Jeannine está sentada en la cafetería de Le Quartz, el centro de arte contemporáneo de Brest, donde examina página por página la agenda y el catálogo del festival Longueur d’Ondes (hablamos de un libro de más de 240 páginas). Con un lápiz, señala cuidadosamente las actividades que no se quiere perder, intentando configurar una especie de “hoja de ruta”. Paul, su compañero, sentado frente a ella, la mira con media sonrisa sin intervenir demasiado. Abrumado por la cantidad de actividades que se suceden al mismo tiempo en distintos espacios, deja que ella organice el plan de acción para los dos. Como ellos, miles de personas que acudieron a Le Quartz marcaban sus catálogos nada más llegar. La diferencia es que Jeannine y Paul son una pareja de octogenarios que jamás ha faltado a ninguna edición del festival desde que se celebrara la primera hace 16 años, en otro recinto mucho más pequeño: “en aquél entonces sólo había sesiones de escucha en el museo”, comentaba Paul.

Y es que todo empezó gracias a un grupo de amigos que, fous de la radio, crearon la asociación Longueur d’Ondes en 2002 y en consecuencia, el festival de la radio et de l’écoute con el mismo nombre, hoy en día gran referente en Francia y en Europa. Este año alcanzaron la cifra de 16.500 asistentes. Es decir, 33.000 orejas atentas durante varios días intensos, del 28 de enero al 3 de febrero, entre estudiantes, productores, investigadores, periodistas, creadores, ingenieros de audio, oyentes… “Me gusta que me cuenten historias, por eso me gusta la radio y por esto estoy aquí” comenta Claude, una de las voluntarias que colabora en el festival.

© Sébastien Durand

Longueur d’Ondes ha logrado apoyos institucionales de prácticamente todo el tejido radiofónico francés y cada vez más reconocimiento internacional. Tuve ocasión de estar (fue mi primera vez) en 2016 y ya me pareció inmenso, tanto en términos de diversidad como en la calidad de la programación. Si apenas tres años después he notado aún más crecimiento, imaginen Jeannine y Paul… Nos encontrábamos casualmente en los pasillos, en la cafetería o en el Hall de Le Quartz (donde luce una gran rayuela dibujada en el suelo de la que hablaré después…). En cada pausa, aprovechábamos para comentar lo que cada uno había visto y escuchado y a lo que queríamos asistir a continuación. Yo estaba allí para presentar un trabajo, la creación sonora Puzzle de Fronteras, que he realizado en co-autoría junto al periodista y productor André Cunha (trabajo recientemente nominado en los premios HearSay International Audio Arts Festival). Puzzle de fronteras fue seleccionado en Brest para una sesión de escucha a pesar de no ser un trabajo cien por cien francófono, algo que sucede de manera un poco excepcional, lo que demuestra que fue recibido con muy buena valoración. Muchas personas estaban allí en relación a su profesión. Pero muchas otras, muchísimas, no se dedicaban a la radio o a la creación sonora, sino al sencillo acto de escuchar (que puede no resultar tan sencillo si no se practica). Jeannine y Paul son excelentes oyentes de radio, y junto a ellos, Le Quartz albergaba muchos otros de muy distintas edades y proveniencias. Tanto es así, que incluso en el primer día de festival, dedicado a los más jóvenes, se programó un radioteatro en directo realizado por niños y adolescentes. Pero no sólo eso: los chavales de un instituto de Poitiers hicieron una obra bilingüe incorporando en su guión la segunda lengua extranjera que estudian en clase (en este caso, el español). Un ejemplo más del uso de la radio como herramienta de aprendizaje y de desarrollo.

© Sébastien Durand

Más tarde, llegaron los talleres temáticos y encuentros para los profesionales: ¿Cómo construir una trama narrativa en documental?, impartido por el premiado realizador Mehdi Ahoudig (Arte Radio);  El arte de la entrevista, por Julien Cernobori (director del podcast sobre personas anónimas Superhéros, en Binge Audio); Elegir los temas de predilección o cómo especializarse, por el documentarista Arnaud Contreras (France Culture); Vestuarios sonoros y realización, por el montador de audio Samuel Hirsch (Arte Radio); ¿Qué es un punto de vista documental? por la documentarista y directora de programas Irène Omélianenko (Radio France) o Cómo montar una radio efímera, nómada y de resistencia, por Antoine Chao (a algunos os sonará mucho su apellido, efectivamente, hijo del periodista gallego Ramón Chao, quien apenas falleció hace unos meses, expatriado en Francia donde se ocupó del servicio de Lenguas Ibéricas en Radio Francia Internacional y padre también del cantante Manu Chao).

© Sébastien Durand

Antoine, que actualmente dirige el programa de reportajes Comme un bruit qui court en France Inter, me contó que hacía unos días había estado grabando en Andalucía una historia sobre Renée Lafont (traductora y periodista francesa, hispanófila, fusilada en 1936). Sus restos están, según testimonios, enterrados en una de las fosas comunes de uno de los cementerios de Córdoba con cientos de republicanos “desaparecidos” durante la guerra. Tanto en Francia como en España, un colectivo de asociaciones lucha para que el cuerpo de Rénée Lafont, símbolo del feminismo y la libertad, sea exhumado y repatriado a Francia. La historia puede escucharse en español aquí:

Situaciones como ésta son corrientes en Brest: no sólo se descubre a raíz de lo que está programado, sino también a raíz de los encuentros, de las conversaciones y de las inquietudes de otros asistentes y profesionales con quienes te cruzas. Hay una apertura al diálogo y al intercambio que cada vez parece más difícil de encontrar. Sin duda, la cultura de escucha y la relación con la radio en Francia es admirable. Jeannine llevaba en su bolso una grabadora Zoom, “me gusta grabar las sesiones, las conferencias y charlas. Después, cuando vuelvo a casa, invito a mis amigas y las escuchamos”. Después nos habló de Murray Schafer y de su libro El Paisaje Sonoro, ya que había asistido a una sesión en la que se proyectaba la película L’Esprit des lieux; un documental de Stéphane Manchematin y Serge Steyer, sobre el fonografista Marc Namblard (a quien recuerdo haber conocido en Valencia, en un ciclo de paisajes sonoros y música experimental que se llamaba VIBRA, hace más de 10 años). Jeannine me despertaba tanta ternura… era como un espejo en el que me podía ver a través del tiempo. “Dès qu’elle voit un bouquin, elle se colle” –desde que ve un libro, se pega a él- bromeaba Paul, observando con complicidad cómo su compañera se entretenía en la librería del festival, de donde tampoco yo me pude despegar durante un buen rato: era un mar de ilustres obras radiofónicas en CD y de publicaciones de autores como René Farabet, Yan Paranthöen, investigadores como Juliette Volcler, Christophe Deleu o periodistas como Jean Lebrun.

Conferencias, coloquios, talleres, audiciones e incluso emisiones de programas en directo construían un laberinto radiofónico en el cual deleitarse y perder la noción del tiempo. El tiempo, ¿qué es, sino la radio, un arte del tiempo? Un arte que puede expresar de tantas maneras diferentes y posibles como las que podamos imaginar. El arte de abrir el micrófono, el arte sutil y político de dar la palabra (esta fue la temática de una de las mesas redondas protagonizadas por periodistas y reporteros experimentados en entrevistas: en una época en que podemos grabarlo todo, ¿puede la palabra en la radio ser múltiple? ¿Cómo conseguir un equilibrio, la empatía, la paciencia, el compromiso? ¿Cómo utilizar el micrófono cuando los fascismos se anuncian?). El arte de investigar y de hacer posible una radio social y de servicio público en todo el territorio, incluso en los lugares más rurales o recónditos, como comentaba la periodista Inès Léraud, quien se instaló en la campiña bretona para una serie de reportajes sobre salud pública y medio ambiente para visibilizar, por ejemplo, las malas prácticas del uso de pesticidas en el sector agrícola de la zona. O el arte del análisis y la escucha, puesto en práctica en el taller de Escucha Crítica de la investigadora y autora Juliette Volcler, que muchos nos perdimos porque en la sala no cabía ni un alfiler… El arte de experimentar e innovar en los formatos: el podcast, cómo no, fue protagonista de varias sesiones. Una de ellas dedicada a los podcasts americanos y a la tendencia de serialización, con Claire Richard, Christophe Deleu y Sebastian Dicenaire, quienes analizaron podcasts de ficción como The Truth (Radiotopia), otros que abordan cuestiones más políticas o sociales como Sandra o Homecoming, o bien, los famosos relatos de intimidad sobre las relaciones sentimentales y sexuales que produce Kaitlin Prest con The Heart y The Shadows.

No podía faltar la experiencia binaural también en Longueur d’Ondes. Las radios cada vez se interesan más por esta tecnología y crean laboratorios de exploración para producir y contar en binaural (RNE lo está haciendo con ficciones sonoras en su Lab). En Brest, Xavier Gibert de RFI Labo y Pascal Rueff, de L’Agence du Verbe, ofrecieron un coloquio sobre las posibilidades estéticas del binaural, llevando la producción más allá de la radio, en forma de instalaciones sonoras y escuchas en distintos espacios. Coordinaron una sesión de escucha de creaciones sonoras, tanto musicales como teatrales y narrativas, en una sala en la que cada una de las sillas disponía de unos auriculares. Un ejercicio de inmersión sonora, íntima e individual debido a la necesidad de usar auriculares para la escucha binaural, pero que en cierto modo se estaba haciendo también en comunidad, en el mismo espacio. No pude escuchar todas las creaciones, así que sólo puedo hablar de la que cerró la sesión, L’Été 1347 , producida por L’Agence du Verbe, una evocación sobre la batalla ocurrida en ese año en La Roche-Derrien, entre la guerra de sucesión por el duque de Bretaña y la guerra de los Cien Años. La narración, guiada por un fantasma, está disponible en francés, inglés y en bretón. El lugar de escucha, la iglesia Sainte-Catherine (donde también se realizó el rodaje) contiene 8 auriculares frente a la vidriera que simboliza la rendición de los franceses. Es una experiencia accesible y gratuita que se encuentra permanentemente disponible durante el horario de apertura de la iglesia.

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Pascal Rueff explora la escritura espacial desde hace más de 20 años. Juega con la poesía de las distancias, las voces cercanas e íntimas, los espacios acústicos que componen un espacio-tiempo casi onírico, tan extraño como creíble. Yo no le recordé en ese momento (mi memoria salta misteriosa y caprichosamente de un espacio a otro, de un tiempo a otro), pero había disfrutado de su trabajo ya en 2011, mientras estuve trabajando en el festival de artes sonoras de Besançon Back to the Trees, un mágico encuentro que se realiza durante una larga noche en pleno bosque (casi como una llamada al mundo de los gnomos y las hadas con intervenciones sonoras en plena naturaleza, una propuesta que aún hoy en día trata de resistir y de consolidarse). En aquel bosque de Le Chailluz, Pascal Rueff presentó ya en binaural una de las más arriesgadas performances que hasta entonces había escuchado, la obra sobre Chernóbil L’Ille de T.

El lado internacional del festival en esta edición estaba dedicado a Italia. Bajo el nombre Focus Italie, la artista de Nápoles Anna Raimondo se encargó de coordinar una serie de audiciones, performances y presentaciones de trabajos de su país natal. Anna Raimondo compartió algunas de sus piezas, como la oda al mar y al mediterráneo “S’il n’y avait pas la mer, il faudrait l’inventer”, compartiendo sesión con el artista Alessandro Bosetti, gran referente en la investigación y la composición musical a partir de las voces y la oralidad de distintas lenguas. En relación al género documental, Daria Corrias (autora y productora del programa Tre Soldi, el espacio para documentales de Rai Radio 3) y Jonathan Zenti (autor freelance, creador del podcast Meat y fundador de MIRP – Meeting of Independent Radio Producers) ofrecieron un recorrido histórico sobre el documental en Italia, que ahora tiene un espacio en la RAI desde hace apenas unos años gracias al impulso de los autores y productores independientes. Porque si las cosas finalmente ocurren, es gracias a las personas que proponen, que abren caminos y que luchan por ellas. De la propuesta italiana, destaca notablemente el reciente trabajo Il Sottosopra, de Gianluza Stazi y Giuseppe Casu, galardonado en 2018 con el Prix Europa y el Prix Italia (está disponible con subtítulos en inglés en Radio Atlas con el título The Upside Down). Cuenta la historia de Silvestro y Manlio, dos hombres diferentes pero con vidas paralelas que se encontraron en 1992 cuando se atrincheraron en la mina San Giovanni durante meses, colocando explosivos en la abertura, evitando su cierre y la lenta desertificación del territorio en ese momento. Años más tarde, después de cerrarse las minas, Manlio y Silvestro vuelven a encontrarse y a visitar los fantasmas de su pasado. Narraciones cálidas y en primera persona, con delicados ambientes y ricas grabaciones de campo de alta calidad sonora acompañan este reencuentro.

Otra de las aportaciones italianas fue la de Marco Stefanelli, productor de radio independiente quien nos habló del desarrollo del proyecto Radio Ghetto, una radio pirata comunitaria actualmente situada en la antigua base militar de Borgo Mezzanone y que difunde la voz de los migrantes y trabajadores del campo del sur de Italia durante la recogida del tomate, con emisiones en francés, inglés, bambara, wolof y numerosas lenguas africanas. Gracias a la red de radios comunitarias italianas, Radio Ghetto se difunde también en otras ciudades del país a pesar de que con las actual tensión migratoria y debido a las expulsiones, atraviesa dificultades para seguir resistiendo.

© Sébastien Durand

Continuando con el foco en el sur, Carola Haupt, comisaria y coordinadora de Radio Papesse en Florencia, junto a la investigadora Elena Biserna (abro un breve paréntesis para recomendar su artículo Soundborderscapes: lending a critical ear to the border), condujeron la sesión de escucha de algunas de las piezas seleccionadas en la última convocatoria de Süden Radio, en colaboración con la plataforma de Grenoble Pratiques d’hospitalité – Plateforme de recherche critique et d’imagination politique. La propuesta de Carola y Elena es una clara defensa del acto de escuchar como forma de resistencia y como práctica de acogida, de hospitalidad y de encuentro con “el otro”.

© Sébastien Durand

Entre las piezas presentadas, escuchamos la desgarradora Yo soy tu, un trabajo del productor venezolano Daniel Bargach Mitre que cuenta la historia de Rosmery Guarita, líder del movimiento boliviano de personas con discapacidad. En 2016, Guarita y otros compañeros decidieron usar sus sillas de ruedas para recorrer los 370 km que separan la ciudad de Cochabamba y La Paz. El objetivo era pedir al gobierno que reconozca a las personas discapacitadas para que, sin posibilidad de encontrar un empleo, puedan recibir un apoyo mensual de 500 bolivianos (alrededor de 70 €). Llegaron a la capital, organizaron una vigilia pública y, durante tres meses, resistieron una represión brutal y constante. La pieza retrata esta lucha de una comunidad que apela inesperadamente su lugar en el espacio público. Otra de las piezas que presentaron más cerca de la exploración musical y la composición mediante sonidos, es 2321657 / al arqām de Youmna Saba. Inspirada en un texto escrito por un niño refugiado de Alepo en un campamento en el Líbano, donde empieza a sentir temor por los números: por el número del campamento, el número de la tienda, el número de su Familia … toda su vida está identificada por números. La pieza toma esos elementos numéricos y, a partir de algunos patrones de música árabe clásica, Youmna Saba compone una secuencia y una sección rítmica que vincula la interpretación de las melodías con ese ciclo numérico: 2321657. Una traducción en términos musicales de esa disonancia de la vida que son las reglas de un campo de refugiados.

© Sébastien Durand

Arte sonoro, radio documental, ficción, periodismo de investigación y también… radio performance. En el teatro del centro de creación Mac Olan, pudimos disfrutar de Tako Tsubo de Fractales Frangynes Radio (FFR), una emisión en directo compuesta por creaciones sonoras y performances de Lenka Luptáková y Chloe Despax. Una divertida experiencia en la que la radio se ve on air en la pista de baile y en multipista. Además, en el gran Hall del primer piso, unas extrañas construcciones invitaban a la escucha individual: la instalación sonora L’Aïon, de Étrange Miroir y Kraken Sérigraphie, un laboratorio de experimentación que reflexiona sobre nuestra percepción del tiempo, sobre el instante, la muerte, la vejez, el amor, la impotencia… La combinación de obras visuales con movimientos cíclicos y una serie de escuchas inmersivas creaban una escenografía mecánica, elíptica e hipnótica. Un proyecto colectivo en el que participaron 17 artistas, entre grafistas, serigrafistas, músicos y realizadores sonoros.

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Todas estas actividades se programaban paralelamente a las sesiones de escucha que se sucedían de forma continuada y a las cuales se podía acceder en cualquier momento (hablamos de más de cien obras programadas). Cada día, desde las 10h y hasta las 19h, sonaba la selección de obras del festival así como alguna programación especial como la propuesta por el Instituto Nacional del Audiovisual (INA), que dedicó una sesión a un conjunto de archivos sonoros de 1969, un curioso viaje en el tiempo a través de entrevistas y debates radiofónicos de aquél año sobre temas como la libertad sexual, los anticonceptivos, Woodstock o las futuras crisis y cambios sociales que por entonces predecían.Las obras premiadas en el festival fueron difundidas por segunda vez durante el último día del festival (puede consultarse el Palmarés en este enlace). Entre ellas, el documental sonoro Traverser les forêts –Atravesar los bosques- realizado por Judith Bordas y Annabelle Brouard (co-producción de RTBF en Bélgica y France Culture). Una preciosa y potente reflexión, sonoramente enigmática (como lo son los bosques…) sobre los espacios que, desde pequeñas, nos son prohibidos a las mujeres: “Desde la infancia, las áreas donde soy invisible, donde no se me puede ver, me han sido prohibidas, las zonas apagadas, los pequeños lagos negros y las distintas sombras de los edificios… lugares que no no eran aconsejados para mí. Los espacios donde nadie podría venir a ayudarme estuvieron prohibidos en mi trayectoria. Es posible que en mi vida no podré nunca cruzar un bosque yo sola “.

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Mencioné antes brevemente la gran rayuela dibujada que luce en el suelo del hall de entrada en Le Quartz. El juego de la rayuela – también conocido como el tejo, el sambori, gioco del mondo, jogo da macaca, règle de la Marelle - simboliza el viaje entre la tierra y el cielo, ese viaje que es la vida. Se cree que el juego está inspirado en La Divina Comedia de Dante Alighieri y en su travesía por distintas esferas y mundos hacia el Paraíso. Volver a ver esa gran rayuela dibujada e intacta fue como volverse a decir “sigamos atravesando mundos y fronteras, sigamos jugando y tirando la piedrita con la punta del zapato”, como apuntaba Julio Cortázar en su Rayuela particular. Y así estamos, en el medio del camino –nel mezzo del cammin di nostra vita...- entre ondas de distintas longitudes, jugando a nuestras propias rayuelas y sintonizándonos unos con otros. En Brest y en cualquier otro lugar.

Hoy, 13 de febrero de 2019, ya sólo me queda decir… ¡Feliz Día Mundial de la Radio!

Laura Romero Vallecabres
Realizadora sonora e investigadora
www.laura-romero.com
lauraromerovall@gmail.com

Hay instituciones que da gusto verlas. Y escucharlas. Una de ellas es la BBC. Sus políticas –a veces cuestionadas- no se puede negar que aciertan en muchas ocasiones. Una de ellas es el archivo sonoro que, todavía en fase beta, abrió la institución pública británica el pasado año y a la que dedicamos este artículo de la sección dedicada a estos menesteres en Sul Ponticello.

Se trata de BBC Sound Effects, un archivo sonoro que contiene más de 16.000 efectos de sonido puestos a disposición del público de la red “con fines personales, educativos o de investigación”. Para fines comerciales, se han trazado otras políticas, de esa manera anglosajona de tratar la información que a algunos puede resultar antipática pero que hay que reconocer que es diáfana. Tendremos acceso a un patrimonio de gran interés que la BBC ha ido recopilando y conservando desde 1920. Es decir, casi un siglo de historia sonora.

Ordenada por categorías –tags sería una mejor definición- y con un potente buscador, los contenidos sonoros pueden ser escuchados y descargados en formato Wav sin necesidad de registro previo. Cada entrada tiene una descripción mínima pero en la mayor parte de los casos suficiente. También es interesante –al menos para aquellos que quieran profundizar más en el uso del archivo, o los que busquen registros muy concretos- un sencillo y didáctico espacio explicativo sobre el uso de metadatos: LOD site.

Sin duda, este recurso de la BBC viene a incrementar las posibilidades del medio –que ya son bastante grandes- para el encuentro con el documento sonoro. No conviene perdérselo.

Es bastante común que los centros de arte e instituciones dedicadas a albergar, promover y difundir contenidos artísticos posean un archivo sonoro que conecta directamente con sus quehaceres y que sirve, entre otras cosas, para dar una visión –desde lo sonoro- de su forma de entender la actividad que desarrollan y de conectar el propio archivo con sus fondos. El del Museo Reina Sofía es un buen ejemplo, también el MACBA barcelonés. Ambos disponen de sendos archivos abiertos a la consulta y escucha online, aunque en el caso del MACBA el archivo de la colección es global –no tiene una segmentación por formatos- y no está pensado para una visita desordenada, sino más bien para quien necesita acceder a un tema o documento concreto desde su herramienta de búsqueda.

En esta ocasión nos hemos interesado por otro archivo online, el de La Casa Encendida, centro de arte de la Fundación Montemadrid. Su archivo sonoro se encuentra en la web de su proyecto radiofónico: La Radio de la Casa, y está planteado como una forma de dejar, en forma sonora, lo que ha ido pasando por el centro:

“La memoria de La Casa Encendida en forma de reflexiones, comentarios, intimidades y pensamiento. Los artistas, escritores, economistas o comisarios, que han pasado por el centro desde su apertura, visitan la radio. Aquí están todas sus voces.”

Categorizado por temas o tags, el archivo sonoro permite búsquedas bastante ajustadas. Los contenidos del archivo están realizados como documentos sonoros con diferentes formatos periodísticos (entrevistas, reportajes, noticias…), y es más difícil encontrar registros que podamos considerar creaciones artísticas (algo que, por ejemplo, sí posee el Museo Reina Sofía).

Recomendamos echar un oído a este interesante archivo que nos dará una visión bastante clara de lo que este centro de arte madrileño propone.

Es difícil encontrar las palabras exactas que expresen el afecto y el respeto que muchos amigos sentíamos por el tristemente fallecido José Manuel Costa. Si no recuerdo mal, le conocí personalmente con ocasión de mi participación en la Feria de Arte Estampa, concretamente en su apartado de arte sonoro llamado Sound In. José Manuel estaba realizando allí mismo uno de sus programas para Vía Límite. Al fin pude encontrarme con él aprovechando la entrevista que me realizó, comprobando lo que tiempo atrás intuí por las redes sociales, el entusiasmo por tu trabajo.

Era un gozo conversar con él sobre arte sonoro, música electrónica, e incluso política. Porque José era una persona muy politizada. Siempre escuchaba los trabajos sonoros que le enviaba, y ahora se me hace raro no poder conocer sus opiniones, o recibir sus consejos sobre mi trabajo, el arte, y la vida. Su repentino fallecimiento tras horas de lucha nos ha dejado muy apenados. Aún cuesta asimilar su muerte. Antes no había podido escribir de forma reposada, y es ahora, pasadas unas semanas, cuando ya fluyen las palabras.

Los que dedicamos parte de nuestro tiempo a esto del arte sonoro, música experimental, o como queráis llamarlo, hemos perdido a nuestro mayor referente.

Era un padre que siempre respaldaba desde el minuto uno nuestros trabajos, al menos así nos sentimos algunos, como auténticos huérfanos. Parte de lo que tenemos de escena o algo parecido a ella comenzó a articularse de forma seria gracias a algunos ciclos, grupos de redes sociales, sellos discográficos, pero principalmente a través de programas como Vía Límite, en cuyas emisiones, además de culturizar a los oyentes con sus programas impecables, aparecían proyectos necesarios de difundir aunque estuvieran alejados del mundillo académico. Era el espaldarazo a nuestras propuestas. El reconocimiento del maestro.

Su muro de facebook está inundado de un infinito drone sónico de respeto y afecto que la gente le está devolviendo en forma de emotivos mensajes. Porque para él la cultura no era algo abstracto, era la suma de las personas que nutrían el arte con sus respectivas obras. Las palabras más repetidas estas últimas semanas en homenaje a Costa son humildad y generosidad, más allá incluso de la significancia de su prestigio como experto y profesional. Un ejemplo, Robin Rimbaud, escribió esto cuando le informé de su fallecimiento: “Maldita sea. Realmente triste leer esto aquí. Fue un tipo fantástico y muy solidario con mi trabajo, especialmente al principio. ¿Cuándo sucedió esto? Odio descubrir tales cosas en línea y especialmente cuando se pierde a una persona tan buena. ¡Lo extrañaré también!”

Es remarcable su apuesta por el arte que no se ve, el que únicamente aporta sonido para algo tan emocionante como la escucha. Espero que algunos tomen nota de ello y no entremos en un auténtico agujero negro orquestado por las artes plásticas. Los que trabajamos con el sonido nos quedamos especialmente rotos y vacíos, pero con la esperanza de que pervivirá en todos nosotros hasta que llegue el último de nuestros días.
Algunos programas que respiraban el mismo aire que Vía Límite (Vericuetos, Llums de Tunguska, el mítico Ars Sonora) han recordado lo importante que fue Costa para esta escena eternamente invertebrada.

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Sintonía de Vía Límite

El crítico de arte, comisario, e incluso DJ, tenía un curriculum increíble. Iba para médico, pero al final se dedicó a al arte. Para conocer mejor su trayectoria os recomiendo el programa que le dedicó su compañero y amigo José Miguel López en Discópolis no hace ni un año, donde se muestra que en cada gran salto adelante cultural en nuestro país, él estuvo siempre ahí, protagonizando y visibilizando esos cambios. De La Movida a la música experimental y el arte sonoro. De sus críticas de arte y música en El País (hizo la primera reseña de Esplendor Geométrico), y su paso por Radio El País, La Luna, Onda 2 Radio, Diario.es, el ya citado Vía Límite, o su último programa (realizado con Abraham Rivera) Retromanía, a colaboraciones en publicaciones de todo tipo, incluidos fanzines (recuerdo con añoranza la publicación Self). José Manuel también fue protagonista en el resurgir vital de la nueva Alemania post muro, como corresponsal en Berlín para el periódico ABC. Después se trasladó a Londres en los tiempos de reclusión del dictador Pinochet, si no me falla la memoria. Desgastaría el teclado si continuara enumerando todo lo destacable en lo profesional de José, pero de su amplio y notorio historial, quiero destacar Vía Límite, ya que marcó un antes y un después mientras existió ese programa radiofónico.

Mostró a los oyentes la música experimental, el arte sonoro de una nueva generación no arraigada en el academicismo y que surgió de la democratización en las formas de composición. Tenía muy buen olfato para descubrir nuevas propuestas, valorando en sentido estricto el sonido como fuente expresiva de primer orden. Y eso es mucho decir. En este sentido, fue un visionario, como casi en todo. Siempre le estaré agradecido por prestar atención a mi trabajo sonoro y valorarlo. También por escuchar mis sesiones de DJ y concederme un par de entrevistas para un blog ya extinto. Recuerdo un pequeño texto que me envió sobre el ruido y que me impresionó. Era para un artículo que escribí sobre centenario de Luigi Russolo. Me impactó porque planteaba lo opuesto a lo que muchos teóricos y expertos afirman sobre el tema: “El ruido pudo y puede liberar de convenciones, pero es esclavo de su época, y este ruido que nos rodea es, casi siempre, el del progreso capitalista, no el de una acción revolucionaria”.

Aunque podría escribir mucho sobre su relación con la música experimental, toda la escena de paisaje sonoro y grabaciones de campo (defendía a capa y espada el gran nivel que había en España), quiero dedicar unas líneas a una faceta no tan conocida por algunos, su pasión por la música de baile, de club en sus diversas variantes, ya que sus gustos eran muy eclécticos: techno, acid house, drum and bass, dub, ambient, illbient, etc.

Su pseudónimo como DJ tiene miga, ya que no solo describió lo que ocurría en la capital alemana, sino que protagonizó y ayudó a constituirse toda una escena electrónica radical surgida de las cenizas de la Guerra Fría. Tal vez por el apellido o el acento, lo desconozco, los alemanes creían que era portugués de ahí el nombre que le adjudicaron en sus andanzas como pinchadiscos: Da Costa, que es como se le conoció en algunos círculos berlineses cuando lo enrolaban para pinchar (en Self publicó algún artículo con ese pseudónimo).

Aunque si no recuerdo mal fue debido a que al apellidarse de Costa, en alemán “von” era algo que les provocaba carcajadas a sus amigos alemanes, así que pasó a ser directamente Da Costa. En sus sesiones no lo hacía nada mal. Desconozco si existe alguna grabación de aquella época, creo que hay alguna cassette circulando, pero de una sesión en una galería de Barcelona.

Recuerdo que en 2014 pinchó en la fiesta organizada por Autoplacer en el Club Paraíso de Madrid, y meses después (noviembre) hizo lo propio en  Murcia para una fiesta de Intonarumori (Cabina Experimental), en Bar Ocio.

Tenía su estilo personal, basado en conceptos de vanguardia donde aunaba en forma de collage diversos tipos de sonidos arriesgados (berlineses y vieneses) con sonidos de dub futurista por debajo de voces de poetas y música concreta. No importaba que adoleciera de cierta técnica. No vamos a decir que pinchara como Jeff Mills o Claude Young, o Dj Pierre (de los que más le gustaban) pero lo importante eran sus selecciones, perfectas, modernas, dignas, contextualizando como nadie lo que sucedía en cada momento. Porque aunque estuviera detrás de unos platos, Costa seguía siendo un intelectual con una cultura inmensa y variada. Es por esto que su falta ha generado tan inmenso vacío. En una ocasión me comentó que era capaz de meter sonidos planeadores a lo Tangerine Dream, ritmos africanos contundentes, ruidos electroacústicos y algunas frases vocales. Menuda suerte vivir en aquel Berlín de principios de los 90, donde además de pinchar, hacía de productor con su amigo Andreas Pieper (miembro de General Magic).

Anécdotas tengo muchas de las numerosas conversaciones que tuve con él, pero la primera que recuerdo se produjo en 2010, cuando nos conocimos. Pensó que yo vivía en Berlín por las burradas enciclopédicas que le soltaba sobre electrónica de club de la Alemania de los noventa. Un día estuvimos conversando largo y tendido sobre aquella estúpida (esa fue su definición) ley británica de 1994 (Criminal Justice Bill) dirigida contra travellers y amigos de las fiestas rave.

Me emocionaba cada vez que me contaba algo sobre los grupos y productores que llegó a conocer. Eran vivencias propias de esas que leemos todos en los libros sobre techno. Míticas sesiones de unos recién llegados productores de Detroit, que si este u otro festival. En fin,  la lista sería interminable. Dejo algunos nombres: Blake Baxter, Spiral Tribe, Tanith (Thomas Andrezak), etc. Casi todo lo que pueden leer en el recomendable libro Klang Der Familie lo vivió (y disfrutó). Creo que la amistad vino de ahí, de esas charlas sobre esta música popular, además de la afinidad por la música experimental y las field recordings. Afortunadamente, José Manuel Costa era uno de los grandes intelectuales sobre arte, y nada proclive a defender algunas de las tesis reaccionarias de Adorno. Ciertamente no importaba el tema a tratar en sus conversaciones porque siempre daba, sin pretenderlo, clases magistrales. Su humildad era verdadera.

Ambos teníamos la idea de que cualquier tipo de música podía ser excelsa. Tenía dudas para elegir a Jeff Mills en 1992 o Tony Conrad en 1995. Y esto decía mucho de su pensamiento sobre la música, y el arte en general.

Disfrutaba con los debates extensos sobre política y techno, porque para él, este género tenía un código aún por descodificar.

Para los que conozcan más al Costa comisario y serio, sepan que disfrutaba como un adolescente con las sesiones y la música del colectivo “guerrillero” Underground Resistance a los que consideraba aún más bestias que Public Enemy, no por mensaje (igualados) sino por intensidad sonora. Una de sus debilidades era el dub, un estilo muy influyente pero que jamás triunfaba. Le apasionaba tanto la música (a pesar de su edad y del recorrido vivido en experiencias) que parecía un niño travieso cuando programó en Retromanía el himno acid I´ve Lost Control de Sleezy D.

Pensándolo bien, lo suyo fue estar siempre en el paritorio de las escenas más arriesgadas que surgieron en los últimos cuarenta años. Y por ello dejó huella más allá de nuestras fronteras. Muchos de los ilustres de la música electrónica surgida en los años noventa le deben mucho. Sellos ahora tan ilustres y prestigiosos como Mego, tuvieron el respaldo inicial de José Manuel Costa. Participaron en una de las primeras ediciones del Sónar gracias a su influencia y contactos. Tras su fallecimiento, informé a algunos de sus amigos músicos en Alemania, pues desconocían la mala noticia. Por este motivo, al pedirles que dedicaran unas palabras a su memoria, no dudaron ni un instante.

Para el recuerdo quedará el viaje relámpago que el músico Justo Bagüeste realizó desde Huesca para asistir al velatorio. Hizo sonar su saxofón, impregnando la sala de música. Todos los que no pudimos acudir a ese tanatorio estuvimos bien representados en Justo.

Ahora quedan para el olvido los proyectos que teníamos hablados en su última visita a Murcia cuando la Asociación Intonarumori pudimos traerle gracias a la generosidad de la Facultades de Bellas Artes y de Educación para que impartiera un par de conferencias a finales de 2017. Fue la última vez que le vi.

El contacto por redes sociales siguió, hasta unos pocos días antes de su fallecimiento. Cuando pensé en escribir algo sobre José Manuel, les propuse a algunos músicos y amigos extranjeros de José si querían dedicarle algunas palabras. Todos aceptaron sin pega alguna. Vitor Joaquim, Robert Henke (Monolake), Robin Rimbaud (Scanner), Peter Rehberg (Mego), y Peter Maibach.

Mis condolencias a su familia, especialmente a Isabel.

Vitor Joaquim: “En el Trendelenburg de 2012 he tuve el gran placer y honor de conocer a José Manuel Costa. Además, he tenido la sensación que nos hemos tornado muy amigos sobretodo por la pasión con la cual mirábamos la música: gustar de oír-la, pensarla y aceptar que hay cosas que no se saben tan bien como se sienten. Tremendo hombre, y profundo conocedor de la música y de su entorno. Una lastima para todos, para los españoles en particular, y para la familia y amigos en especial. Que se haga un Buda, RIP. España y la música están en deuda con José Manuel.“

Peter Rehberg: “José fue el primer periodista internacional en abogar por el trabajo que hicimos con Mego. Estuvo allí desde el comienzo en 1995. Él fue la razón por la que fuimos al Sonar en 1996, que fue nuestra primera salida importante fuera de nuestra base de operaciones.“

Robert Henke: “Descansa en paz, mi querido José Manuel Costa. Gracias por las discusiones, inspiraciones y argumentos sobre arte, música, vida y todo el universo. Gracias por los grandes momentos en Berlín, a principios de la década de 1990, y por todo lo que siguió después. Se te extrañará mucho.“

Robin Rimbaud: “A principios de la década de1990, mi carrera musical apenas comenzaba y tuve el honor de ser invitado a tocar en una de las primeras ediciones de Sónar en Barcelona. Tuvo lugar en una versión mucho más modesta que la de hoy, con una serie de conciertos en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, ​​y estuve encantado de compartir el escenario y el ambiente con muchas personas inspiradoras. Es allí donde conocí a José Manuel, un hombre cuyo entusiasmo por la nueva música era abrumador. ¡Hablamos con entusiasmo sobre la música entre cada acto en vivo!

A medida que pasaban los años y mi carrera se expandía, nuestros caminos se cruzaban con frecuencia cada vez que viajaba, a menudo en las circunstancias más sorprendentes y siempre era un placer sentarme con él y compartir historias de nuevos lanzamientos, nueva música que habíamos escuchado y querido para compartir el uno con el otro. Su actitud cálida y afectuosa era seductora, y hasta el día de hoy recordaré siempre su sonrisa feliz y su gran energía para escuchar nuevos sonidos y formas en nuestro mundo sónico.

Llegaría a Berlín y estaríamos allí, o en un espectáculo en Londres nos encontraríamos, o de repente en algún otro lugar del mundo. ¡Siempre fue una sorpresa alegre! Tal era mi creencia en sus gustos y elecciones musicales que a menudo escuchaba sus programas de radio. Apenas entendía una palabra de español, ¡pero siempre abrazaba la música que programaba! Su presencia será profundamente extrañada.“

Peter Maibach: “La última vez, cuando caímos sobre nuestros cuellos, nos abrazamos felizmente. Fue una visita sorpresa a Berlín para la gran exposición sobre los años 90 en Künstlerhaus Bethanien. Se sentía como todos los 25 años antes, realmente muy bueno, sincero, agradecido y feliz. Pedimos rápidamente un par de copas de champán, que vaciamos con su amada Isabel. Recordamos aquella época impresionante en Berlín, después de la caída del Muro. Un tiempo libre y aparentemente sin fin, con la sensación de que todo era posible para creadores, críticos.

Me diste impulsos, siempre fuiste correcto y verdadero amigo. Siempre has sido inspiración a través de palabra y obra. Antes que nada, tu actitud, tu mirada, tu palabra. Esto era muy importante para mí. Debido también a que no tuviste pretensiones de protagonismo, sin lanzarte al primer plano. Para nosotros, en el círculo de amigos de Berlín eras más que nuestro hombre en Madrid. Periodista, compositor, DJ, amante de la música, del arte. Estabas en todas las venas pulsantes. Le debemos más de lo que está escrito en todos los anales sobre esta década. Todos los que le han conocido saben exactamente lo que quiero decir, y llevarán siempre consigo su mente fresca y crítica. Reverencia y lágrimas. Nunca te olvidaré.”

El Museo radiofónico de la BBC es una suerte de trastero, alcoba, buhardilla online repleta de trastos eléctricos que ilustran la tecnología y el diseño de los aparatos radiofónicos que se vienen construyendo o utilizando en la BBC desde los tiempos de la 2ª Guerra Mundial. La colección del Museo Radiofónico consta de piezas construidas por y para la BBC pero también de otras  que se utilizaron en los estudios y provenían de otros fabricantes.

Este trastero perfectamente ordenado y catalogado supone, en palabras del responsable del blog Martin King, “una celebración viva de algunas innovadoras contribuciones que la BBC ha hecho a la historia de la reproducción de sonido.” Cabe destacar que gran parte de la “vitalidad” de esta exhibición permanente se debe al correcto funcionamiento de las máquinas de las que se habla. Estos sistemas de sonido los han rescatado y restaurado para volver a utilizarlos en la actualidad para lo que se construyeron. Como dice King, “principalmente porque suenan muy bien, excepcionalmente incluso, y por supuesto porque se construyeron para durar.”

Cuando decimos que este trastero está bien ordenado se debe a que sus contenidos están clasificados por diseños acústico de la BBC (interesante ver la evolución de las cajas de absorción de los estudios), diseño sonoro (micrófonos, transformadores), equipos de emisión (amplificadores, altavoces), taller radiofónico, equipos de pruebas y otro apartado para los cacharros no pertenecientes a la BBC. En este último encontramos alguna que otra información curiosa sobre sintetizadores y reverbs. Desgraciadamente, la información de este apartado es idéntica a la del taller radiofónico aunque, según el responsable de este blog, los contenidos del mismo están por ampliarse.

Hay que matizar la organización de este blog pues antes que la propia clasificación, tenemos tres apartados principales: para hacerse socio (lo que desconocemos qué supone), el museo (donde aparecen las últimas entradas del blog por orden cronológico) y el archivo, que aparece como “under construction”. Para facilitar la búsqueda de contenidos la página presenta en su margen derecha un puñado de etiquetas que también muestran qué tipo de asuntos se tratan en el blog. Pinchamos por ejemplo en BBC monitor loudspeakers y nos encontramos con la imagen y descripción de un altavoz OB type 9, que no es otra cosa que un altavoz de un vatio con una membrana de ocho pulgadas.

El blog en cuestión es interesante por lo concreto y técnico de lo que se muestra. El interés también reside en su dimensión histórica y de memorabilia y que, de alguna manera, los contenidos del blog están destinadas a incrementarse de manera colectiva. Es probable que esto sirva de inspiración para el homólogo español de Martin King, o algún otro friki capaz de esto, para hacer lo mismo con Radio Televisión Española.

De Tonamel: The cristal baschet. CC BY 2.0

El universo expansivo y difuminado de lo que denominamos como arte sonoro en España, puede dar para muchos artículos, ensayos, conferencias.  Pero en esta ocasión  hemos abordado el universo de lo sonoro,  en todas sus variantes artísticas,  a través de una entrevista. Hemos tenido la suerte de poder conversar con José Manuel Costa, uno de los más duchos conocedores de las aristas del sonido y los terrenos fronterizos de lo auditivo como experiencia menos lúdica. Si se hicieran pintadas en vagones de metro con su curriculum vitae, necesitaremos más kilómetros que el metro de Moscú y Nueva York juntos. Pero tranquilos, aquí tienen solo algunas pinceladas: comisario enfrascado en mil proyectos (MediaLab, La Casa Encendida, LABoral), director de programas radiofónicos como Vía Límite (Radio Clásica de RNE) o  Retromanía (Radio 3), crítico de música especializada en varios periódicos de tirada nacional, El País, ABC, revistas míticas como La Luna o El viejo topo, y actualmente en el Diario.es.

Tras esta introducción oficiosa, estilo burocracia ministerial, pasamos directamente a lo que nos interesa realmente, las respuestas del protagonista a una serie de preguntas sobre el estado del arte sonoro en España. Con el fin de ampliar el número de tímpanos por metro cuadrado inmersos en este mundo cercano a los acúfenos y el zumbar en general, vamos a continuar con el intento (en la medida de lo posible) de desligar arte sonoro y cultura museística-elitista, porque, estimados lectores, en lo concerniente a los sonidos, el ruido no solo es bello, es del pueblo; y por tanto, hay que trabajar para desterrar las palabras minoritarias  y elitistas como conceptos endogámicos en lo concerniente a este mundo burbuja. J. M. Costa es uno de esos trabajadores infatigables, y le agradecemos su tiempo para intentar aclarar, o hacernos reflexionar críticamente sobre el arte sonoro en general.

Sergio Sánchez: Esto del Arte Sonoro es un cajón desastre.  ¿Cuál es el estado de la cuestión?

José Manuel Costa: El Arte Sonoro es algo tan intuitivo y directo como difícil de acotar. De hecho, ni a nivel general ni en el particular de España se ha podido encontrar una definición unívoca. Esto, que puede ser una pesadilla para los académicos, ha supuesto un factor de libertad para los artistas y el mismo Arte Sonoro. En efecto, sin normas ni cánones establecidos, el Arte Sonoro puede adoptar cualquier forma, perseguir cualquier intención o ser vivido por el visitante de forma mucho más inmediata.

Grosso modo, Arte Sonoro es Arte que suena. Esto incluye escultura sonora, instalación, creación de arquitecturas acústicas, performance, paisajes sonoros, experimentos acústicos… El Arte Sonoro permite enfrentarse a cada obra superando el estupor que muchas veces genera el Arte Contemporáneo. El visitante es capaz, sin mayores problemas, de establecer una relación (incluso de causa-efecto) entre lo que ve y lo que escucha y esto genera una pequeña plataforma de seguridad, una especie de efecto ¡ajá! que permite adentrarse en la experiencia sin preocuparse demasiado por un funesto “no entiendo”.

S.S.: ¿Podrías describirnos un posible mapa sobre la escena española?

J.M.C: En España ha habido Arte Sonoro desde muy pronto, desde los años setenta. Y no malo. Pero es difícil hablar de una tradición. Aunque, eso sí, tengamos un hombre-tradición cómo Llorenç Barber,  que ha descrito bien un complejo torbellino en el libro La mosca tras la oreja, ya recomendado por Miguel Álvarez Fernández.

Hasta época muy reciente, no más de diez años, no ha habido instituciones, sean universitarias, artísticas (visuales) o musicales que se interesaran estructuralmente por la cuestión. Eso sí, ha existido el trabajo de artistas, profesores y agitadores cuya labor ha permitido que lleguemos hasta aquí en unas condiciones medio decentes. No estamos demasiado mal, dado un nivel de desarrollo cultural que ha impedido la realización de muchos proyectos. Proyectos que, o bien han tenido que ser abandonados o han tenido que realizarse fuera de nuestro país. Solo con la aparición de los nuevos Centros de Arte Contemporáneo o iniciativas independientes como Sensxperiment o In Sonora (p.e.), el Arte Sonoro en España ha podido alcanzar una modesta pero continua presencia que incluso ha llegado a algunas galerías privadas.

S.S.: Problemas  del Arte Sonoro en España. La dictadura de lo visual.

J.M.C.: El Arte Sonoro no aspira a ser hegemónico, ni siquiera mayoritario. No es ni un movimiento ni una moda. Simplemente devuelve un elemento, el sonido, a un Arte demasiado focalizado en lo visual, incluso aunque fuera conceptual. Y lo hace porque la tecnología (altavoces, transmisores, reproductores…), a partir de los años 60 del siglo XX, lo permite. De hecho, hemos llegado hace mucho a una situación en la cual la ubicuidad de lo sonoro destroza ese antiguo mito sobre la “primacía de lo visual” en nuestro tiempo.

Básicamente, el Arte Sonoro es solo una posibilidad entre las muchas que han traído lo que suele conocerse como Nuevas Prácticas Artísticas que, en mayor o menor medida, tienen relación con tecnologías que han venido desarrollándose y refinándose desde finales del XIX.

No es cosa de llorar sobre el apoyo institucional. No ha habido mucho, pero lo ha habido y se han producido buenas exposiciones (Tabakalera Soinua, ARTe SONoro, Dimensión Sonora, MASE…). Por supuesto, siempre son pocas, pero eso mismo pueden decir muchos otros sectores artísticos y no-artísticos. En cuanto a la educación, baste recordar que España es el país europeo con más baja educación musical. Y eso sí influye.

S.S.: ¿Subvención versus Autogestión?

J.M.C.: La autogestión no solo tiene que ver con querer. Es fácil un grado de autogestión si existen posibilidades sociales. Que van desde locales accesibles y baratos a cómo pueden sobrevivir los implicados. En unas condiciones como las madrileñas o barcelonesas y supongo que en otras partes, podría hablarse en todo caso de autogestión a tiempo parcial. De todas formas, la subvención debería ser un factor secundario aunque en lo absoluto rechazable. Si hay subvención, genial, el proyecto se afronta con mejores medios. Si no hay subvención, pues se hace de todas formas. Rebajando complejidades y aportando más cada individuo.

S.S.: Características propias del arte sonoro en España. ¿A remolque de Europa? ¿Debemos mirar más a los países latinoamericanos y menos a Europa?

J.M.C.: El Arte Sonoro tiene dos polos principales: Norteamérica (USA y Canadá) y Europa (sobre todo Alemania) que también son dos escuelas de pensamiento. Es lo que hay, pero no impide que cada cual piense por su cuenta. Tampoco es que en Latinoamerica parezca haber una actividad inusitada. Hay mucha música experimental, por supuesto, pero los “artistas sonoros” que conozco viven o vivían en Europa.

De todas formas, no creo que haya que buscar una gran originalidad. Por un lado no existe un lenguaje dominante en el Arte Sonoro, pero si algunas direcciones genéricas de carácter absolutamente trans-nacional y que puede utilizar cualquiera. Por otro lado, hay trabajos tan apegados a su entorno, que resaltar una particularidad sería casi redundante. El paseo con binaurales por Gijón realizado por Escoitar es un buen ejemplo: La experiencia tiene pleno sentido cuando haces el paseo real. Pero si lo escuchas en casa, se habrá transformado en un documento. Que, de todas formas, sería de una ciudad, de un lugar  concreto.

S.S.: Festivales y ciclos principales en nuestro país.

J.M.C.: ¿?

S.S.: ¿Textos  o libros fundamentales que recomendarías para comprender y conocer el arte sonoro?

J.M.C.: Bueno, yo soy bastante de la escuela alemana, que, curiosamente, es bastante más abierta que la americana. De modo que debo referirme a un libro en alemán, el catálogo de la mejor exposición-evento realizada sobre Arte Sonoro: Sonambiente (Berlín, 1996).

S.S.: Electroacústica y/o  Arte Sonoro. ¿Ruptura generacional? ¿Desconocimiento del pasado? ¿Herencia?

J.M.C.: Llegados a esta octava pregunta, debo aclarar algo. Hablo aquí de Arte Sonoro en sentido estrecho, por muy amplio que lo haya descrito. No toda la producción de la música experimental electrónica, que va de la pista del baile al ruidismo más extremo, es Arte Sonoro. Arte Sonoro sería aquello que posee una componente visual o espacial junto al puro sonido.

Pero respondiendo a la pregunta: la electroacústica, en términos generales, esta más anquilosada en Europa que muchas investigaciones instrumentales. Hay obras estupendas, pero no se trata de eso. Es una fórmula, cómo tantas ha habido en la historia. La nueva música no-académica, electrónica o no, ha encontrado el terreno casi desierto y ha podido evolucionar. También hay fórmulas, claro, pero al menos hay muchas.

S.S.: Corrientes del arte sonoro (fonografía, ruidismo, abstracción, instalaciones…)

J.M. Costa: De todo hay en la viña del señor. No veo una dominante sino muchos caminos más o menos transitados. Pero aprovecho para decir que el nivel y amplitud (paisajes sonoros, si se quiere) de la fonografía en España es un fenómeno de lo más notable.

S.S.: ¿Encuentras diferencias notorias entre los que provienen de Bellas Artes, del Conservatorio, o de los que son autodidactas?

J.M.C.: La verdad es que no me fijo mucho. Creo que alguien que empezó a hacer música directamente con el ordenador, puede ser un virtuoso de ese medio, no hay más que pensar en Autechre. Pero está bien estudiar, ¿por qué no? Se aprenden herramientas valiosas allí. Lo que hay que hacer es sacarlas de ese contexto y ponerlas a funcionar en lugares más animados. Lo que sí tengo comprobado es que resulta muy complicado saber cuándo el autor de un trabajo (hablo de Música Experimental ahora), tiene una base académica o no. No parece muy relevante.

S.S.: Existe un auténtico auge en estos últimos años: mapas sonoros o talleres.  ¿A qué se debe este interés?

J.M.C.: No tengo todavía una respuesta acabada. Los artistas españoles han entrado en el paisaje sonoro con verdadera furia y, cómo adelantaba antes, a un nivel de calidad superior. Es posible que esto tenga alguna relación con el hecho de que en nuestro país la naturaleza (denominación a debatir) es muy próxima y aún se producen sonidos artificiales (ídem) antiguos que desaparecieron de otros lugares hace mucho. Por otra parte, digámoslo, cualquiera puede en principio grabar ambientes sonoros y luego montarlos en un editor freeware. Posiblemente obedezca a un fenómeno similar a la fotografía universal.

La fonografía tiene una doble componente de concreción: por un lado se trabaja con sonidos concretos, por otro con sonidos específicos de un lugar. Y, según parece, tenemos lugares muy atractivos. ¿Es raro que la primera teorización del soundscape venga de Canadá, un país de espacios aún más abiertos que España?

Es posible asimismo que esta sea una forma, casi inconsciente, de preservar unos signos de identidad en peligro. O simplemente llamar la atención sobre el universo sonoro en el cual vivimos. Pero no lo tengo claro.

S.S.: ¿El camino a seguir?

J.M.C.: Ni idea. Pienso que son los artistas quienes marcan el camino. La teorización solo puede venir después. En lo que es Arte Sonoro en sentido estrecho, cada cual parece seguir un camino propio. En música experimental o en fonografía sí que hay prácticas más definidas e incluso al borde de la inmovilidad. El noise-drone, por poner un ejemplo. Pero lo mismo podría decirse de mucha música de baile electrónica (no confundir con la americana EDM) o ambient. Por suerte, los artistas suelen encontrar alternativas, incluso aunque al principio no lo parezcan. No es nuevo, el “Pink Flag” de Wire, (punk aún más anfetaminado) no permitía deducir como una evidencia la evolución y el significado posteriores del grupo.

En esta ocasión presentamos The Free Music Archive, una fonoteca interactiva creada por la radio norteamericana WFMU en 2009. En ella podemos encontrar música de todo tipo e incluso descargarla en formato MP3, ya que cuenta con la licencia de copyright de muchas de ellas a través de acuerdos directos con los propios músicos.

Se trata de un archivo realizado por expertos en materia musical, en la que participan e interactúan a modo de red social radios, prensa especializada, colectivos de artistas, museos o festivales de música. Además es una página en la que todo el mundo es bienvenido, ya que no precisa de ningún registro obligatorio, aunque existe esa opción para el que quiera participar de una forma más activa.

La página cuenta con un buscador en el que podemos buscar artistas, títulos o nombres de álbumes, además dentro de cada artista podemos ver su discografía, su página web, en el caso de los grupos conocer los integrantes que lo forman, visualizar las fechas de su futura gira o incluso hacer donaciones vía Paypal si nos gusta lo que estamos escuchando. La plataforma cuenta además con un menú en el que podemos navegar por distintos géneros, en los que encontramos Blues, Classical, Country, Electronic, Experimental, Folk, Hip-Hop, International, Instrumental, Jazz, Historic, Pop, Rock, Soul RnB y Spoken. Como se puede apreciar, la oferta es extensa y se mueve en gran medida dentro del ámbito de la música popular, y en muchos casos de la escena más alternativa y emergente. En la categoría Experimental, la más afin con los contenidos que competen a nuestra publicación, existe una subdivisión que puede ser interesante: Avant-Garde, Drone, Electroacoustic, Field Recordings, Improv, Minimalism, Musique Concrete, Noise, Sound Art, Sound Collage, Sound Poetry…

Por otro lado, podemos ver las diferentes listas, según la cantidad de reproducciones de la última semana, el último mes y las más reproducidas desde que se creo la plataforma.

En definitiva, pensamos que es un archivo de gran atractivo para todo aquel que quiera sumergirse en la escena alternativa y emergente de cualquier tipo de género. Por último, recordar que para llegar a todos los rincones, The Free Music Archive cuenta con aplicaciones móvil para iPhone y Android, de forma totalmente gratuita.

Termina el año. Un año en el que, de nuevo (y cada vez la novedad es menor), hemos podido constatar que el tejido de la cultura más experimental de nuestro país se hace casi sin soporte público, sostenida casi unicamente gracias al compromiso de muchos. Pero no nos quejaremos más de los males que nos aquejan. Nos parece importante señalar el problema pero, en la medida de lo posible, evitar la queja constante, la cantinela que ya se muestra ineficaz e incluso un tanto perniciosa. Y, por supuesto, vemos como un imperativo que el debate sobre lo que nos pasa no decaiga un ápice. Todo lo contrario, se impone salir de algunos bucles que aparecen ya como improductivos (por poner un ejemplo, el “subvención pública si, subvención pública no”) para ir trazando vías de salida, grietas por donde empiece a verse, al menos, un hilo de luz.

El caso es que el nuevo año no augura nada muy diferente. En el plano político las cosas no pueden ser más tristes y suenan a chiste algunos rumores que se han escuchado los últimos días de noviembre como objetivos de gobierno: anuncio de nueva Ley de Mecenazgo, bajada del IVA cultural en determinados ámbitos, Estatuto del artista… En definitiva, las mismas promesas incumplidas una y otra vez, de nuevo sobre la mesa. La mesa de un país que necesita una renovación en todo, pero en la política cultural, una verdadera política, algo que da la impresión de que no hemos tenido nunca. Aun así, no desfallezcamos, la esperanza es lo último que se pierde.

TRASHUMANCIAS.16: Utopía y creación radiofónica

En nuestro editorial de junio hablamos de de qué manera queríamos enfrentar en siguientes ediciones el proyecto TRASHUMANCIAS Encuentros Interdisciplinares, como una iniciativa cambiante, formulando cada año una propuesta muy diferente al anterior. Si la edición de 2015 fue planteada como un ciclo de actividades multidisciplinares, con la conmemoración de los 25 años de la muerte de Luigi Nono como punto de partida para hablar del compromiso en el arte, la de este año ha tenido un carácter muy diferente. En esta ocasión, hemos tomado el quinto centenario de la publicación de Utopia, de Tomás Moro, como temática, encargando cuatro obras radiofónicas a diferentes compositores y artistas sonoros, trabajadas desde otras tantas ópticas en torno a lo utópico. Por tanto, podríamos decir que el formato de TRASHUMANCIAS.16 se ha centrado exclusivamente en el acto creativo: producir nuevas obras y difundirlas, a partir de unas premisas estructuradas en torno a la temática.

Las obras resultantes serán estrenadas próximamente en el programa La Casa del Sonido de Radio Clásica. Las diferentes ópticas a las que hacíamos referencia son: el pensamiento teórico, sugerido por Ernst Bloch, uno de los filósofos que más han trabajado lo utópico, pieza encargada al artista sonoro mexicano Zael Ortega; el relato, la narración descriptiva, trabajando sobre fragmentos de Utopía de Tomás Moro, realizada por el compositor Adolfo Núñez; el plano poético, a partir de El pequeño libro de la subversión fuera de sospecha de Edmond Jabès, obra encargada a la compositora Diana Pérez Custodio; y la utopía como hecho, como tentativa real, pieza realizada por la poeta Pilar Martín Gila y el compositor Sergio Blardony sobre una crónica de Louise Michel referida al Ejercito de las Mujeres en la Comuna de París.

Sólo nos queda desear una buenas uvas y mejor arranque de año a nuestros lectores. Y dadas las actuales circunstancias políticas, aun recomendando alguna moderación, recordar la antológica exclamación de nuestro más alto gobernante: ¡Viva el vino!

• Ficha completa del programa en la web de Doble Fondo

El pasado 28 de noviembre de 2015, el programa dirigido por José Luis Carles La Casa del Sonido de Radio Clásica (Radio Nacional de España) emitió una serie de tres creaciones radiofónicas de Doble Fondo que trabajaban sobre textos de Paul Celan. En este espacio de Sul Ponticello iremos publicando cada una de las piezas de la serie.

Mr. Nobody se basa en una pieza teatral muy breve, de Paul Celan, una extraña obra en la que, el montaje radiofónico indaga en torno a la noción de lo extraño, lo extranjero. Los actores Jesús Barranco y Lola Manzano prestan sus voces para esta creación.

En el podcast de Radio Clásica puede escucharse el programa completo, con una entrevista a los autores.

Créditos

Texto: Breve obra de teatro de Paul Celán.
Traducción:  José Luis Gómez Toré.
Idea y guión: Pilar Martín Gila.
Parte sonora y musical: Sergio Blardony.
Actores: Jesús Barranco y Lola Manzano.

La Radio del Museo Reina Sofía (RRS) tiene como objetivo “ampliar, complementar, investigar y contextualizar” lo que sucede dentro del Museo a través del uso del sonido. Para ello ofrece una colección de cápsulas de audio contenidas en cuatro canales distintos. Cada uno de estos canales explora distintas facetas del museo: Inaudible (exposiciones temporales y ciclos de cine y audiovisuales), Redes (proyectos de investigación que tienen lugar en el museo, Contextos (colección e historia) y Procesos (experimentación sonora).

El proyecto es posible gracias al esfuerzo del equipo y colaboradores que llevan trabajando en esta idea desde 2011. Entrevistamos en este artículo a José Luis Espejo, uno de los intengranse del equipo que forma RRS.

Lo primero que llama la atención al pulsar play es la utilización del elemento sonoro. El sonido es en esta radio un medio importante que sirve tanto para producir discursos como para cuestionarlos y fragmentarlos. Incluso en algunas de las cápsulas, sobre todo aquellas que cuentan con el testimonio de personalidades relevantes del arte contemporáneo, se superponen distintos planos sonoros: el discurso vococentrista y/o verbocentrista y la dimensión más tímbrica de la exploración experimental. Es una forma de añadir fuerza mediante la aglutinación de las especifidades de cada uno de los planos y una manera de presentarlos en una relación de igualdad.

Marta Sancho: ¿Qué cualidades específicas hay en lo sonoro? ¿Cuál es el poder del discurso sonoro para utilizarlo como forma de vehicular estas ampliaciones y comentarios a lo que sucede en el museo y que lo distingue de otras formas de expresión? ¿Por qué el sonido?

José Luis Espejo: Hola. Bueno, primero gracias a Sul Ponticello, por darnos este espacio y gracias a Marta, a quien he conocido recientemente, por su trabajo en esta entrevista. Gracias por el tiempo y por la escucha. Habéis propuesto una entrevista bastante compleja, así que voy a intentar ser claro, pero no se si voy a conseguirlo.

A ver ¿Por qué el sonido? Bueno, la escucha es la primera forma de aprendizaje del discurso. Escuchando interiorizamos el lenguaje y aprendemos. Escuchar a los artistas, comisarios, conservadores o educadores que trabajan en un museo también es importante para entender las propuestas conceptuales y visuales que aportan. Muchas veces la presencia visual se complementa con las palabras. No siempre, hay que decirlo. No todas las personas tienen mucho de qué hablar, aunque tengan mucho que decir.

Ahora ¿Cuál es el poder del discurso sonoro? Supongamos que tenemos a un lector, que, además mira y oye, y que comprende las palabras que le decimos de manera unívoca. “Esto es una silla” (si nos ponemos conceptuales) “Esto no es una pipa” (si nos ponemos más surrealistas o filosóficos) o “Esto es así” (sin más). Las letras están pensadas para mantener esa frase lo más unívoca posible; luego tenemos la puntuación claro, que, por cierto, fue una de las herramientas para que, desde el siglo IV en el contexto europeo, se dejase de leer en voz alta. Antes de la puntuación, las palabras sonaban cuando se leían. Pero no nos distraigamos. Asumamos que las palabras escritas mantienen el sentido bastante intacto si sabemos la puntuación y el idioma en que están escritas. El discurso propuesto en imágenes, sin embargo, está cargado de significados contextuales y culturales relatados por la forma. El discurso hablado y escuchado, está también cargado de significados. Están, por una parte, todos los significados que hay entre quien habla y quien finalmente escucha; aquí entraría la especificidad del medio, la edición digital o la naturaleza del micrófono. Lo frecuente, evidentemente, es invisibilizar, o más bien insonorizar, esta serie de contextos tecnológicos para mantener lo unívoco en el discurso, como lo hacen las letras de las que hablábamos hace poco. Podríamos decir, pronto y mal, que cuanto más sonorizamos subjetivamente estos contextos, más estilo ensayístico o artístico se le pone a una cápsula. Pero supongamos que se transmite cierta univocidad para, como sugerís en la pregunta, centrarnos en los comentarios mismos. Aquí responderé a vuestra pregunta ¿Qué cualidades específicas hay en lo sonoro? Pues bien, estos comentarios vienen expresados por una voz. Esta voz tiene, sobre todo, un tono y un timbre, porque el volumen y la duración ya nos encargamos de manipularlo. Ese tono y ese timbre nos dan muchos datos sobre la identidad de quien habla, de cómo habla, de qué quiere decir exactamente. Muchas veces se busca la univocidad en la edición para resaltar las cualidades propias de la voz y lo que esta tiene que añadir al discurso verbal. Aquí entra el tono de la voz, esto es básico para transmitir el entusiasmo con que algunas personas hablan y discuten sus opiniones y su trabajo. La palabra resuena en la laringe y en el lugar del que escucha, y toda la carga subjetiva de ese resonar, lo transmite la grabación de una manera particular y distinta a como lo hace la letra y la imagen. En ese resonar, la voz, casi como cuerpo, tiene la capacidad de definirse, sin decir ninguna palabra concreta, como un yo.

MS: Esta forma tan interesante de organizar el discurso –fragmentándolo en cuatro canales y urdiendo una compleja red que va desde la experimentación sonora hasta la voluntad de comunicación a través de la radio, pasando por la inclusión de múltiples voces y discursos- podría dar pie a una lectura más política del proyecto. No sólo por una cuestión de deconstrucción del discurso para erigir nuevos relatos más profundos y complejos, sino también por la utilización de los medios digitales y su accesibilidad. La ruptura con la forma tradicional del discurso, la superposición de relatos, sonidos y voces puede servir para generar nuevas realidades y significados y podrían ser la base para pensar(se) desde nuevas perspectivas. ¿Descansa vuestra propuesta sobre un compromiso político o es una cuestión meramente formal y de investigación artística?

JLE: Bueno, todo trabajo, nos guste o no, es político. Otra cosa es que pretenda serlo. En este caso en particular, es algo más complejo. La radio es parte de una web que es parte de un museo. RRS se ocupa de aspectos muy específicos de algunas de las líneas desarrolladas por el Reina Sofía y elabora otros propios. Como he tratado de responder en la pregunta anterior, el uso de la tecnología sonora, al menos por mi parte, no es muy distinto al uso que hacemos habitualmente del teclado, del lápiz, la regla o el libro. En cuanto a la deconstrucción y fragmentación del discurso comisarial del museo a través del sonido… bueno ¡Eso son palabras mayores! Es importante saber las limitaciones de cada cual, aprender y querer aportar construyendo, juntando, antes que separando. Que no se me entienda mal, no defiendo la falta de crítica, pero creo que en RRS hemos avanzado más conciliando con otros discursos a la vez que intentamos producir uno propio. Algo que, me temo, otra persona tendrá que leer y valorar.

Por otra parte, y respondiendo sólo por mí, en mi trabajo, tanto en la programación como en la realización de cápsulas, aspiro a contextualizar siempre desde el contexto político del arte y el sonido.

MS: ¿Es la accesibilidad de la red una forma de popularización del arte y como tal se está utilizando?

JLE: Esto es complejo. Desde luego permite la posibilidad de que más personas escuchen hablar sobre cosas que no pueden visitar. Pero, como hemos visto, la accesibilidad, en sí misma, no ayuda necesariamente a que algo sea más conocido ni mejor comprendido. Nosotras trabajamos en el contexto de un museo muy grande, con un departamento de prensa, comunicación, patrocinios, etc. La radio puede hablar de aspectos más concretos y detallados que estos órganos de difusión, pensados, precisamente, en términos de popularización. Creo que estamos más cerca de otros proyectos del museo como Carta, con quien compartimos faldón en la web del museo, o, para entendernos, con un proyecto concreto y estable de un departamento de publicaciones. Vaya, que somos poco pop.

Luego podríamos hablar de cómo nos servimos de la red para trabajar. Esto es un tema en sí mismo que responderé con una cita.

MS: En la descripción de esta radio podemos ver que las cápsulas complementan, analizan y amplían la vida del Museo. Existe, pues, una realidad visual palpable que puede visitarse en el Museo. Vuestra radio añade un discurso intangible a esa realidad. Quienes visiten el Museo Reina Sofía y, además, escuchen vuestra radio, cuentan con dos perspectivas distintas. Además, el vistitante/oyente es quien establece el vínculo entre ambas realidades y da sentido completo a esa unión. Podría crearse de esta manera, una tercera perspectiva del museo, fruto de la recepción y entendimiento del visitante/oyente. ¿Puede la conjunción de la realidad palpable con el discurso intangible crear un nuevo producto artístico distinto, con entidad propia?

JLE: Bueno. No estoy seguro de que el sonido sea intangible. En realidad no estoy de acuerdo. El sonido es palpable. El discurso, por tanto, no se hace intangible por ser sonoro en lugar de, digamos, escultórico. Como decía más arriba, el discurso sonoro es cuerpo, cuando se habla, y forma cuerpo, cuando se escucha.

MS: Abordemos ahora la cuestión del público y la recepción. Esta propuesta reviste una noción del arte y el sonido muy compleja y quizá no muy evidente para un público mayoritario. ¿Quién creéis que está al otro lado? ¿Quién os escucha? ¿Buscáis una comunicación universal o un público muy específico? En caso de buscar un público específico ¿cómo creéis que puede ser motor de cambio o suscitar nuevas formas de pensar la realidad? ¿Qué acogida tiene?

JLE: Hay un número discreto de personas de habla hispana que escucha la radio. No buscamos una comunicación universal, no creo, de hecho, que esto exista. En cuanto a los públicos específicos, creo que se atiende a personas interesadas en el arte y la música de manera poco complaciente.

MS: En lo que respecta a la financiación, esta radio forma parte de un espacio público, así que podríamos deducir que el proyecto se sostiene gracias al presupuesto del museo. Sin embargo ¿existen otras fuentes? ¿Cómo funciona en este sentido?

JLE: Se sostiene con presupuesto del museo y no tiene ninguna otra forma de financiación. Los colaboradores realizamos trabajos específicos por los que facturamos.

MS: Por último, sería interesante hacer una retrospectiva de este ambicioso proyecto: ¿de dónde surge la necesidad de este proyecto? ¿Seguís con la misma idea inicial de proyecto? ¿Ha evolucionado vuestro discurso o formato? Si es así ¿de qué manera? ¿Cuáles son los motivos?

JLE: Hablaré de cómo ha evolucionado el discurso. En cuanto a la manera de hacer cápsulas, y aquí hablo por mí, creo que he trabajado con las maneras de la historia del arte, la historia de la imagen y del sonido. A esta manera de hacer las cosas, lo podemos llamar sónico-verbal, en referencia al icónico-verbal del que tanto hablaba Juan Antonio Ramírez, para referirse, por ejemplo, al cómic, pero también al ensayo de arte que usa las imágenes como cita. En nuestro caso, podríamos hablar del uso conjunto de la palabra, hablada en este caso, y el sonido como materiales para construir un relato histórico. Los sonidos no están ahí para acompañar musicalmente; son citas, y tienen un lugar concreto para transmitir sentido. Los enemigos de este método son las  sociedades de derechos de autor. En 2012 se hizo la exposición sobre los años 30, fue la primera vez que usamos nuestra la propia voz para hablar de una exposición. Tuvo buena acogida, así que, desde ese año, realizamos este tipo de cápsulas sobre exposiciones. A partir de 2016, el trabajo que realizamos para la radio es casi por completo contenido específico, no siempre relacionado con las exposiciones o la colección directamente, aunque sí dentro de sus marcos discursivos. Este año, además, hemos incluido nuevos colaboradores como Arnau Horta, o Javi Álvarez, sumados a José Manuel Costa que ha colaborado otras veces en la radio. El año que viene, pensamos invitar a más personas.

En cuanto al discurso comisarial, ha habido distintos ciclos de cápsulas encargadas a artistas. El último ciclo lo ha hecho Rubén Coll bajo el título de Ecolalias, dedicado a la la voz, que ha parecido ser el tema en 2016. Luego hicimos uno entre María Andueza, Rubén y yo dedicado a la transducción. También, este año, hemos propuesto el trabajo de otras artistas como Anna Raimondo, Lucrecia Dalt, Regina de Miguel o Paloma Polo. Y me reservo una sorpresa para el invierno.

MS: Imaginamos que una propuesta de estas características tiene que adaptarse a las circunstancias, contextos y relatos que en esta sociedad contemporánea cambian y se aceleran a velocidad vertiginosa. ¿Cómo sobrevive sin agotar sus propios recursos y posibilidades? ¿Qué innovaciones podrían tener cabida en el devenir del proyecto?

JLE: Ahí me has pillado. De momento el único recurso que se nos ocurre es dar cabida a más voces.