Este número de octubre es el último con el formato que el lector está viendo. Se avecinan cambios muy importantes en Sul Ponticello, cambios que afectan al diseño pero, sobre todo, a la dimensión y contenidos de nuestra revista. A partir del número de noviembre la revista se hace “grandota”, acogiendo a más colaboradores y –esto es algo muy relevante- dando cabida a mucha más información y actualidad. Nuevas secciones y recuperación de algunas que ya tuvieron espacio en la II época de la publicación.

Desde luego, no suprimiremos ninguna sección, de modo que las actualmente activas tendrán total continuidad. Como hemos dicho, se trata de incrementar contenidos, por lo que en ningún caso reduciremos. Poco a poco iremos volcando la información del actual formato para que aparezca en el nuevo. Mientras tanto, se accederá a los números anteriores en el formato actual.

En definitiva, decimos adiós a un formato pensado casi en exclusiva para acoger el artículo “de autor” para que éste –en mayor dosis- sea en el nuevo la parte troncal de una revista mucho más completa y con abundante actualidad sobre la música de creación, el arte sonoro, así como todo aquello que huela a indagación y visión de riesgo. Por supuesto, el interés por la relación entre disciplinas seguirá siendo algo que caracterice a Sul Ponticello.

Mientras llega el cambio, disfrutad de este nuevo número otoñal, que viene con interesantes artículos.

Hay serpientes de verano que dan risa y otras que asustan un poco. Una de las de este 2019 ha sido la de las oposiciones en los conservatorios de música. No se sabe por qué razón –salvo la evidencia reptiliana que acabamos de exponer-, los medios generalistas la han tomado con ciertas irregularidades en las oposiciones de este y aquel conservatorio. Y lo denominamos “irregularidades” (entre comillas) para no dar más pábulo a lo que estos medios han considerado que era foco mediático, cual prensa amarilla dedicada a sacar los trapos sucios del famoseo. Con titulares que no dejan lugar a duda sobre la intención de escandalizar, para muestra un botón.

Resulta asombroso porque esos mismos medios no muestran habitualmente ni pizca de interés por conocer –no decimos ya informar- sobre la educación musical en nuestro país. La formación en materia musical (esa que cada vez tiene más calidad en nuestro país) es una completa desconocida hasta que… ¡Voilà!, he aquí que vamos a convertir un asunto que, si bien puede ser controvertido (por cierto, nada nuevo bajo el sol), en motivo de escándalo a nivel nacional.

Obviamente, nadie puede estar en contra de que se destapen escándalos y corruptelas, pero para ello hay que hacer eso que esos mismos medios llaman pomposamente “periodismo de investigación”. Y lo ocurrido este verano con estas noticias sobre las oposiciones de música ha sido de todo menos riguroso. Que si una opositora dice que sabe… Que si un opositor dice que vio… Que si un miembro de tribunal dice que sabe… En definitiva, la seriedad ha brillado por su ausencia y así, si realmente existen cuestiones denunciables, la fuerza se va por la boca. Una boca muy tramposa.

Como siempre, tristemente, esto sólo demuestra el nivel de los periódicos en nuestro país, preocupados únicamente por sus ventas, sus afinidades políticas, sus servidumbres a ciertos poderes y poco más. La cultura, el arte o algo que se le parezca les importa poco menos que un pimiento. Y como los de Padrón, unos pican y otros no.

Hay situaciones que realmente asombran por su profunda carga de absurdo. Pero, al mismo tiempo, sorprende cómo pueden llegar a poner en primer término un aspecto determinado. En el caso que queremos comentar en este editorial de canícula, es el sonido, el sonido de la voz lo que se pone en primer término. Y el caso es el que el lector seguramente ya conocerá (las redes sociales y los medios tradicionales lo han expandido hasta la saciedad, New York Times o The Guardian incluidos): la polémica sobre lo real o no del encuentro con la voz de uno de los mitos del siglo XX, el de Frida Kahlo. Para el que no lo conozca todavía, en este artículo del mexicano Reporte Índigo se describe bastante bien el conflicto.

En resumen, la discusión está en torno a la veracidad de una grabación de Televisa Radio en un programa dedicado a Diego Rivera, grabado en una cinta de carrete abierto, que la Fonoteca Nacional de México hace pública con la voz de Frida Kahlo. A partir de ahí se arma un verdadero revuelo en torno a su timbre: que si es demasiado meloso, que si podría ser así, que si no… Incluso aparece uno de sus alumnos, Guillermo Monroy Becerril, diciendo que él tiene la voz de Frida grabada en la cabeza y no es la de la cinta. Un dato imposible de comprobar científicamente pero que añade un halo de veracidad melancólica en muchos seguidores de la artista. Monroy Becerril declara a EFE que “la primera vez que yo la conocí la registré como una mujer con una voz muy dulce, muy risueña. La oímos en la televisión y me parece que no tiene que ver nada, porque Frida no hablaba así, con esta afectación que yo he escuchado”. Es decir, la voz de la Kahlo no puede ser afectada, el mito de mujer-fuerza empieza a resquebrajarse, a perder fuelle a través de unas hipotéticas cuerdas vocales no correspondientes al modelo que la sociedad se ha formado de la artista. El sufrimiento de una vida especialmente dolorosa llevado a la obra pictórica, la autoridad de quien rechaza, del propio Breton, el término “surrealista”, el símbolo feminista construido alrededor de su figura… Todo parece ser anulado, o al menos, atenuado, por un timbre tirando a dulzón. ¡Qué desastre! ¡La voz del mito no puede ser así! Y si lo era, ¿por qué Frida es menos Frida? Parece un contencioso demasiado severo que, por otro lado, nos muestra cuán poderosa es la imagen sonora de la palabra, hasta qué punto puede incidir en el personaje. Del dictador Franco se recuerda –como una contraposición a la barbarie- su voz atiplada y algo indefensa. ¿Qué hubiera ocurrido si no hubiéramos conocido su voz y ahora nos la hubieran sacado de un archivo fonográfico? ¿Hubiera tenido un efecto sedante respecto a su figura devastadora y asesina? Esperamos que no, pero no nos gustaría verlo, por si acaso (sobre todo ahora, que nuncios vaticanos hablan de él como si no estuviera claro lo que fue).

Las últimas palabras del diario de Frida Kahlo fueron “Espero alegre la salida y espero no volver jamás“. Pues ha vuelto, a través de una posibilidad en forma de voz. Impostora o no, esta vuelta parece de todo menos crítica. El mito se verá afectado o no pero no será en la puesta en juego de su obra artística o de su vida en torno a su obra. Salvo que entendamos –con toda lógica- que su vida y su voz no son cosas separadas, pero en este caso, sigue sin aflorar nada mínimamente interesante que vincule su timbre vocal a la obra. Así, la polémica que ha devuelto a la vida a Frida se antoja demasiado próxima al amarillismo, un amarillismo que, en esta ocasión, se sumerge en las profundidades de la fonografía.

En este vídeo puede escucharse, a partir del minuto 2:20 aproximadamente, el motivo de tanta controversia:

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Es recurrente la frase “hay que perder el miedo a la música clásica”. Si hablamos de música de creación actual o incluso de “clásicos contemporáneos”, el número de referencias crece de una forma poderosa. Revisando artículos de prensa –sólo en el pasado mes- resulta interesante observar cuántos dedican sus titulares a esta idea de una música que da miedo, tópico que se presenta en diferentes formas pero siempre conducido en esa dirección del temor a lo difícil y lo desconocido. Veamos algunos:

El pianista Achúcarro invita a perder el miedo a la música clásica

“Hay música contemporánea maravillosa”

“Hay que quitar el miedo a la música contemporánea y programarla con naturalidad”

Desde luego, en absoluto criticamos en concreto lo que los protagonistas de estos artículos dicen, pero sí cómo se conduce esta idea de arte elitista por parte de los medios, sobre todo los no especializados, que suelen ser los más dados a dar relieve a todo lo que suene a ignorancia. De hecho, llevar al titular esas palabras de Gabriel Erkoreka, por ejemplo, en una entrevista en la que sobre todo se trata su producción musical, es ya bastante llamativo. ¿Por qué vamos a ocultarlo? No, todo lo contrario, hay que darle énfasis, lo que vende, vende.

Si hablamos de música clásico-romántica, podemos pensar todavía en un contexto museístico, en unas formas supervivientes del concierto como acto social. Aunque, dicho sea de paso, esta visión, lejos de perpetuarse, se desvanece cada vez más deprisa. Pero si nos referimos a la música de creación actual, resulta absurdo seguir pensando en fracs y convenciones de rancia herencia burguesa. La realidad es otra, y por muchas razones, la lógica conduce a pensar que un concierto de Alexander Schubert está más cerca del concierto rockero o punk que de un auditorio de “clásica”.

Parece claro entonces que esta categorización de la llamada “música clásica” y, sobre todo, la denominada “contemporánea” se debe más a la necesidad de colocar algo en algún sitio que moleste poco, que no nos haga explicar nada por encima del tópico, no vaya a ser que el lector se confunda y el redactor se disloque varias neuronas en el intento. La música clásica es para gentes de culta alcurnia y debe seguir siendo. Y si no, que lo explique otro.

El pasado 26 de noviembre el Diario de Cádiz publicaba un artículo titulado “La Cátedra Manuel de Falla estrena este año quince nuevas composiciones”. Compartimos la noticia en nuestra página de Facebook y un lector apuntó la incomprensible ausencia de los nombres de los compositores. Ciertamente, el único que aparecía era el de Roberto Sierra, el compositor invitado que actuaba como director del curso. El único, por otro lado, al que no le hace tanta falta la publicidad (aunque esto no es óbice para que se le incluya en la información, evidentemente).

Es posible que nos repitamos, pero creemos que toda denuncia de este tipo está justificada, aun a riesgo de parecer reiterativos. Ya dedicamos otro editorial a algo parecido hace poco más de un año. En ese caso se trataba de Nosferatu que, según una conocida radio comercial, era una obra de Murnau al que la Orquesta Nacional de España había puesto música. José María Sánchez-Verdú era el ausente convidado de piedra en esa ocasión. Ahora lo son nada menos que quince autores. Más sangrante, si cabe, la omisión del Diario de Cádiz, ya que se trata –en general- de compositores jóvenes que encuentran en este tipo de actividades, además de formación y experiencia, una vía para que sus primeras obras se escuchen.

Cierto es que la información no es siempre sencilla de encontrar. Pero para eso están los medios, para encontrarla. Si no, ¿a qué tanta palabrería en torno a los valores del periodismo, a la necesidad de documentarse antes de informar? Es una simple cuestión de interés. En este caso, no era tan difícil, bastaba con ir a la web del Festival de Música de Cádiz (ese dato sí lo indicaban, por tanto lo conocían) y buscar el programa del concierto. Junto con los nombres de todos los intérpretes de Taller Sonoro, el ensemble residente de la Cátedra, aparecían los autores de este año.

Bien, pues que no se diga que hacemos lo mismo. Aquí están los quince ausentes:

Álvaro Pérez Rubio, Antonio Moral Jurado, Armando Ibáñez Fernández, David Antúnez Rodríguez, David Moliner Andrés, Guillermo Sánchez Cos de Suárez, Jorge Ruis Castro, Juan Antonio Godoy Gómez, Juan de Dios Ramírez Higueras, Miguel López León, Nicolás García Bartolomé, Pedro Antonio Rodríguez Cortés, Raúl Montalvá, Sef Albertz, Torcuato Tejada Taustre.

Más los nueve de Taller Sonoro, que también son “gente”:

Jesús Sánchez Valladares (flauta), Camilo Irizo (clarinete), Guillermo Martínez (saxofón), J. Baldomero Llorèns (percusión), Ignacio Torner (piano), Alejandro Tuñón (violín), María del Carmen Coronado (cello), Javier Campaña (electrónica), Esteban Baraviera (técnico de sonido).

John Langshaw Austin, en su Teoría de los actos del habla, proponía que el hecho de enunciar algo o alguien, de nombrarlo, es un acto de relación con el entorno. Y también de compromiso en el acto mismo de la enunciación. Quizá a los redactores y jefes de redacción de estos diarios les convendría leer algo sobre qué significa nombrar. Y, sobre todo, qué significa omitir el nombre. País…

Empezamos nuestro editorial mensual con una mala y una buena noticia al mismo tiempo. Primero, la buena, consecuencia más o menos directa de la mala. Damos la bienvenida a una colaboración estable, con sección propia, la del periodista musical Ismael G. Cabral, responsable de buen número de iniciativas relacionadas con el arte de nuestro tiempo, la música y el arte sonoro muy particularmente pero también otras disciplinas como el cine. Su labor de más de dieciséis años en El Correo de Andalucía o en su programa de radio, ya desaparecido, “Chorro de luz”, son dos ejemplos de buen periodismo cultural.

La mala noticia es la desaparición de El Correo de Andalucía, al menos tal como lo conocíamos. Ismael llevaba allí esta misma sección, Atelier de músicas, que ahora hereda nuestra revista. Y, además del problema laboral que genera a los trabajadores del periódico, es también una muy mala noticia el que desaparezca uno de los pocos diarios que mantenía en plantilla a un periodista musical, gran conocedor del panorama musical-sonoro de nuestro tiempo, algo todavía más raro en el espectro mediático nacional.

Lo cierto es que en un goteo progresivo, casi sin notarlo, la presencia de la música experimental –siempre escasa- ha ido desapareciendo de los medios generalistas hasta quedar en prácticamente cero. Sólo acontecimientos como un esporádico estreno de una ópera en el Teatro Real (tanto mejor si viene precedida por un premio concedido por la fundación de un banco), logra abrir un espacio en estos grandes medios. Ni siquiera la versión digital, que no admite la excusa del gasto en papel, ha permitido incrementar la presencia de la música más nueva. La explicación es clara: no hay periodistas que se ocupen de ello ni intención alguna de que los haya. Y esto es algo verdaderamente muy preocupante y negativo. Las revistas especializadas son imprescindibles pero es necesario también que la música viva esté en los medios de carácter general. Llama la atención que algunos de los que tildan de elitista a la creación contemporánea sean los mismos que la silencian por la vía más fácil: ignorándola.

A Guide to Contemporary Classical Music, como su propio nombre indica, se presenta como una guía de música contemporánea, inscrita en el periódico británico The Guardian. Centrada básicamente en las figuras del panorama musical del siglo XX, esta guía versa en torno al papel que la música experimental ejerció en su momento, y que hoy también inspira a numerosos compositores y aficionados de la música clásica.

Se puede calificar de excepcional la actividad de The Guardian, haciendo hincapié en este tipo de música, ya que no es algo que un periódico generalista suela tratar. Sin embargo, aquí tenemos este interesante recurso. Mientras que en España, esta situación no tiene lugar. Desgraciadamente, no imaginamos a medios como El País o El Mundo con una guía de este tipo. Su propuesta es un claro ejemplo de que hay que continuar en la lucha de dar un papel de vital importancia a lo que es la música, mostrando la idea de que un periódico generalista puede ser el motor principal para su difusión. Sin duda una iniciativa, que podría dar sus frutos dentro del mercado cultural.

La estructura de la guía, en formato blog de autor, consiste en una serie de artículos centrados generalmente en los compositores más relevantes del siglo XX, en los que se habla de su obra, incluyendo ejemplos en vídeo y audio. Al final de cada artículo se indican una serie de enlaces de referencia. El autor, Tom Service, es uno de los colaboradores que escribe habitualmente sobre música en The Guardian.

Vaya por delante que escribimos este editorial con todo el respeto hacia las personas que van a nombrarse. No es el estilo de esta revista ensañarse con nadie y menos después de fallecer. Como se podrá comprobar, no se trata de atacar a estas personas, sino de denunciar algo que los medios generalistas practican demasiado a menudo, y no sólo en el ámbito musical.

Dos fallecimientos se han producido en días consecutivos, la última semana de enero: el de los autores Jesús Gluck y José Ruiz Venegas, ambos compositores inscritos en el contexto de la música de cine y televisión, la publicidad, el pop o de la que un día se llamó (y ahora suena absolutamente viejuno) “canción ligera”. Lo que nos ha sorprendido es la hipócrita denuncia de muchos medios de comunicación al hacerse eco de la noticia. Expresiones como “autores musicales desconocidos”, “injustamente olvidados” y otras joyas de opinión que dan a entender –cuando no lo dicen abiertamente los presentadores de la necrológica- una España que se aleja de sus creadores, de su cultura, abandonando a su suerte al arte que en ella se produce, un arte “escondido” a los ojos y oídos del gran público.  De algo no muy lejano a esto hablamos ya en el editorial del mes pasado, cuando la queja de uno de esos medios se producía a raíz de la cobertura televisiva que se le daba a OT en detrimento de un homenaje a Cecilia, protagonizado por los auténticos servidores del arte patrio, aquellos que se arrogan este calificativo porque tienen la posibilidad de subirse a la tribuna pública a golpe de agencia de comunicación, y al grito de ¡pierden siempre los mismos, aquellos que “guardan más arte, menos intereses comerciales”!

Algo similar ocurre ahora con los dos fallecidos, y vuelve el vértigo al que aludíamos en enero. Por poner un ejemplo, un diario como El Mundo, se permite hablar de José Ruiz Venegas, cuyos grandes logros fueron canciones como La minifalda, Mi carro o Y viva España –escritas para Manolo Escobar- o ¡Se acabó! –para María Jiménez- en estos términos: “Ruiz Venegas, jerezano de 1936, era un intelectual. Un poeta que bebía de las fuentes populares, musicales o literarias, de su tierra.” Vamos, que nadie tuvo en cuenta a este gran pensador, al que se le negó el Príncipe o Princesa de Asturias de las artes o las letras, ni tan siquiera un triste Premio Nacional de Música se dignaron a concederle… ¡Qué injusticia! ¡Qué mal tratamos a nuestra más preciada cultura, aquélla que nos identifica como país! Vergonzoso, así nos va…

Este es el discurso. Si lo trasladamos a otros terrenos, quizá a alguno de los que dirigen las secciones de cultura de esos diarios le suene un poco más rarillo (aunque mucho nos tememos que no sería así): ¿quién firmaría un artículo en un periódico “de prestigio” calificando a María Dueñas o a Carlos Ruiz Zafón como genios de la literatura universal? Desde luego, la idea de establecer un canon que pudiera servir ni de lejos para determinar lo que es o no valioso en el arte es hoy algo difícil de sostener, pero por eso mismo, habría que revolverse contra aquellos que quieren establecerlo de la manera más ramplona sirviéndose de la potente propaganda de la industria cultural.

Y ya, punto final. Prometemos no seguir hablando de esto. Para no aburrir y porque corre el riesgo de convertirse en cantinela quejosa.

Nunca se nos hubiera ocurrido titular un editorial así, con una carcajada, pero es que San Spotify ha hablado y la prensa recoge con promiscuidad la noticia, y sin parpadear: En España se escucha un 30,84% más música clásica que en el resto del mundo. Y como es noticia de agencia y promete cierto éxito periodístico, hala, allá van todos, a ver quién interpreta con una barbaridad más tamaña. Y se quedan tan tranquilos. ¡Pues qué bien! Entonces, todo solucionado. En España, todos tan cultivaditos. ¿No éramos los paletos del barrio? Si esto ocurriera unas décadas atrás, encajaría en el “ya semos europeos”.

Lo más curioso es cómo se presenta la información, con ese halo de veracidad que gusta tanto al periodismo perdiguero actual: “Estos datos, asegura Spotify en un comunicado, demuestran que la música clásica goza de buena salud en España”.

Cuando se ven las listas resultado de la encuesta, la carcajada se hace cada vez más sonora y prolongada. Bach cruza la meta el primero, y en segundo lugar, agárrense… ¡Ludovico Einaudi! Esa figura histórica de la música clásica que vino del frío, como ya comentamos en otro editorial.  Es como si dijeran “Sííí… te lo juro, el cura de mi pueblo es un rockero, escucha Mocedades en sus ratos libres”. Evidentemente, lo que Spotify llama “música clásica” es algo así como los “clásicos populares”, y ahí sí, es posible que España esté entre los primeros. El problema es cuántos “no populares” escuchamos.

¿Qué nos pasa en este país donde toda cultura que no apeste a simpleza es sistemáticamente despreciada y después, haciendo el ridículo, intentamos salvar los muebles? Como si nos diera vergüenza, como si quedara un residuo de conciencia del desastre en algún rincón. ¿Por qué una información estúpida, como la que trae Spotify, no es inmediatamente puesta en cuestión y, enseguida, tachada de ridícula? No es tan difícil, sólo hay que tirar de sencillas encuestas, de aquí y allá (asistencia a conciertos en auditorios y festivales, programas de radio y televisión dedicados a la música clásica, sencillas estadísticas del Ministerio de Cultura…) para ver que el dato es una falacia interesada, vaya usted a saber debida a qué estrategia de venta.

Y es que en España parece que vende igual el “qué paletos somos” que el “no somos tan paletos”. Esto lo saben muy bien los medios, y el amarillismo que llevan dentro no puede contenerse: El Mundo, El Economista, Huffinton Post, Cadena Ser, y así una larga lista, publican la noticia. También es llamativo que alguna revista supuestamente especializada la recoja sin un pestañeo.

Ya fuera de bromas, estas miradas al espejo delatan una situación bastante triste, cuando no patética. Otra cosa para la larga lista del “quizá deberíamos hacérnoslo mirar”.

En un paisaje polar un pianista nos ofrece una pieza compuesta con los residuos del minimalismo más comercial, ya muy próximo al chill out, mientras los cortantes riscos de hielo se desploman majestuosos sobre las frías aguas árticas. Podría ser el anuncio de una colonia o, todavía más plausible, de un after shave. Pero no, se trata de una campaña de Greenpeace para concienciar a la humanidad sobre la necesidad de salvar esta zona del planeta. La música que “acaricia” nuestros oídos media para convertirlo en una imagen amable, de un dramatismo medido y digerible para todos. El márquetin cumple con su objetivo: la imagen y el mensaje superficial quedan prendidos en la retina. No nos cuesta imaginar una cantinela sobrevolando el suave fondo musical: “Ved el desastre, así nos cargamos el planeta”. Es necesario concienciar suavemente, sin sustos, sin crudezas incómodas, no vayamos a provocar rechazo. En un mundo donde cualquier telediario nos lleva, sin solución de continuidad, de las visiones detallistas de terribles atentados a bucólicos paisajes, la imagen estetizada del hielo cayendo sobre un armonioso fondo arpegiado es perfecta para ser fijada en la memoria. La paradoja se diluye y la música cumple, en ese contexto, una función difusora esencial al trasmitir, bajo la afectación y el falso dramatismo, una visión descafeinada de la belleza de lo trágico.

Mientras los medios de todo el mundo nos muestran en sus telediarios estas imágenes como un ejemplo de compromiso de la música con los problemas de su tiempo, cualquier otra noticia sobre el arte contemporáneo que no lleve el envoltorio preciso de lo resultón, se ignora sistemáticamente. Por ejemplo, ¿conocemos algún medio español, no especializado, que se haya hecho eco del fallecimiento de Harry Halbreich, uno de los musicólogos más comprometidos con la música del siglo XX? Y hablamos de medios de nuestro país porque Halbreich se ocupó, entre muchos grandes de la música del siglo pasado, de nuestro prematuramente desaparecido Francisco Guerrero. Lo peor: que nos entre la risa sólo de pensar que un medio generalista pudiera ocuparse de algo así. Triste.

De otro compromiso

Y ya que hemos sacado el asunto del compromiso, aprovechamos este espacio editorial para anunciar la salida de la primera de las dos entregas del dossier TRASHUMANCIAS.15. Como anticipamos en nuestro anterior número, se trata de una recopilación de textos realizados en torno a estos Encuentros Interdisciplinares iniciados el pasado año, que llevaron por título “El arte que podríamos hacer… si el compromiso fuera posible”, y que hicimos girar en torno a la figura de Luigi Nono. Gracias a la colaboración con la revista El Cuaderno, ahora una parte importante de estas reflexiones se publican en formato papel.

Así que saludamos la salida de este número 77 de El Cuaderno, en el que se pueden leer los textos de Miguel Casado, Aurora Conde, David Martín López, Alberto Bernal y Josep Lluís Galiana. En septiembre, más.