cambiar la cualidad del sonido. Si a todas estas variantes que producen los diferentes “fonemas” de un idioma, añadimos la posibilidad de ir gradualmente de uno al otro, la diversidad de sonidos se multiplica y la voz se convierte en el instrumento musical más perfecto y sofisticado.

La música electroacústica ha hecho posible la manipulación de la palabra y la creación de efectos muy complejos. Se han explotado todas las posibilidades del timbre de la voz, y a veces se han creado obras enteras solamente con el empleo de ruidos producidos por ella. No obstante, la significación de la palabra nos da un elemento extra-musical, y de este modo, nos lleva al dominio del lenguaje.

Los antecedentes del uso de las cualidades sonoras de la palabra[27] como expresión artística se remontan a las vanguardias de principios del siglo XX (Futuristas y Dadaistas) [28], que utilizaron las onomatopeyas, los ruidos intrínsecos de las palabras y otros ruidos hechos con la voz en la presentación de sus obras. Ellos son los predecesores de eso que llamamos ahora “poesía sonora”.

La poesía sonora  se va a desarrollar principalmente en europa  como una nueva forma de expresión que se sitúa entre la poesía y la música. Algunos compositores del siglo XX reaccionaron a favor del uso de las cualidades sonoras de la palabra y del texto poético para hacer una música fuera del dominio de la nota musical. El interés de este nuevo medio creció gracias a la aparición de la banda magnética que permitió manipular la voz de diferentes maneras, y de volver esta música más compleja.

Es muy difícil establecer la línea que divide al “Texto sonoro” de la “Música hecha con texto”. Podríamos decir que en el primer caso el acento está sobre el texto y que su cualidad sonora es utilizada para volverlo más expresivo, mientras en el segundo caso el acento está en la construcción y la cualidad sonora de cada palabra y sílaba como elementos musicales mientras que el téxto es simplemente un recurso extra-muscal que enriquece a la composición. Una de las primeras obras electroacústicas interesantes que usaron el texto como principal elemento fue Omaggio a Joyce (1958) de Luciano Berio. Esta obra está basada en la lectura de las cuarenta primeras líneas del capítulo once del Ulises de James Joyce con la voz de Cathy Berberian. Aquí, Berio hace distintas manipulaciones del texto en la banda magnética, como la utilización de loops, cambios de veolcidad y filtros.

“Intenté establecer una nueva relación entre la palabra y la música en donde exista la posibilidad de desarrollar una metamorfosis gradual entre una y otra…en donde ya no es posible distinguir entre la palabra y el sonido, entre el sonido y el ruido, entre la música y la poesía, pero en donde nos volvemos conscientes, una vez más, de la relatividad de estas distinciones así como del carácter expresivo inherente a sus funciones cambiantes” (Wishart, 1985).

Lo que me interesa de este discurso es que Berio elimina las fronteras entre los diferentes campos, abriendo un espacio de expresión más rico. En este espacio habrá lugar para la metáfora, pero esta vez se trata de una metáfora ligada al lenguaje. Otro ejemplo de la composición electroacústica con la utilización de la palabra es la obra Just (1972) de Charles Amarkhanian. Esta está basada en cuatro palabras (rainbow, chug, bandit, bomb). Aquí el compositor tiene que desarrollar la manipulación de las palabras en el estudio electroacústico al máximo para poder tener una amplia variedad sonora. Amarkhaniam trabaja con el continuo entre lo real y lo imaginario, en donde la palabra se convierte en una metáfora entre el mundo físico y el mundo simbólico. Esto significa que podemos aprovechar las características sonoras intrínsecas de una palabra para ir más allá de su definición litararia. Así, diferentes manipulaciones de la estructura interna de la palabra (sin volverla irreconocible), nos dan diferentes significaciones de ella.

Existe una gran variedad de composiciones electroacústicas que se han hecho con la utilización de la palabra[29]. Algunas estan basadas en la manipulación del texto, y otras en las posibilidades musicales de las características sonoras de la voz. Este último grupo se ha beneficiado del desarrollo de la música por computadora, ya que gracias al análisis de la predicción linear por ejemplo, podemos transformar los sonidos producidos por la voz por medio de la síntesis y la re-síntesis. Este procedimiento nos permite hacer transformaciones graudales, de ir del timbre de la voz al timbre de otras fuentes sonoras (un instrumentos musical por ejemplo). Podemos también enriquecer las resonancias de los formantes modelando el espectro, y construir una voz armónica (o inarmónica), y en fin, podemos utilizar todas las técnicas digitales de las que ya hemos hablado (síntesis cruzada, vocoder de fase, etc). De este modo, podemos desarrollar el timbre de la voz y descubrir las posibilidades que antes no exsitían. El norteamericano Charles Dodge es uno de los compositores pioneros que trabajaron en este campo. El sintetizó la voz en Speech songs (1973), The story of our lives (1974), y en In celebration (1975). Otro compositor importante en los albores de éstas técnicas fue Paul Lansky, quien utilizó la síntesis de la voz pora modificar los contornos de frecuencia y las duraciones de las vocales de un poema recitado en su composición “Six fantasies on a poem by Thomas Campion”.

BIBLIOGRAFÍA

BOULEZ, Pierre. 1971. Boulez on music today. Harvard University Press. Cambridge, Mass. EUA.
SCHAEFFER, Pierre. 1966. Traité des objets musicaux, Ed Seuil, Paris.
SCHAFER, Murray. Our sonic environment and the soundscape. The tunning of the world. Destiny Books. United States. 1994.
TRUAX, Barry,1984. Acoustic comunication. Alex Publishing Co. Norwood New Jersey.
WISHART, Trevor, 1985. On sonic art. Imagineering press. UK.

Record the Earth es sin duda uno de los archivos sonoros más ambiciosos con lo que hemos topado, con una primera página de presentación que nos invita a formar parte del proyecto que pretende grabar el sondo del planeta la tierra. Pero no sólo a través de grabaciones sobre parajes naturales, sino también de animales; los fenómenos meteorológicos, tales como tormentas o lluvias; el sonido de las ciudades, con sus coches y ajetreo habitual o incluso hay espacio para los sonidos nacidos de nuestras propias emociones como la risa o el llanto.

De esta forma el proyecto pretende mostrar el sonido del planeta tierra en todas sus vertientes. De hecho, según accedemos a la página encontramos el número de Soundscapes (así llaman a las grabaciones) que, en el momento de escribir esta reseña, rondaba casi las 6.000, sumando a su vez un total de casi 10.000 minutos de grabaciones y contando con más de 2.800 usuarios.

El proceso de grabación y subida del archivo es muy sencillo y rápido. Existen dos opciones, la primera, a través del registro en la página web y la segunda opción, mediante la aplicación para móvil, de descarga gratuita y que cuenta con versiones para iPhone y Android.

Por otra parte, en la página podemos encontrar el mapa interactivo de las grabaciones, donde encontramos desde filtros con los hastags, palabras más repetidas, incluso gráficas con el estado de ánimo de las personas que reflejan el suyo en las grabaciones. Un interfaz sencillo, vistoso y capaz de clasificar el planeta por su sonido.

Estamos ante un proyecto ambicioso, donde todo tipo de grabación es bienvenida. Además, la utilización de la app favorece que el proceso sea fácil y accesible. En definitiva, si eres un apasionado de los archivos sonoros y te seduce la idea de formar parte de uno de los proyectos más amplios e internacionales, sin duda, este es tu sitio.

Siempre quise realizar un sincero homenaje a uno de los sellos más importantes nacionales de los últimos 20 años, concretamente de Barcelona. Hazard Records, es pionero en la gestión y la publicación de obras experimentales y libres, en un sentido amplio, como la improvisación, el noise, el plunderphonics, el rock, la electroacústica, o los soundscapes, a través de la libre descarga (Hazard es un netlabel antes de que se hicieran famosos surgiendo como setas por la red), y empapados de una filosofía realmente radical que rompe de manera frontal con la idea de los derechos de autor del sistema imperante.

Creado por Anki Toner, uno de los músicos más importantes del país (Superelvis, File Under Toner, Dj Hazard), celebró, como órgano vivo su aniversario mediante la publicación de una serie de discos perdidos, nuevos trabajos, sesiones que reconfiguran referencias ya publicadas, y también una serie de textos no menos interesantes de algunos artistas invitados o que tienen relación directa con el sello desde sus inicios (Jesús Brotons o Javier Piñango, por citar solamente dos ejemplos).

Para que despejen dudas sobre lo que significa Hazard, deben saber que se adelantó a todos los sellos discográficos que aún creían en otras formas caducas de distribución de la música, que su mentalidad era y es puramente underground, pues fomenta dos aspectos vitales que le identifican como posiblemente el mejor sello de todos, la edición de discos para dominio público (libre descarga y difusión, ajena a al copyright) y el apropiacionismo como elemento creativo en la música experimental. ¡Larga vida a Hazard!