NueBo no es más que una combinación entre dos palabras, Nuevo y Bonares, dando lugar así al I Festival de arte de nueva creación de Bonares (Huelva).

Bonares es una pequeña localidad del condado onubense, pero que siempre ha sido una referencia cultural dentro de la provincia de Huelva. No hay más que tirar de archivo y descubrir el enorme aprecio que desde esta villa se ha tenido hacia la música, el cine, la literatura o el teatro. Los datos hablan por sí solos: una banda de música con 145 años de historia ininterrumpida, una escuela de música con más de 30 años de existencia, músicos profesionales de trayectoria imparable nacional e internacionalmente, una semana cultural con 40 ediciones, un festival estival al aire libre de música clásica, flamenco, danza, etc. Por ese carácter crítico y sabiendo la acogida que los bonariegos tienen sobre cualquier elemento cultural, Bonares ha sido el lugar elegido para este festival. Por todo ello y por ser el lugar de procedencia de la directora artística, la joven saxofonista Patricia Coronel Avilés.

En este enclave, NueBo surge bajo tres principales pilares: diversas expresiones de arte de nueva creación, por y para todos y con alta calidad artística. El conglomerado de actividades que reúne este evento cultural entre el 7 y el 9 de diciembre, permiten que todas las edades y públicos formen parte del mismo. En el Teatro-Cine Colón de Bonares (Huelva) se desarrollarán una exposición del artista contemporáneo Garrido Bueno, un espectáculo de danza contemporánea, tres conciertos de grupos e intérpretes de primer nivel internacional, una mesa redonda con compositores actuales premiados con importantes galardones, y talleres de música de cámara e improvisación para niños a partir de 7 años durante sábado y domingo.

El viernes 7 será la gala inaugural, con presencia de pintura y danza a partir de las 18 h. El artista onubense Garrido Bueno inaugurará una exposición, la cual permanecerá abierta todos los días del festival. Una colección pictórica bajo las técnicas más singulares de la pintura del siglo XXI (autoretratos, paisajes, mucha geometría…). A continuación, un espectáculo de danza contemporáneo a cargo de los jóvenes andaluces Manuel Expósito y Sarah Calvo. Sus trayectorias profesionales por infinidad de escenarios y su formación con grandes maestros del Centro Andaluz de Danza harán su performance de alto nivel.

El sábado 8 es turno para los talleres de improvisación y música de cámara durante toda la mañana, con profesores titulados en diversa especialidades y con larga trayectoria en el mundo de la música contemporánea. La tarde será el turno de una mesa redonda: “La nueva creación ahora, aquí y allá”. Bajo este título, compositores e intérpretes de primer nivel irán hilando un debate distendido sobre sus experiencias, trayectorias y perspectiva de futuro de la música contemporánea. Juan José Raposo, Carlos Guillén y Francisco Martín-Quintero serán los compositores, mientras que Camilo Irizo (clarinetista de Taller Sonoro), David Delgado y Maria Mogas serán los intérpretes presentes.

Como cierre de este intenso día, será la Gala Central, concierto de AER DUO a las 20 h. Patricia Coronel Avilés (saxofón) y Maria Mogas Gensana (acordeón) forman Aer. Este duo nace en Austria, cursando los estudios de Máster Practice Performance in Contemporary Music con el prestigioso ensemble de música contemporánea Klangforum Wien. Coincidiendo en los mismos principios, el dúo se establece con un fuerte ligamen a la interpretación rigurosa de música de nueva creación, así como a la colaboración con jóvenes compositores. Los consejos y la tutela de intérpretes de Klangforum Wien, el trabajo con grandes compositores actuales junto con el aval de una extensa trayectoria individual de sus miembros, dan lugar a una combinación óptima para las altas exigencias interpretativas y técnicas de este proyecto, de curiosa formación pero con una infinidad de mundos sonoros por descubrir.

El domingo 9, una vez más talleres durante toda la mañana, seguido de un Lunch Concert a las 12,30 h. Un formato diferente donde creación pictórica y música irán de la mano. Por la tarde, como clausura del festival una Gala con una primera parte protagonizada por David Delgado Martínez y una segunda parte con la presencia de todos los alumnos y profesores de los talleres. “Carte blanche à David Delgado”, será un recital de saxofón que recorrerá piezas entre música de nueva creación y música barroca, con video sincronizado. David Delgado es un joven saxofonista del Bierzo, con formación entre España, Francia y Austria, con un extenso bagaje interpretativo donde la música contemporánea es su principal dedicación.

Tres días intensos de trabajo con el que NueBo Festival viene a aportar un evento cultural novedoso y especial, con perspectiva de futuro y apostando por erigirse en un elemento esencial en la vida cultural de todos los que acudan a descubrirlo.

El pasado 26 de noviembre el Diario de Cádiz publicaba un artículo titulado “La Cátedra Manuel de Falla estrena este año quince nuevas composiciones”. Compartimos la noticia en nuestra página de Facebook y un lector apuntó la incomprensible ausencia de los nombres de los compositores. Ciertamente, el único que aparecía era el de Roberto Sierra, el compositor invitado que actuaba como director del curso. El único, por otro lado, al que no le hace tanta falta la publicidad (aunque esto no es óbice para que se le incluya en la información, evidentemente).

Es posible que nos repitamos, pero creemos que toda denuncia de este tipo está justificada, aun a riesgo de parecer reiterativos. Ya dedicamos otro editorial a algo parecido hace poco más de un año. En ese caso se trataba de Nosferatu que, según una conocida radio comercial, era una obra de Murnau al que la Orquesta Nacional de España había puesto música. José María Sánchez-Verdú era el ausente convidado de piedra en esa ocasión. Ahora lo son nada menos que quince autores. Más sangrante, si cabe, la omisión del Diario de Cádiz, ya que se trata –en general- de compositores jóvenes que encuentran en este tipo de actividades, además de formación y experiencia, una vía para que sus primeras obras se escuchen.

Cierto es que la información no es siempre sencilla de encontrar. Pero para eso están los medios, para encontrarla. Si no, ¿a qué tanta palabrería en torno a los valores del periodismo, a la necesidad de documentarse antes de informar? Es una simple cuestión de interés. En este caso, no era tan difícil, bastaba con ir a la web del Festival de Música de Cádiz (ese dato sí lo indicaban, por tanto lo conocían) y buscar el programa del concierto. Junto con los nombres de todos los intérpretes de Taller Sonoro, el ensemble residente de la Cátedra, aparecían los autores de este año.

Bien, pues que no se diga que hacemos lo mismo. Aquí están los quince ausentes:

Álvaro Pérez Rubio, Antonio Moral Jurado, Armando Ibáñez Fernández, David Antúnez Rodríguez, David Moliner Andrés, Guillermo Sánchez Cos de Suárez, Jorge Ruis Castro, Juan Antonio Godoy Gómez, Juan de Dios Ramírez Higueras, Miguel López León, Nicolás García Bartolomé, Pedro Antonio Rodríguez Cortés, Raúl Montalvá, Sef Albertz, Torcuato Tejada Taustre.

Más los nueve de Taller Sonoro, que también son “gente”:

Jesús Sánchez Valladares (flauta), Camilo Irizo (clarinete), Guillermo Martínez (saxofón), J. Baldomero Llorèns (percusión), Ignacio Torner (piano), Alejandro Tuñón (violín), María del Carmen Coronado (cello), Javier Campaña (electrónica), Esteban Baraviera (técnico de sonido).

John Langshaw Austin, en su Teoría de los actos del habla, proponía que el hecho de enunciar algo o alguien, de nombrarlo, es un acto de relación con el entorno. Y también de compromiso en el acto mismo de la enunciación. Quizá a los redactores y jefes de redacción de estos diarios les convendría leer algo sobre qué significa nombrar. Y, sobre todo, qué significa omitir el nombre. País…

Arte Sonoro Tsonami es una iniciativa de fomento y producción de prácticas sonoras contemporáneas, un lugar de creación, intercambio y experiencias a partir del cruce entre sonido, ciudad y sociedad. El festival se realiza en las ciudades chilena de Valparaíso y Santiago, en alianza con el PCdV y colaboradores internacionales como el Goethe Institut, el Centro Cultural de España, el Instituto Francés de Chile y la embajada de Austria, y mediante la financiación de Fondart Nacional Convocatoria 2015.

Como un festival de creación e investigación de prácticas sonoras contemporáneas, Tsonami continúa explorando y promoviendo el cruce entre sonido, ciudad y comunidad. “Se invitó a distintos artistas e investigadores a imaginar nuestro entorno a partir del momento de cambio en que las ciudades, y en especial Valparaíso, están insertas. ¿Es posible pensar una ciudad a partir de los sonidos que esta debería producir? ¿Cómo suenan los procesos de transformación urbana? ¿Qué implicaciones acústicas tiene un territorio organizado por las leyes de mercado? Estas fueron algunas de las preguntas que sirvieron como punto de partida para que creadores propusieran obras y procesos de trabajo para el festival”, explica Fernando Godoy, director de Tsonami, refiriéndose a la curatoría de este año.

A partir de este marco conceptual, varios artistas estarán investigando y produciendo in situ, algunos de ellos generando instancias de trabajo colectivo y abiertas al público. En esta ocasión, además, se incluyen actividades de formación, talleres, instancias participativas, y acciones orientadas a niños.

Esta novena edición de Arte Sonoro Tsonami se celebrará del 30 de noviembre al 6 de diciembre en la ciudad chilena de Valparaíso, y del 8 al 9 de diciembre en Santiago de Chile.

Nombres destacados del panorama sonoro

Cerca de 40 invitados completan el programa de Tsonami 2015. Destacan el japonés Tetsuya Umeda, el canadiense Gordon Monahan, el estadounidense Nicolas Collins, el francés Jerome Fino y la española María Andueza, entre muchos otros artistas de renombre en la escena internacional del arte sonoro.

Performance de Tetsuya Umeda

After Space del artista sonoro y visual japonés Tetsuya Umeda será la performance que inaugurará el Festival Tsonami el martes 1 de diciembre a las 19,30 h. en el Parque Cultural de Valparaíso. Umeda convierte su espacio de trabajo en un laboratorio imprevisible. Como un físico, juega con el tiempo, la luz y el sonido. Inspirado por la locación y los fenómenos naturales, desarrolla experimentos de pequeña escala con objetos cotidianos que trabajan con energía hidráulica, gravedad, electricidad o vapor.

Por otra parte, el reconocido artista canadiense Gordon Monahan presentará hacia el cierre del festival (5 de diciembre, 19,30 h., PCdV) el concierto “Speaker Swinging”, un experimento para tres o más altavoces giratorios y nueve osciladores de audio, propuesta inspirada en el efecto doppler, fenómeno físico y acústico que producen las fuentes sonoras en movimiento.

Nicolas Collins. Foto: (c) PeterBKaars.com

Otro de las conciertos destacados es “W” (Tsonami Arte Sonoro + invitados + Carrera de Música UV), inspirado en la sonoridad de los bailes chinos de Aconcagua, la pieza será interpretada por 16 instrumentos de viento en la laguna Sausalito, invitando al público a navegar en pequeños botes entre los músicos o a instalarse en los bordes de la laguna.

En el contexto de las acciones encontraremos El Paseo de Tudor, en la que el artista estadounidense Nicolas Collins invita a un soundwalk o caminata guiada donde el público podrá conectar pequeños transductores sonoros a sus teléfonos y dar un paseo por la ciudad, presionando los transductores contra objetos encontrados mientras escuchan archivos de música y sus extrañas transformaciones. La caminata requiere inscripción previa.

Radio arte e instalaciones

Radio Valentín Letelier se suma a la programación con la transmisión de obras inéditas especialmente creadas para esta versión del festival. Entre ellas está In Between, de la italiana Anna Raimondo, pieza que integra sonidos que buscan representar el límite entre lo público y lo privado. La obra finaliza con una entrevista al activista Kamen Nedev donde Raimondo, en su investigación sobre el concepto de gentrificación sonora, cuestiona la interpretación de activismo sonoro según Nedev, explorando su metodología y utopías al respecto.

Destaca la instalación You know it from the hearsaysee del austríaco Uli Kühn que se podrá ver del 30 de noviembre al 6 de diciembre en el container ubicado en Plaza Cívica. Se basa en la idea de transformar el medio ambiente y el paisaje en frecuencias audibles. Kühn trabajará con datos recolectados durante su estancia en Valparaíso (fotos, diferencias en el brillo del sol y la luna, impresiones del paisaje, sonidos, etc), información base de la composición que será utilizada de tres maneras: como una forma de onda, como inspiración, como modulación. La cámara de fotos será usada como un micrófono, y el paisaje como una partitura.

Actividades formativas y de investigación

Cinco talleres que se realizarán en Valparaíso y Santiago, conforman los espacios de formación que Tsonami ofrece para este 2015. Estos talleres abordan temáticas como cartografía sonora y transmisión radial, electrónica artesanal y paisaje sonoro, entre otros. Alguno de ellos son:

“Dog on Wheels, construye tu dispositivo canino audiovisual portálil”, de Jerome Fino (Francia), que invita a construir sistemas de audio-video móviles que saldrán a la ciudad simulando un grupo de perros paseando, ladrando y durmiendo en las calles hasta que sus baterías se descarguen; “Radio Aporee, cartografía, archivo, transmisión y narración sonora”, de Udo Noll (Alemania), donde se realizarán experimentos de campo, haciendo reversibles los conceptos de transmisor/receptor y ejecutante/oyente. Estas herramientas serán combinadas y aplicadas en la ciudad a partir de estrategias de cartografía sonora, archivo, narración sonora basada en localización y transmisiones de radio; y “Paisajes de cinta”, de Marta Zapparoli (Italia) y Julie Rousse (Francia) que consiste en una investigación del paisaje de la ciudad por medio de la utilización de la cinta de casete como herramienta de registro. Fonografía análoga que permite una forma de metalurgia del sonido, para transformarlo en una materia móvil y cambiante.

Dispositivo canino audiovisual portálil de Jerome Fino

Los talleres son abiertos a todo público y no requieren conocimientos previos. Las inscripciones y consultas se pueden hacer al correo inscripciones@tsonami.cl

También se realizará un seminario de acción e investigación bajo el concepto de soundtrification (sonido y gentrificación) que invita a artistas, arquitectos, sociólogos, investigadores y a todas las personas interesadas, a presentar propuestas de intervención urbana. Serán jornadas de trabajo de campo y de sistematización donde se llevarán a cabo las acciones seleccionadas desde una convocatoria que cierra el próximo 8 de noviembre.

A la programación completa de Tsonami se puede acceder desde su web o consultar su programa en formato libro electrónico en Issu.

(c) Richard Schroeder

Muchos actores y actrices viendo Katia Kabanova de Leoŝ Janáĉek programado en los Teatros del Canal en el Festival de Otoño a Primavera de Madrid 2013-2014. Audiencia que tal vez se explique porque uno de los productores del espectáculo es Théâtre des Bouffes du Nord, la mítica compañía que Peter Brook creó en París en un, entonces, excéntrico lugar para el teatro. Contrastaba esta audiencia con la casi ausencia tanto de profesionales de la música como de aficionados a la misma. Posiblemente debido a que la obra se ofrecía en una versión de cámara en la que la orquesta se ha reducido a un piano. No es la primera vez que Peter Brook y su compañía lo hacen así. Ahí están su montaje de Carmen de Bizet, que cambió la concepción de cómo se debería montar una ópera. O más recientemente La flauta mágica de Mozart que también pasó hace dos años por el mismo festival en la que se agotaron las entradas como había sucedido en París, y eso que en esta última ciudad la obra tenía una temporada larga. A lo que se añade, como es habitual para esta compañía, la ausencia de actores, músicos y/o cantantes populares o grandes divos y divas. Aunque por su calidad todos los profesionales implicados merecerían serlo y algunos lo llegan a ser después de haberse desarrollado en esta compañía.

Lo anterior dice mucho tanto del profesional de la música como de sus aficionados. Ambos quejándose con cierta frecuencia de la falta de cultura musical. Cultura que son los espectáculos como esta Katia los que la logran crear, fomentar. Porque la concepción de esta Katia ofrece una alternativa real al a la que se pudo ver en el Teatro Real, como lo ofreció en París a la Ópera de la Bastille. Ya que no trata de emular en cuanto a producción, sea a lo clásico o a lo contemporáneo, los planteamientos que los grandes teatros de la ópera están obligados a seguir. Grandes presupuestos que aun recortados por las crisis de los estados, en Europa, o de los grandes mecenas, en Estados Unidos, siguen pidiendo a gritos highlights y repertoire con toda la tramoya y nombres conocidos posibles. Presupuestos en los que los grandes contadores de historias que son los directores de escena actuales suelen no tener mucho éxito artístico. La presión es grande para que nada cambie, si acaso, cambia la tecnología que se usa.

André Engel, el director de escena de esta Katia Kabanova, seguramente es consciente de las limitaciones que las producciones operísticas actuales ofrecen para poder contar. Parafraseando a Anne Bogart, no es otro el interés de los libretistas y de los compositores que sus obras hablen, desvelen preguntas que los argumentos, incluidos los argumentos establecidos sobre las propias composiciones musicales, han ocultado. Seguramente lo que le dio pie a Engel para unirse a los talleres de verano de Ruth Orthmann buscando en los jóvenes interpretes esa necesidad de hablar, de encuentro con el otro, que permitiese quitar el carácter de estándar que muchas canciones, incluso producciones completas, han adquirido en un mundo de reproducciones musicales y conciertos. Esto debe comenzar por los interpretes. Ahora que ya saben cantar, deben aprender a escucharse. ¿Qué me canta el resto del elenco? ¿Qué les tengo que cantar? Dentro de un mundo en el que los artistas implicados en el hecho operístico saben que, como en el teatro no musical, lo importante es recuperar los objetivos por los que los personajes cantan como cantan y eso les exige actuar, interpretar.

Katia Kabanova es fruto de ese taller. Y recupera el trasunto que tanto ha interesado en los tiempos de la novela y de la ópera decimonónicas, el de la mujer con deseos, como Anna Karenina, Madame Bovary o La Regenta. Deseos claramente sexuales, como corresponde al pansexualismo explícito que ha recorrido el mundo occidental desde que Freud los liberase en forma de una potente narrativa basada en los griegos y en el parvenu del lenguaje científico-médico. Una mezcla explosiva y de éxito, como se ha comprobado en todo el siglo XX. Deseos encerrados en un mundo de convenciones sociales que les negaba la vida para ofrecerles una alternativa basada en el matrimonio, la maternidad, el cuidado de la casa, de los hijos y de los ancianos. Un vida de misa diaria en la que solo se puede creer con fe. El pecado de Katia, incluso para su amante, es que Katia no oculte sus deseos, no los viva en silencio. Sino que confiese, lo cuente. Entonces toda la tradición, la misma que canta al amor y suena en las composiciones de Janáĉek, caen sobre ella. Que la sencillez, simpleza, tanto en la escenografía como en la música y el planteamiento, levanten la platea, una platea de entendidos en cómo se deben contar historias, para aplaudir y gritar bravos, habla de la calidad de esta propuesta, que si bien tiene alguna traza o muestra de haber salido de un taller, llega al espectador, profesional o no, para cantarle y recupera lo popular sin ser una reproducción mecánica, de aparato de un canon que se fijó, no se olvide, en el siglo pasado. Un espectáculo para crear cultura musical, esa que pone música a los pensamientos y los sentimientos de los seres humanos. Que acompaña las vidas presentes. Que, independientemente de cuando haya sido escrita, es siempre contemporánea.

La sección Mikrokosmos intenta ser un medio de difusión de las distintas iniciativas formativas, realizadas en Conservatorios y Universidades de nuestro país, donde la música contemporánea y el arte sonoro sean protagonistas. En un momento donde las estéticas más arriesgadas del pasado y del presente están sujetas a las estrecheces del marco institucional, la divulgación de las distintas iniciativas acaecidas en los distintos centros de educación, se convierte en una toma de conciencia de la necesidad de estas felices aventuras, que sólo tienen como fin a formación del alumnado, así como el enriquecimiento del panorama musical.

Iniciamos nuestro camino con el curso para postgraduados de Piano Contemporáneo organizado por el Conservatorio Superior de Música de Aragón, donde se introducirá al alumnado en el repertorio actual, al más alto nivel. Para alcanzar dicho objetivo, se trabajará desde una perspectiva práctica, así como teórica.

La coordinadora de dicho curso, la pianista Lluïsa Espigolé, nos habla de las diferentes iniciativas de similar calado en los cursos de postgrado del mismo Conservatorio, así como de la importancia de dicho curso dentro del panorama nacional:

“Uno de los objetivos fundamentales del Conservatorio Superior de Música de Aragón ha sido y sigue siendo que los estudiantes, al final de su permanencia en el centro, obtengan el nivel de formación imprescindible para afrontar con garantías de éxito una vida profesional altamente competitiva. Los cursos de especialización suponen la posibilidad de profundizar, desde otras perspectivas, en el conocimiento del repertorio y las técnicas específicas de cada especialidad, por medio del contacto con grandes intérpretes y compositores de nivel internacional.

Durante este curso académico también se ofrecen cursos de especialización en composición (los profesores invitados son Beat Furrer, Zygmunt Krauze y Jesús Torres), contrabajo (con Mireia Vendeva, Toni Araque, Mihai Ichim), guitarra (con Ricardo Gallén, Àlex Garrobé, Kostas Tosidis, Marlon Titre), piano (con David Kuyken, Christian Pohl), viola (con David Gaillard, David Quiggle, Joaquín Riquelme, Avri Levitan), violoncello (con Jens Peter Maintz, Laszlo Fenyö, Xavier Gagnepain) y violín (con Friedeman Breuninger, Massimo Quarta, Marie Annick Nicolas, Miguel Borrego).”

Y también nos comenta sobre la importancia de dicha iniciativa dentro del panorama pianístico nacional:

“En los últimos años se han realizado iniciativas similares en nuestro país, aunque con formatos diferentes: han aparecido numerosos núcleos artísticos e iniciativas musicales que acercan la creación y la educación musical contemporáneas al nivel de otros países europeos, aunque todavía queda mucho por hacer. Especialmente en el terreno pedagógico, los contenidos y metodologías didácticas tendrían que encaminarse mucho más al objetivo de mostrar la creación posterior a 1950 como algo no desvinculado de la historia y la evolución de la música. Y por otra parte, en el plano institucional, todavía hoy hay que demostrar el resultado verdadero a largo plazo de estos proyectos, en una situación econonómica, política y social donde las instituciones desgraciadamente piden a menudo un rédito visible a corto plazo.

Me gustaría citar aquí unas palabras de Helmut Lachenmann, que aparecen en el capítulo VII de su libro Musik als existentielle Erfahrung (1996 Breitkopf&Härtel):

“La aproximación a las tendencias música de nuestro tiempo en la enseñanza musical debería ser en el fondo algo realmente obvio (…). El poder expresivo del “Canto Sospeso” de Nono, la apasionante vitalidad de “Gruppen” de Stockhausen, la trascendencia en la situación de escucha durante una audición del “Atlas Eclipticalis” de John Cage:  esto no puede enseñarse, sino que debe ser “transmitido”. Solamente se trata -no importa de qué forma- de crear situaciones que sensibilicen las “antenas” ocultas (y torcidas) de los oyentes y que despierten la consciencia de su propio potencial creativo. (…) La música contemporánea como reino de la experimentación (…), un medio para la propia consciencia, de constantes y nuevos desafíos, que nada tienen que ver con rituales culturales ya fosilizados (…) Nueva música como música vital y como música para la vida: no cabe un mejor posicionamiento ni necesita de una mayor justificación“.

Desde el Conservatorio Superior de Música de Aragón hemos querido contribuir a esta “transmisión” de la música contemporánea de la que Helmut Lachenmann nos habla. Por esto en esta primera edición de los cursos de especialización de piano contemporáneo hemos intentado reunir a cuatro pianistas de trayectoria reconocida internacionalmente, cuatro perfiles que representan el panorama del piano contemporáneo actual, desde el plano nacional e internacional: Ricardo Descalzo, Nicolas Hodges, Alberto Rosado y Yukiko Sugawara.  Además del completo plan de trabajo con estos profesores los cursos de especialización poseen un número de horas de formación complementaria que ofrece el propio centro, que permite a los estudiantes obtener un aprendizaje de calidad contrastada.”

La parte instrumental del curso estará fundamentada en cuatro masterclass, de 1,5 h. cada una, impartidas por pianistas de primer nivel internacional: Nicolas Hodges, Ricardo Descalzo, Alberto Rosado y Yukiko Sugawara.

El capítulo teórico del curso estará dividido en distintas asignaturas grupales. Lenguaje y técnicas de la música contemporánea¸ constará de cuatro encuentros y será impartida por la pianista y coordinadora del curso, Lluïsa Espigolé. Análisis avanzado del S. XX será impartido por el director Nacho de Paz, y se estructurará  también en 4 encuentros. Se cierra la formación teórica con la asistencia a los posgrados de Composición, y trabajo con los compositores invitados (Beat Furrer, Jesús Torres, Zygmunt Krauze).

Sobre la incursión del mundo teórico en el curso, Lluïsa Espigolé comenta:

“Personalmente defiendo que el estudio y análisis del repertorio de los siglos XX y XXI es vital para enfocar cualquier interpretación. El análisis y la comprensión estructural, conceptual y sonora de una obra, juntamente con el estudio de su contexto artístico, político y social, forma parte del mismo proceso donde converge el estudio de los aspectos técnicos instrumentales requeridos, adaptados para una interpretación óptima de cada planteamiento musical… Por esto el curso de especialización está diseñado con asignaturas complementarias como “análisis del s. XX-XXI” y “lenguaje y técnicas de la música contemporánea”, además de actividades como el trabajo conjunto con los compositores invitados este año en los cursos de especialización de composición: Beat Furrer, Zygmunt Krauze y Jesús Torres.”

Algunos datos prácticos

A continuación indicamos algunos datos prácticos sobre el curso, requisitos, pruebas, etc., y recomendamos la descarga de este archivo PDF con la información completa sobre el mismo.

El número de alumnos/as activos se limitará a 10.Los candidatos deben enviar la siguiente documentación para proceder a su selección:

a) Grabación en soporte físico (CD o DVD) o a través de un enlace online (soundcloud, youtube, vimeo, etc) que contenga:
- Una obra del repertorio clásico o romántico.postgrado-piano-contemporaneo-csma
- Una obra del repertorio hasta 1945.
- Una obra del repertorio posterior a 1945.

b) Currículum profesional.

c)  En su caso, entrevista personal con los miembros del departamento, en una fecha y hora que se anunciarán con antelación.

También se abre la posibilidad de asistir como alumno/a oyente (únicamente en las clases de los profesores invitados).

El curso de posgrado en Piano Contemporáneo se realizará de febrero de 2014 a junio de 2014. El importe del curso será para alumnos/as activos 1350 €, aunque también es posible matricularse por sesiones de masterclass, siendo la cuantía con los pianistas invitados de 337,5 € por sesión. Los alumnos/as oyentes pagarán 50 € por seminario. La organización ha diseñado diferentes fórmulas para facilitar el pago: diferentes descuentos, así como el fraccionamiento del importe del curso.

El plazo de inscripción para alumnos oficiales finalizará el 30 de Enero de 2014. Para los alumnos/as oyentes, el plazo concluirá una semana antes del curso-seminario.