Cuando hace ya un buen puñado de años –tantos como 16- José Iges (Madrid, 1951) comenzó a idear su ciclo Dedicatorias no sabía entonces las amplias consecuencias y resonancias que iba a adquirir esta colección de miniaturas dedicadas a glosar/homenajear a las múltiples personalidades con las que el compositor y artista madrileño se ha cruzado en su dilatada trayectoria. Ciertamente la obra de Iges, como él mismo reconoce, ha sido toda ella muy autobiográfica. El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), con sede en Córdoba, inaugura el 21 de junio la exposición individual Autorretratos, que podrá visitarse hasta el 5 de enero de 2020 y que comisaria Alicia Murria.

La muestra se centra en un conjunto de trabajos realizados en solitario durante las últimas dos décadas. “Mi obra ha surgido toda ella de forma desordenada, siempre he disfrutado de un grado de libertad mayor que el de otros muchos colegas”, reconoce Iges, acaso porque su trayectoria también se ha expandido (y de qué manera, en los ámbitos de la comunicación, la composición, la performance y un largo y muy hidal(zaj)guiano etcétera…) “El hilo común que reúnen las obras de este proyecto para el C3A es el carácter autobiográfico que todas ellas poseen de una forma u otra. Ese tono se enfatiza en algunas ocasiones con la puesta en juego de viejos objetos que tienen también por ello su propia biografía, acaso un reverso de los ready-made duchampianos”, reflexiona.

“Me gusta el trabajo con materiales viejos, busco en ellos todo ese asunto tan complejo e inasible de la identidad, de cómo nos reflejamos en ellos. Y, bueno, siempre he tenido interés por los soportes físicos”, dice. Y aunque la exposición constituya un punto importante en la carrera de Iges, esta se encuentra “lejos” de clausurar capítulo alguno “Más bien yo diría que abre, me abre, nuevas vías de exploración. Yo trabajo muy lentamente y mecuesta ver cómo encarno las ideas. Así que después de concretar Autorretratos puedo decir que tengo otros pensamientos, otros hilos de los que tirar…”

Quizá sea Biblioteca secreta una de las instalaciones más radicalmente conceptuales y sorprendentes del momento creativo que atraviesa Iges. “A vueltas con los juegos con antiguos trastos en esta obra lo llevo al extremo. Se trata de una serie de fotografías que muestran el rastro dejado por el polvo en una pared tras lo que fuese una biblioteca”, explica. Una idea que surgió a partir de la contemplación del desmantelamiento de una biblioteca real (la del desaparecido Ricardo Bellés) y tras la lectura de un texto del crítico y poeta Kenneth Goldsmith. Todo Iges, en sí mismo, es un cúmulo inagotable de referencias meta-culturales que siempre, de una forma u otra, han estado presentes en su obra. Esto sucedía por ejemplo, de una forma diáfana, en la obra sonora Music Minus One I: Concierto Barroco (1995), donde la intertextualidad remitía al pasado musical. “Sí, mi obra es exigente. En los museos hay gente a la que le cuesta incluso ponerse los auriculares… Pero, en fin, yo hago propuestas, allá quien recoja el guante”, dirá.

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Uno de los empeños mayores de la exposición que nos ocupa es el alumbramiento de la instalación Fondo ilusorio de espejos, título que procede de un relato de Jorge Luis Borges y que nació a partir de una serie de acciones que José Iges realizó hace años en la Granja de San Ildefonso, en el entorno de “la casa de un chamarilero que tenía miles de objetos y una sala en la que había muchos espejos”. Y, volviendo a Goldsmith (creador del fondo UbuWeb), el madrileño recuerda una frase de aquel: “Si es cierto que mi identidad está por definirse es importante que mi trabajo refleje todo eso”. “No creo que sea fácil definir qué es mío y qué no lo es”, abunda Iges en la misma dirección.

Por eso esta instalación “está colmada de la idea de reflejo, de máscara, de identidad. En ella leo frases de libros de mi biblioteca que me representan de alguna forma y con las que compongo una partitura”. Al recitado de los textos se añade una colección de selfies del propio creador, todos ellos presentados con marcos antiguos. “Hay también un vídeo que está hecho con una selección de esas fotos que yo mismo me tomé, y hay un segundo vídeo en el que hago una acción sobre un espejo puesto en el suelo y sobre el que apilo libros jugando con su equilibrio”. Fondo ilusorio de espejos es, a la postre, “una instalación inmersiva porque, además, el espectador está reflejándose todo el tiempo en la gran cantidad de espejos antiguos que se despliegan por la sala”. “¿Dónde acabo yo y dónde empiezan los demás? Ese es el sustrato de toda la obra, esa es la pregunta”, resume.

Hay muchos más Iges en esta muestra que anidará en varios de los imponentes espacios de hormigón del C3A. Es el caso de la serie de videoperformances Dedicatorias que ahora adoptan una nueva vída con imagen tras su fijación en disco en el año 2016 en el sello de María de Alvear, World Edition. “Son acciones hechas en tiempo real que utilizan los audios de Dedicatorias y que, en algunos casos, tienen sonidos añadidos”. Son (aquí) 14 en total, agrupadas en series de tres, y que terminan con la dedicatoria que hace a su compañera de vida Concha Jerez, Infinito, con cuya propia obra artística tantas veces se ha fundido. “Esto es porque tenemos intereses comunes, elementos de tangencia. Ella es más conceptual, yo diría que soy más fluxista” (…) “Al principio cada uno hacía lo que quería pero cuando nos esforzamos para que nuestras obras convergieran en las performances buscamos no traicionar nuestra manera de crear. Mi trabajo es más poético que el de ella, entiéndase, su poética es más descarnada. En términos de jardinería diríamos que ella cuida más la enredadera y yo me ocupo de los injertos”.

De más pequeñas dimensiones, pero bellamente imantada por la retórica de Iges, es la obra El retorno de Ulises. Vemos aquí una maleta con chapas autobiográficas y mapas de ciudades que ha visitado el autor. Dentro de la maeta hay un pequeño equipo de sonido que reproduce 16 de las Dedicatorias que tienen que ver con la idea del viaje y del paisaje sonoro. Otra, Artecisoria, tiende al infinito, lo poetiza. “Dedicada a Javier Maderuelo está hecha tomando un segundo de cada una de las obras del disco. Un programa informático las selecciona al azar por lo que el número de variaciones es infinito”. “Realmente no sabía que Dedicatorias, una obra volcada hacia los otros pero que refleja una cierta autobiografía mía iba a alcanzar tantas formas”.

Junto a otros trabajos de formato más reducido lo sonoro, por si las dudas, continúa teniendo un enorme peso específico en la mirada reflexiva de Iges, tan cargada de humor como de un fino tono taciturno. Sí es cierto, como él mismo reconoce, que en el presente se encuentra algo más alejado de la música partiturizada. “Ahora va a salir un disco de violín de Manuel Guillén donde hay una obra mía, Viaje, que todavía no ha sido estrenada. Me he alejado de ese mundo porque no ha habido interés y oportunidad de seguir en esa línea de continuar creando obras estrictamente musicales. No es una vía cerrada, pero sí en retroceso”.

Soundtoys.net es una plataforma de exhibición de nuevas obras de artistas audiovisuales, a la vez que un punto de encuentro entre éstos y el público. Además, el proyecto –creado en 1998- se plantea como un repositorio de entrevistas a artistas, directorio de enlaces a recursos y artículos sobre temas relacionados con el arte interactivo, la síntesis audiovisual o el arte generativo. El proyecto es una iniciativa del artista británico Stanza.

Las obras expuestas en Soundtoys.net son, mayoritariamente, piezas realizadas para el contexto internet. Es un espacio colaborativo abierto a artistas, diseñadores, músicos, escritores y programadores que desarrollan su trabajo en torno al arte sonoro y visual interactivo. Los trabajos presentados deben explorar el uso de la tecnología y la comunicación audiovisual. La plataforma propone a los artistas que realicen piezas específicas para Soundtoys.net o bien envíen otras ya creadas y que cumplan las premisas indicadas antes.

Uno de los aspectos diferenciales de Soundtoys.net es el concepto didáctico que atraviesa la plataforma. Así, buena parte de los contenidos son juegos interactivos planteados por los artistas audiovisuales, en ocasiones realizados para niños, aunque dadas las características de la materia artística, también “son aptos” para un público más amplio.

Soundtoys.net tiene un largo recorrido, habiéndose exhibido en espacios como Sonar, en el ICA londinense, en el Festival Zeppelin de Barcelona, el Den Hague Film Fest en Holanda o Garage en Alemania.

En conclusión, recomendamos una visita a este espacio en constante actualización a todo aquel interesado en las artes visuales interactivas y que tengan como medio principal de exhibición la web.

Podría el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) haber mirado para otro lado. Obviar a José Luis Castillejo (Sevilla, 1930 – Houston, 2014) resultaba fácil. Apostar por él, en cambio, no lo era tanto. Y en un tiempo en el que se imponen los discursos neomodernistas y una suerte de realismo documental cuya existencia para querer justificar la pervivencia misma de los museos de arte actual, una obra como la de Castillejo parece operar a la contra. Impone su lógica abiertamente experimental, desprejuiciada; reivindica el valor intrínseco del arte, el juego, la consecución de extravagantes anhelos personales.

Ciertamente hay mucho en la exposición TLALAATALA: José Luis Castillejo y la escritura moderna de memoria histórica. Y no solo por la propia adscripción geográfica del protagonista, también porque hasta hace casi nada ha sido un extraviado, un perdido en la historia del arte moderno. Un creador puede que incluso incómodo para quienes vertebraron el grupo Zaj, donde participó y de donde fue expulsado.

Hasta el 13 de enero de 2019 el CAAC nos invita a mirar –a confrontarnos más bien- con la obra de Castillejo, en una coproducción del centro sevillano con el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) y el Archivo Lafuente. “Quiero pensar que sí, que él se marchó siendo consciente de que su obra acabaría por ser apreciada, valorada. Él y yo hablamos de esta exposición, que tristemente ha llegado unos años después de su muerte. Es una lástima que no pudiera verla”, dice Henar Rivière, comisaria de la misma junto con Manuel Olveira. Porque Castillejo, todavía hoy (quizás ya algo menos) sigue siendo un inédito. Y quienes lo han admirado en el pasado se han sentido tocados por la certeza de ser apreciadores de un arte genuinamente moderno (en el sentido más tentativo, experiencial del término).

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“Con Zaj tuvo una relación compleja. Él solía decir que Juan Hidalgo le hizo dos grandes favores en su vida. Uno fue el invitarlo al grupo porque así descubrió su capacidad artística, y el otro consistió en expulsarlo, liberándole, porque de esa forma pudo desarrollar su propia obra, centrarse en lo que él llamó su ‘escritura moderna”, explica Rivière. “Con Ramón Barce apenas tuvo contacto porque él ya se había ido de Zaj cuando llegó, con Esther Ferrer tampoco tuvo muchos encuentros porque ella estaba centrada en la actividad accionista y performativa y él en la escritura. De Juan Hidalgo se distanció, aunque mantuvieron una relación cordial en la que cada uno reconocía la personalidad del otro. Con quien tuvo más vínculo fue con Walter Marchetti, a quien le unió una estrecha amistad, especialmente a partir de la exposición que el Museo Reina Sofía dedicó al grupo Zaj en 1996”, detalla la comisaria.

Irónicamente la muestra que nos ocupa se abre con una serie de fotografías en fotocopias intervenidas –El escritor- del propio Castillejo firmando un ejemplar del catálogo de la ya citada e importante retrospectiva madrileña. En una de ellas leemos “Soy un escritor”. La pieza puede servir tanto como bienvenida como despedida. “Hay mucho humor y mucha autoironía en ella”. También una inmensa melancolía, añadiremos nosotros. “Probablemente fue la única vez en su vida que se sintió reconocido en su país”. La agudeza le acompañó (casi) siempre. Desde luego estaba muy presente en su persona y fue protagonista durante su etapa en Zaj, especialmente con el libro deconstruido La caída del avión en terreno baldío. Un fino humor que regresaría en los últimos años de su vida con obras en las que abiertamente decidió divertirse con la impostura de la posmodernidad, jugando con rotuladores de colores y confeccionando espartanos y explícitos collages.

“Con Castillejo todo se ha demorado. Mal que bien los miembros de Zaj fueron encontrando reconocimiento, pero él siempre permaneció oculto, desconocido”, dice Rivière. Hay varias razones, claro. La más explicativa, la propia consecuencia de una obra que, mirada de soslayo, puede resultar críptica. “Su obra es más enigmática en el sentido de ser única, él inventó y creó su propio mundo, el de la ‘escritura moderna’. Hay que pensar que Castillejo comenzó a trabajar en los albores de la posmodernidad, él comenzó en Zaj en el ámbito del arte intermedia, de acción, y cuando salió, o le obligaron a salir, dio un giro, renegó de la hibridación y fue buscando un arte puro que fuera solamente escritura, rastreando lo que había hecho la pintura moderna en las décadas anteriores”. Otra razón, más prosaica, la propia circunstancia personal del autor, quien mantuvo una  vida de diplomático que, a la vez, le confirió una enorme libertad para crear lo que quiso ajeno a toda presión pero que, por lo mismo, hizo que su quehacer no formara parte casi nunca del circuito artístico.

Podrían anteponerse serias dudas sobre la viabilidad museística de la obra de Castillejo. A la postre, su obra consistió en libros pensados para leer, no para exhibir. “Había muchos riesgos, el mayor era no caer en un mayor hermetismo, en una exposición de vitrinas, y por supuesto, no convertir sus libros en dibujos y no ser presos de la monotonía”. A la vista de los resultados, cualquier espectador atento reconocerá que el éxito ha acompañado a la empresa. Hay mucho que mirar ¡y leer! en la muestra TLALAATALA pero ni siquiera se hace prudente la dosificación de la exposición. El universo Zaj y el mucho más severo y experimentalista de la ‘escritura moderna’ generan percepciones encontradas, las diversas audiciones de las lecturas de sus libros permiten acercarnos a la oralidad de su trabajo; aquí y allá nos detenemos ante creaciones completamente novedosas e inéditas de Castillejo, y al final, contemplamos con interés la dimensión más pictórica –aunque menos fundamental- de sus últimas creaciones.

¿Hay algo de arte sonoro en todo esto? Puede ser, aunque para el artista esto fue un auténtico quebradero de cabeza. “A Castillejo no le interesaba la musicalidad de sus textos porque él quiso anular cualquier posibilidad semántica. El quería abolir a toda costa el lenguaje, pero a la vez mantenía que un libro, y lo que él hacía eran libros, debía poder leerse en voz alta”. A partir de esta disquisición él mismo leyó su icónico The Book of i’s (1969), un libro sobrio y de apariencia premeditadamente convencional y austera. Lo que lo convierte en un artefacto excepcional es que en la mayoría de sus 400 páginas aparece una única letra, la ‘i’ minúscula, colocada en el centro geométrico de cada hoja, siempre en la misma posición y con el mismo cuerpo, alternando únicamente con algunas pocas páginas en blanco. Tiempo después, en 1977, solicitaría a Javier Maderuelo, que estaba especializado en la lectura de poesía experimental y fonética, que leyera The book of letters continuando así la indagación sobre las complejas posibilidades de la oralidad de sus libros.

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“A Castillejo le hizo mucho que pensar la lectura que haría Maderuelo”. Creyó que, efectivamente, había conseguido una escritura que pusiera en jaque al habla. Ya lo había hecho con el Antialfabeto (1969-1974), en el que renunció a las vocales porque estas “tienen la particularidad de que remiten más al lenguaje, permitiendo la unión entre las consonantes”. Y, como un artesano, había continuado indagando en su ‘escritura moderna’ con The book of eighteen letters (1972) y más tardíamente con The book of  J’s (1999) y Tlalaatala (2001). Y aunque la lectura que de este último fijó Fernando Millán por encargo de la editora Alga Marghen pudiera enraizar la obra de Castillejo en la tradición de la poesía fonética, poco o nada de la dimensión puramente sonora que persiguieron autores como Henri Chopin, Bernard Heidsieck o Gérard Broutin hay en el ánimo mucho  más, si se quiere, intimista, de la lectura de las obras de Castillejo que, únicamente, nos podrá remitir como asunto extemporáneo a la propia obra a la finísima ironía zajiana.

“José Luis Castillejo fue una persona muy lúcida y muy libre en su pensamiento, también fue un hombre provocador y vehemente. Una vez me dijo que toda su vida había sido una constante búsqueda de la libertad personal e intelectual. Y esta la alcanzó a través de su escritura y del coleccionismo de arte”, concluye Henar Rivière. En el catálogo de la muestra, José Luis Castillejo y la escritura moderna (Ediciones de la Bahía), le leemos mostrando su inquietud por el futuro y la apreciación de su legado. Hoy, con esta exposición, y con el interés-fascinación-incomodidad-sorpresa que su obra –ferozmente contemporánea- despierta parece claro que su figura ha sido al fin prestigiada.

Entrevistamos a Voro García, compositor y actual director del Festival ENSEMS, uno de los de mayor solera y envergadura de nuestro país. Le preguntamos por esta nueva etapa al frente del ciclo valenciano y sobre lo que se propone hacer en esta edición que comienza el 10 del presente mes.

Sul Ponticello: El festival cumple 40 años, una existencia vertebrada a través de diferentes etapas desde su inicio, con Llorenç Barber como impulsor y director. No es fácil para un festival cumplir esa edad. ¿Cómo afrontáis este aniversario?

Voro García: Lo afrontamos con mucha ilusión y al mismo tiempo con una gran responsabilidad de continuar haciendo de esta plataforma sonora un lugar de referencia en el panorama nacional e internacional.  Para ello intentaremos acercar al público las propuestas sonoras más recientes y con los objetivos de romper con cualquier tipo de etiquetas asociadas a la nueva creación y de normalizar la programación de un repertorio que ha resultado extraño a ciertos oyentes e incluso a los propios músicos durante décadas, pero poco a poco, entre todos los agentes implicados, se está haciendo posible.  Hay que trabajar con los procesos de transformación que vive la cultura y sociedad y llevarlos al público con propuestas transversales, lo más plurales posibles y, evidentemente, de calidad. Es lo que hemos tratado de hacer en la programación de este año.

S.P.: Al extinto Festival de Música Contemporánea de Alicante se le acusaba (probablemente con razón) de que nunca estuvo conectado con la ciudad que lo acogía. ¿Crees que el ENSEMS ha logrado ocupar un lugar en Valencia?

V.G.: Haciendo un poco de autocrítica, a día de hoy y después de cuatro décadas de Festival, mucha gente aún no sabe qué es ENSEMS. La plataforma ha cambiado varias veces de espacios donde se realizaban las actividades, porque tampoco el IVC dispone de un espacio propio para ello, y puede que ello dificultara el crear un público más militante. Por lo que, por una parte hemos querido consolidar unos espacios que han tenido una buena aceptación por parte del público los últimos años (como es el caso del Palau de la Música de Valencia y El Centre del Carme), recuperar otros espacios abiertos que nos ofrecen la posibilidad de acercar a los músicos al oyente y aprovechar la arquitectura del mismo (La Nau Centro Cultural, de la Universitat de Valencia) y “pisar” la calle.  Por otra parte, lejos de querer presentar propuestas elitistas, nos gustaría conseguir consolidar un público que acuda a descubrir por el gusto, no aquello conocido, sino de lo inesperado.

Hemos diseñado diferentes recorridos de la escucha (de ahí el lema de esta edición “Camins de l’escolta”). Un espacio del sonido y que suena es el lema de la plataforma. Queremos un espacio de todos y para todos, una plataforma para la reflexión y el I+D+I que integra propuestas sonoras de todo tipo, incluida la tradición de la música popular. Habrá propuestas muy variadas: instalaciones, improvisación, performance, más o menos experimentales, acústicas o  mixtas. Es importante, formar a un público crítico y responsable, provocar reflexiones en torno al arte, visualizar el patrimonio cultural local y fomentar la participación e implicación de todos.

S.P.: La programación del festival se compone de una gran cantidad de propuestas. Obviamente, en esta entrevista no podremos hablar de todas, pero sí nos gustaría que nos comentaras alguna de ellas. Vemos, por poner algunos ejemplos, conciertos muy interesantes como los de los alemanes Ensemble Phace, los extremeños Sonido Extremo o el de Synergein Project…

V.G.: Exactamente 30 proyectos, dos de los cuales tienen varias sesiones. Ensemble Phace hemos tenido la suerte de poder traerlos gracias a que están en gira  con una propuesta muy interesante, An index of metalls de Fausto Romitelli y Nacho de Paz como director. Sonido Extremo nos trae un programa bajo el título de “Il canto sospeso”, con obras de Río Pareja, Juan Arroyo, G.F. Haas y una obra estreno encargo del festival de Raquel García Tomás. Por otra parte, la participación de Synergein Project lleva como eje fundamental de su programa Le noir de l’étoile de G. Grisey (en el 20 aniversario de su fallecimiento) y un estreno absoluto de J. L. Torá.

S.P.: Y también hay al menos tres propuestas que trabajan algún tipo de concepto escénico, como el proyecto de Sigma Project sobre La bocca, i piedi, il suono de Sciarrino, la propuesta de Ascolta Ensemble, y el concierto-escénico de EPOS, el Laboratorio de creación e interpretación música-palabra. ¿Qué nos puedes contar sobre estos espectáculos?

V.G.: La primera semana las propuestas sonoras que se presentan vienen marcada justamente, como bien señalas, por un hilo conductor en torno a la escena.

La propuesta de Sigma Project, La bocca, i piedi, il suono, gira en torno a esta obra de Salvatore Sciarrino, que es para cuarteto de saxofones solista y cien saxofones en movimiento es una obra. Queríamos proyectos participativos en el festival y éste es uno de ellos. También interpretarán Rhea de F. Guerrero (poco más de 20 años de su muerte y 30 del estreno de la pieza).

Ascolta Ensemble, nos trae una propuesta con un marcado carácter escénico, y con un programa que gira en torno a la compositora Elena Mendoza, además de F. Filidei y Nuria Núñez.  Un formato de concierto con elementos teatrales, performance, etc que Ascolta desarrolla en sus propuestas.

Por otra parte, Epos Lab (como bien sabéis) nos trae un proyecto interdisciplinar pionero en España que indaga en la relación entre música y palabra también en un contexto escénico, con obras de J. M. Ciria, S. Blardony y colectivo EPOS Lab.

También podemos destacar el pequeño tributo a Carles Santos, que también tiene un concepto escénico o la Performance de Alberto Bernal, 300 kg de música.

S.P.: Sí, efectivamente, vemos que la desaparición de Carles Santos también está presente, en forma de homenaje, en esta edición de ENSEMS…

V.G.: La desaparición de Carles Santos nos pilló con la programación prácticamente cerrada. Habíamos programado ya un espectáculo para niños y público familiar, Tocatico-tocatá, pero pensábamos que debíamos hacer algún pequeño tributo dentro de esta cuarenta edición por este artista universal. Se ha preparado un proyecto escénico de pequeño formato, bajo la dirección de Montse Colomé, donde participaran colaboradores muy cercanos a Santos.

Además, en una mesa redonda también se abordará desde una perspectiva determinada el caso Carlos Santos junto con el de Frank Zappa.

S.P.: Por otra parte, además del que has citado de Raquel García Tomás, hay otros encargos…

V.G.: Generalmente el Festival siempre ha realizado encargos. En todas las ediciones se han estrenado obras encargo de ENSEMS. En esta ocasión se has realizado un total de 7 encargos (8 si contamos la exposición conmemorativa del 40 aniversario): a José Antonio Orts (orquesta, recitador e instalación sonora) que será estrenado por la orquesta de Valencia; a José Vicente Fuentes (banda sinfónica) que será estrenado por la Banda Municipal de Valencia; Javier Elipe (ensemble y electrónica) a cargo de 2e2m; Jesús Salvador (Chapi) (tres percusionistas y dos jugadoras de pelota valenciana) a cargo de Amores Grup de percussió y dos pelotaris; el mencionado a Raquel García-Tomás (ensemble y vídeo sincronizados) a cargo de Sonido Extremo; Nuria Giménez (piano) a cargo de Lluïsa Espigolé; y Ana Parra & Josué Moreno (instalación sonora).

S.P.: También nos ha llamado la atención el número y calidad de actividades de las llamadas “paralelas” que habéis organizado, con figuras muy relevantes de la composición española y también de la crítica. ¿A quién vais a traer y cómo van a ser este tipo de actividades?

V.G.: Uno de los objetivos es que ENSEMS sea un lugar para la reflexión, un foro de debate y lógicamente pedagógico. Por una parte se han organizado talleres de creación sonora como: “Cerca Sonora” (dirigido a alumnos de secundaria), un taller de creación con la Joven Orquesta de la Generalitat Valenciana a cargo de su director artístico y pedagógico Pablo Rus y el compositor residente Marc García Vitoria, donde se han seleccionado cuatro obras entras las 15 propuestas en una convocatoria abierta; y otro taller con Spanish Brass, uno de los quintetos de metal más dinámicos y consolidados del panorama musical internacional, que además de ofrecernos si Make a Brazz Noise Here (tributo a Franz Zappa, 25 aniversario de su fallecimiento), abordará cinco obras de jóvenes compositores seleccionados también en una convocatoria abierta a los alumnos de los tres conservatorios superiores de la Comunidad.

S.P.: Y compositores invitados…

V.G.: Efectivamente, se han invitado a cuatro compositores, Alberto Posadas, Elena Mendoza, Alberto Bernal y Juan Arroyo, para impartir unas clases magistrales en el  marco de la 30ª edición de los Encuentros de composición.

Además, también hay cuatro mesas de debate con las temáticas: Festivales sonoros en Europa; Interacción de la música con la escena y la arquitectura. Transversalidad y multidisciplinariedad; Acciones sonoras como respuesta política: Frank Zappa / Carles Santos; i 40 años de ENSEMS. En ellas participarán relevantes figuras de la composición, de la gestión, musicólogos, etc., como José Luis Besada, Alberto posadas, Elena Mendoza, Virginia Flórez, Marina Hervás, Belén Pérez, Manuel de la Fuente, Marta Cureses, Nuria Núñez o Josep Ruvira.

S.P.: Para ir terminando esta entrevista, llega la pregunta obligada en estos casos, que siempre hacemos (aun a riesgo de caer en cierta repetición). ¿Cómo ves el panorama de la música experimental desde esta nueva perspectiva, mucho más institucional, y donde la financiación parte sobre todo de lo público? ¿Percibes un interés diferente (o simplemente un interés) desde la parte política?

V.G.: Lo que parece claro es que, independientemente del interés institucional (que es el que es), las plataformas sonoras que están más o menos funcionando apuestan por propuestas más transversales y multidisciplicares sean o no experimentales, que podríamos hablar mucho al respecto y valorar hasta qué punto lo son, y no son descendientes de…

ENSEMS apuesta por intentar romper con las etiquetas que tanto daño han hecho (y están haciendo) en nuestro propio colectivo de creación sonora y apostar por una programación lo más plural posible. Eso sí, siempre dentro de lo que podríamos denominar propuestas I+D+I. Para otro tipo de proyectos ya existen otros contenedores musicales que ofrecen o pueden ofrecer esa programación.

S.P.: Muchas gracias por tu tiempo, que sabemos que es escaso.

V.G.: Muchas gracias a vosotros por ofrecerme la posibilidad de hablar de esta edición tan especial de ENSEMS, 40 aniversario y mi primera al frente del festival.

La inauguración de un nuevo centro de arte no puede sino alegrarnos. La escasez de iniciativa en la promoción y divulgación de arte en nuestro país hace que cualquier nueva propuesta –y más si ésta es de envergadura- abra un resquicio de luz que, sumado a otros, nos deja cierta esperanza de ser un país “normal” (como uno de nuestros gobernantes diría en referencia a “otras cosas”).

Es el caso del nuevo Centro Botín, inaugurado en Santander el pasado 23 de junio, coincidiendo con la noche de San Juan, y con el boato que caracteriza un proyecto que no quiere pasar desapercibido en la escena cultural nacional e internacional. El genovés Renzo Piano fue el arquitecto escogido para el diseño de este ambicioso e interesante edificio que mira al mar en una de las bahías más bellas de la península.

El Centro Botín nace con tres líneas de actuación esenciales: la investigación, la formación y la divulgación en el contexto del arte, con una atención especial a las artes visuales. Así, las tres exposiciones que pueden verse durante este verano son “Arte en el cambio de siglo”, “Carsten Höller: Y”, y “Ligereza y atrevimiento. Dibujos de Goya”.  Hasta aquí todo correcto. Un centro que se preocupa por el pasado pero, especialmente por el arte de su tiempo. Que organiza sus exposiciones basculando sobre ejes coherentes con un espacio de estas características.

Sin embargo, cuando llegamos al capítulo de las actividades musicales que ofrece el centro, aparece la paradoja, una demasiado frecuente en este tipo de espacios donde el arte contemporáneo debería encontrar sin demasiadas dificultades los paralelismos estéticos entre disciplinas, al menos tirando del argumento histórico. Pero no, esto no parece entenderse bien y vemos que la mayor parte de los conciertos programados no pasan del tópico, algunos bien aferrados a la complacencia vacacional. “¡Una noche diferente! Baila a ritmo de cumbia, tropical bass, bullerengue y otras músicas latinoamericanas fusionadas con ritmos electrónicos”, reza el comentario de uno de ellos. Después, otras propuestas con aire underground pero que no dejan de ser un producto mercantilizado, como es el caso de Maika Makovski con el Brossa Quartet. En el terreno de la “música clásica” el riesgo es mínimo, únicamente observamos un concierto que nos hace concebir cierta esperanza: “Música para una exposición: Luciano Berio ilustra a Carsten Höller”, con un admirable despliegue de sus Sequenzi. Berio nace en 1925 y Höller en 1961. Obviamente, esta diferencia generacional no sería un problema si no es porque el vínculo que se encuentra entre ambos no parece fundamentarse en ningún sentido. No hay relación en el plano histórico, ni conceptual, ni estético… Da la impresión de que Berio está ahí porque es “suficientemente moderno”, así, sin más.

Renzo Piano fue el arquitecto que diseñó el espacio acústico para el estreno del Prometeo de Luigi Nono. Esa lucha del compositor veneciano contra el espacio acabado y su visión de lo musical como un despliegue de posibles fue maravillosamente comprendido por el arquitecto genovés en aquella estructura que ocupó el interior de la desacralizada iglesia de San Lorenzo de Venecia. En la programación musical del nuevo Centro Botín se echa de menos algo de esa mirada que sabe hacer compatible lo plurifocal y una mínima coherencia en el plano estético, seguramente sí lograda en la arquitectura del nuevo espacio santanderino. Llama la atención que a un experimentado director artístico como el parisino Benjamin Weil no le haya chirriado alguna de estas inconsistencias. No obstante, es demasiado pronto para hacer una crítica definitiva al proyecto en este aspecto. Esperaremos, pues, nuevos acontecimientos.

En el jardín central del Espacio Santa Clara, estampa de la Sevilla más típica, Rubén Barroso, artífice de Contenedores, presentaba la décimo sexta edición del festival. Rememoraba en su locución las palabras de La Monte Young: Dibuje una línea recta y sígala[1]. Esa línea, símbolo del caminante que hace camino, tomaba vida en este festival dedicado a la acción y las música experimentales, en la ciudad de Sevilla.

El viernes 2 de junio, en la sala Silvio del Espacio Turina, dará comienzo la décimo séptima edición de Contenedores Festival. Como punto de partida Los Torreznos. Jaime Vallaure y Rafael Lamata, presentan su nuevo trabajo, El Desierto:

“El desierto como tópico, como territorio imaginario, como página en blanco abierta a la imaginación, como pantalla de proyección para el universo personal del viajero. Marco en el que desarrollar en proceso de una emoción. Un espacio radical que, por no tener nada, funciona a modo de espejo, nos devuelve lo que somos”.

Vexations: Dos series de acordes de quinta disminuida en primera inversión. Un monocolor continuo, sólo perturbado por un tempranero acorde de 5ª aumentada, díscolo y desigual a todo aquello que le rodea. Contenedores Festival es dicho acorde: único, ambiguo, llamativo, contrastante, y aún así perfectamente lógico e integrado en su entorno.

Vexations es una pieza visionaria y pionera de la creación sonora experimental. Compuesta por Erik Satie, aunque publicada en 1949 por John Cage, y estrenada  en 1963 en el Pocket Theatre de Nueva York  por 12 pianistas, entre los cuales se encontraba el propio visionario americano, junto a David Tudor, John Cale, Viola Farber, entre otros. Esta obra tomará vida por primera vez en Andalucía el próximo 3 de junio. Durante 18 horas y 40 minutos, 22 pianistas en turnos de relevo la harán revivir. La sala Silvio del Espacio Turina será su sede. A las 9 de la mañana sonará el Do inicial del thème, y su resonancia final en la madrugada del siguiente día.

Esto no es un concierto, ni una maratón, ni nada que se le parezca: esto es una experiencia.

El intérprete, como el mismo espectador debe “prepararse con atención, en el más profundo silencio, para la más intensa inmovilidad”.

Vexations sumerge al intérprete y a los oyentes en un mantra hipnótico, donde el ejercicio de la escucha y la atención sonora se agudizan. Cada repetición del material, una nueva visión. Los micro detalles diferenciales sólo son perceptibles por la escucha atenta. Vexations, arte y vida: ¿Fluxus?

Con la pieza de Satie como epicentro, se grabará en Sevilla un programa especial de Ars Sonora. Este veterano programa de Radio Clásica (RNE), creado por José Iges en 1985, dedicado a las músicas experimentales y electroacústicas, y conducido desde 2008 por el musicólogo y artista sonoro Miguel Álvarez-Fernández, realizará una edición especial sobre “esta sonora edición de Contenedores 17″.

En colaboración con La Muga Caula, Festival Internacional de Performance y Poesía de Acción del Alt Empordá (Girona), tendrá lugar el mismo sábado 3 de junio, a las 20 horas en la sala Juan de Mairena del Espacio Turina, una conferencia conducida por Joan Casellas, que lleva por título Aire. 25 años de un archivo de performance en el estado español.

Vexations es antigua, contemporánea a su época, visionaria y eterna.

Lo antiguo: Un bajo obstinado presentado en solitario. Dos armonizaciones sobre la línea grave, como si de un bajo continuo barroco se tratase. Una realización armónica en contrapunto invertible. También Sevilla es barroca: tenebrista ma piena di luce.

El domingo 4 de junio, en el Espacio Turina, tendrá lugar a las 12:00 h un concierto de música electroacústica y arte sonoro, conducido por Víctor Aguado Machuca, director de la AMEE. El concierto lleva por título Músicas del quinto pino, título primigenio del célebre libro dedicado al arte sonoro español La mosca tras la oreja, escrito por Llorenç Barber y Montserrat Palacios. En este concierto, realizado en colaboración con la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE), se presentarán obras de Inmaculada Cárdenas, Miguel Ángel Martín, Bartolomé Ferrando, Miguel Álvarez-Fernández, Llorenç Barber, Isidoro Valcárcel, entre otros destacados artistas sonoros españoles, cuyos trabajos “se encuentran en un espacio tocante, o penetrante, al arte de acción, que tienen como punto principal de investigación y debate la idea del sujeto, y que convocan al cuerpo y la palabra”.

Lo contemporáneo a su época: Pieza sobre una polaridad (Do). El thème y los acordes de 5ª disminuida surgen de las dos fórmulas de la escala simétrica.

“Entre el sonido y la acción, y las acciones que provocan los sonidos, se presenta la experiencia vital y sónica” por medio de la instalación / acción Gestos Cotidianos #1 de Juan Isaac Silva, que estará presente en el hall del Espacio Turina, conviviendo  todos los días con las distintas actividades del festival.

Dentro de las diferentes y variadas actividades de Contenedores, se presentará el nº 4 de Casos de Estudio. Cuadernos sobre arte de acción (Bajo el sonido: músicas, sonidos y performance). Esta edición especial para Contenedores 17 llevará textos y entrevistas de Miguel Álvarez-Fernández, Isaac Silva, José Iglesias G. Arenal, Víctor Aguado, Ismael G. Cabral, y Rubén Barroso.

visionaria y eterna: No hay compás en Vexations. No aparecen indicaciones de dinámica, ni articulación. ¿Obra abierta?. Como de un rito u oración panteísta se tratase,el intérprete, debe prepararse con antelación, en el mayor silencio posible. 840 veces debe repetirse el mismo material. Repetir aquello que ya es de por sí es una repetición variada.

A las 19:00 h del 5 de junio,  en CICUS, tendrá lugar la última actividad de Contenedores: El ruido nos transforma, una sesión de escucha en torno al tronar. El periodista y crítico musical sevillano Ismael G. Cabral, especializado en arte sonoro y música contemporánea. conducirá esta sesión de escucha. Los sonidos de Marinetti, Honegger, Henry, Weber, Lachenmann…, cerrarán esta “sonora” edición de Contenedores 17.

Mirando en perspectiva es curioso ver la poca repercusión que han tenido las exposiciones propiamente dichas y cuanto los festivales o eventos en los post de mediateletipos. Esto es doblemente interesante dado que el arte sonoro se ve reforzado en sus definiciones en el espacio expositivo y casi cualquier cosa que pase por la sala de una galería o un museo se comprende dentro de los límites de ese arte. No pasa lo mismo en los eventos o festivales, donde el escenario o la temporalidad en que se desarrollan las propuestas sigue abriendo brechas entre lo que es arte y lo que es música (aunque la música sea una de las artes).

Trabalenguas aparte, sea esto de lo que hablamos galgo o podenco, son de destacar las múltiples reseñas de estos eventos que han aparecido en los post de mediateletipos, desde Transmediale en Berlín (2008, 2009, 2012), Tuned City también en Berlín, Sonic Acts en Amsterdam (XIII, XIV), ARTe SONoro en Madrid, ERTZ en Bera y Donostia, Situación Sonora en Madrid o Ars Electrónica 2008 en Linz.

Posted by ps

Tuned City es una iniciativa interesada en proyectos sonoros site-specific y en los trabajos desarrollados en las intersecciones entre arte sonoro, arquitectura y diseño urbanístico, que incluirá una serie de conferencias y una exhibición programadas para el próximo mes de julio en Berlín. Club Transmediale ha acogido dos eventos organizados como parte de este proyecto y que sirvieron como aperitivo a la programacion de este verano.

El sábado tuvo lugar el Tuned City Symposium, con una serie de conferencias de introducción a los temas en que se basa el proyecto. El sociólogo Prof. Dr. Detlev Ipsen habló sobre los recientes desarrollos urbanísticos y las megaciudades, al que siguió el Prof. Dr. Gernot Böhme, que definió el espacio sonoro desde un punto de vista más filosófico, basado en la estética de las atmósferas, analizando como ejemplo el paisaje sonoro de algunas ciudades japonesas. El historiador arquitectónico Prof. Dr. Ulrich Winko dio un amplio repaso a la historia de las relaciones entre música y arquitectura, y el artista sonoro y escritor Brandon LaBelle (muy recomendable su libro Background Noise) hizo también un repaso a diversos proyectos de arte sonoro basados en ideas sobre el espacio. Para finalizar, el propio LaBelle mantuvo una conversación con uno de los pioneros en el diseño de proyectos site-specific, y al que se atribuye el haber acuñado el término instalación sonora, Max Neuhaus.

Además, hubo una serie de micro presentaciones de algunos de los proyectos que estarán presentes en la exposición en julio. Nik Hummer (AT) habló de sus proyectos relacionados con el sonido en un marco social, orientado al espacio público; Zimoun & Pe Lang (CH), presentaron la serie de instalaciones sonoras Untitled Sound Objects (que estuvieron en Espacio MenosUno justo hace un año); el equipo Lola & Geert-Jan Hobijn (DE/NL), mostró su proyecto Composed City, y Mark Bain (NL/US), artista sonoro que lleva años desarrollando trabajos sonoros muy basados en la arquitectura y el espacio físico, que también realizó una performance sonora el domingo en el festival.

Tras esa jornada dedicada a la teoría, que fue muy interesante por lo variado de las propuestas y los enfoques mostrados, el domingo tocaba explorar la praxis a través de una serie de performances sonoras, que también por lo variado de sus aproximaciones al espacio y el sonido, conformaron una noche genial en el Club Maria, la sede principal del Club Transmediale, bajo el nombre Tuned Space.

La noche comenzó con Dallas Simpson y su concierto binaural, que la audiencia disfrutó mediante auriculares inalámbricos, mientras Dallas realizaba una minuciosa coreografía sonora en las inmediaciones del club (situado al lado de un rio en una zona pseudoindustrial), caminando y manipulando objetos preparados anteriormente y encontrados en el lugar. Después BJ Nilsen y Hildur Gudnadottir realizaron un concierto multicanal también bastante íntimo, en esta ocasión explorando la resonancia de la viola y el cello.

El tono de la noche subió dramáticamente con la aparición del vasco Mattin, que con su anti-laptop “Body & Linux” performance, perforó durante un rato los tímpanos y cerebros de los asistentes. Daniel Menche continuó elevando la intensidad con un concierto de noise utilizando como instrumentos sus cuerdas vocales y el resto de su cuerpo, objetos como tablas y varillas y un arsenal de pedales analógicos. Para culminar, llego el turno de Mark Bain, que literalmente hizo vibrar el edificio con sus sistemas para hacer resonar estructuras arquitectónicas y para registrar y hacer audibles esas mismas vibraciones, y que en mi caso fue una de la experiencias sonoras más emocionantes que he vivido hasta ahora.