(c) Lola Martinez

Esta entrevista con la artista lisboeta Teresa Castro inaugura en Sul Ponticello una sección de encuentros y conversaciones con creadores contemporáneos de distintas generaciones y procedencias. Queremos incidir en distintos aspectos de la creación actual y en las fructíferas relaciones que entreteje el sonido con las artes plásticas, la literatura, el cine, las artes vivas, y cómo se nutre de esos cruces, fricciones, tensiones y encuentros. El próximo 9 de mayo, a las 20,30 h. tendrá lugar su concierto de presentación de entrada libre en el Auditorio de Casa del Reloj.

Anneke Raskin: ¿Cómo valorarías tu experiencia en Madrid? ¿Cómo has abordado esta residencia?

Teresa Castro: Es la primera vez que tengo una residencia de varias semanas. Había sido residente de la asociación cultural ZDB (Galeria Zé dos Bois), junto con Steve Gunn y Helena Espval, para un proyecto más corto. Es cierto que cambiar de contexto y de país modifica mucho el acercamiento y la experiencia creativa. Cuando llegué a Madrid, hace casi dos meses, pasé mucho tiempo sola, en el estudio de Matadero, pero también en la ciudad, paseando. Es fantástico desplazarte a otro contexto diferente al tuyo porque te obliga a centrar tu atención en aspectos de los que no eres tan consciente en tu vida cotidiana. Esta tesitura y este silencio te abren un tiempo y te permiten dar espacio a ideas algo más profundas o incluso ocultas, como si los pensamientos en el fondo de tu mente emergieran a la superficie. Estoy muy contenta de haber podido disfrutar de este tiempo para pensar, explorar y crear.

A.R.: Has participado en varios proyectos musicales colectivos y ahora estás trabajando en solitario. Has conocido a varios músicos de Madrid para tu proyecto y para el concierto que estás preparando, ¿cómo ha sido el trabajo con ellos? ¿Ha cambiado tu proyecto a lo largo del proceso de creación en Matadero?

T.C.: Claro, antes de llegar había escrito varias piezas para guitarra, pero no estaban realmente estructuradas como “canciones”, sino como propuestas más experimentales y abiertas. Estas líneas han ido tomando forma y se han ido extendiendo a medida de la colaboración con los músicos. Tenía una idea difusa de los instrumentos con los cuales pensaba trabajar, pero llegué y conocí a dos percusionistas fantásticos: Adrián Ceballos Salas, que tiene una enorme energía, y Silvia Caravaca Torres, una música de una grandísima sensibilidad y capacidad de escucha. Finalmente conocí a otro guitarrista, Emilio Saiz y ya fue el match definitivo para formar una pequeña banda, a modo de ensemble para este proyecto. De hecho, me gustaría continuar trabajando con ellos y presentar este proyecto próximamente en Lisboa.

(c) Lola Martinez

A.R.: ¿Cuál es la idea central del proyecto?

T.C.: El punto de partida del proyecto, cuando estaba todavía en Lisboa, era explorar y grabar un nuevo elepé en torno a la idea de la “Música de las Esferas”, apelando a Pitágoras y posteriormente a Kepler; es decir, a la geometría que busca saber si existe algún tipo de armonía entre los planetas.

A.R.: Háblanos de tu búsqueda desde el punto musical.

T.C.: En el proyecto, toco y canto en búsqueda de sonidos y armónicos, creados por la vibración. Mi idea era trabajar una única nota con muchos instrumentos, quería explorar las frecuencias de las resonaciones de las notas y entre las notas, estas frecuencias que a veces no somos capaces de oír. Intento traer estos espacios invisibles al presente, también explorar la posibilidad de trabajar lo musical en un sentido vertical. ¿Por qué nos llega tanto la música? ¿Por qué la sentimos tanto? La música nos permite explorar la intensidad del transcurrir del tiempo. Intento escapar de un discurso horizontal, gracias el drone, a sonidos continuos, ritmos difusos. Como siempre en este tipo de aventuras, es un proyecto abierto, que va evolucionando y seguirá creciendo. El concierto que presento este jueves es un buen momento para ver y escuchar en qué punto estamos.

Aquí llega el Invierno es un proyecto de Edu Comelles seleccionado dentro de la convocatoria Naturalizarte promovida por el Ayuntamiento de Guadalaviar, la Fundación Daniel & Nina Carasso, el gobierno de Aragón y el comisario Fran Quiroga. La propuesta consistía en producir un disco a partir de grabaciones realizadas e inspiradas en Guadalaviar. Como es habitual en esta sección, es el autor el que nos habla de su propuesta, en esta ocasión, a modo de crónica.

El proyecto se formalizó en una estancia de una semana en esta remota localidad en plenos Montes Universales. Debido a ajustes de agenda y cambios en el calendario, la estancia se produjo la segunda semana de diciembre de 2017.

Había planeado el viaje en coche para un lunes, a pesar de que el tiempo amenazaba nieve y muy bajas temperaturas. Inicié el recorrido desde Valencia, donde vivo. Salí de casa con 17º, a medida que me iba acercando a Teruel la temperatura descendió hasta los 0º. A la altura de Bronchales me di cuenta de que estaba nevando muy fuerte, sin embargo seguí, la carretera estaba despejada y nada indicaba que no lo fuera a estar hasta Guadalaviar. Segui avanzando y la nieve cada vez se hacía más persistente, a cada kilómetro empeoraba. La disyuntuva era: si doy la vuelta, no llego, si sigo, no se que me encontraré. Cuando la situación empezaba a ser preocupante (no llevaba cadenas) me crucé en la carretera con el quitanieves, este me paró para preguntarme a donde iba y viendo mi grado de despiste decidió dar media vuelta y escortarme hasta Guadalaviar, si no me llego a cruzar con él, no hubiese podido seguir.

Una vez en el pueblo, y con el coche bloqueado me encontré en un lugar remoto, aislado, silencioso y frío. Menos mal que el acogedor apartamento rural hizo la estancia muy agradable. Por delante cinco jornadas de grabaciones de campo, sesiones de escucha, recorridos entre la nieve y trayectos andados por sendas invisibles, ocultas bajo el manto blanco. El Guadalaviar que conocí fue blanco y negro.

Siempre pasa que los primeros días en una residencia de estas características uno va a por los tópicos, el ganado, las campanas, los sonidos del pueblo, la naturaleza, etc. Pero a medida que avanzan las horas y los días uno va perdiéndose en el sonido, es en ese momento cuando empiezan a suceder cosas, cuando uno empieza a dejarse llevar por  la escucha y registra, graba y genera un material que trasciende los lugares comunes del mundo de las grabaciones de campo.

Por suerte, en Guadalaviar sucedió lo mismo, me perdí en el sonido. El disco resultante reúne grabaciones que son una meditación sobre el ciclo de la nieve (frío, viento, agua, nieve, sol, calor, deshielo) como metáfora de la fragilidad de un ecosistema social y rural muy frágil también. Aquí llega el invierno, Todos Quietos y Deshielo adúcen a ese ciclo climático cada vez menos habitual en la zona pero igualmente determinante para el futuro del pueblo. La primera habla de la nieve, del silencio que la rodea y del viento y el frío que la precede. La segunda explora la quietud del paso de la tormenta, de la bajada de tempertauras nocturas que congela absolutamente todo a su paso, convirtiéndo las calles en pistas de patinaje, obligando al que vive allí a escuchar cada uno de sus pasos al andar por no caer en la trampa de la placa de hielo. Por último “Deshielo” habla de ese momento de languidez, que puede durar horas o días, ese proceso lento pero inexorable en el que todo lo blanco pasa a líquido y lo que antes no sonaba ahora tintinea en cada esquina y a través de todas las cañerías, canales y desagües.

Estante lanza un guiño a uno de los principales motores del pueblo, la trashumancia; estante, es el ganado que no viaja a los prados de Jaén, que se queda en los montes Universales. La pieza fue interpretada en directo a puerta cerrada usando cencerros y cañones presentes en el Museo de la Trashumancia de Guadalaviar.

Por último la pieza “Mañana”. En la escuela de Guadalaviar solo hay cinco alumnos, y la perspectiva de dos más que en breves irán a la escuela. Sin ese mínimo de niños, la escuela cierra, y si eso cierra, el futuro desaparece. Así que esos cinco niños, ajenos al mundo y ajenos a la importancia en relación al pueblo, siguen ahí jugando en la nieve, sin darse cuenta de todo lo que depende de ellos. Esa idea, fue el dentonante de Mañana el tema que cierra el disco. El tema fue compuesto usando las voces blancas de esos cinco niños y es una reivindicación de todo ello.

Finalmente “Guadalaviar” el tema que cierra el disco es un homenaje al paisaje, a la orografía y a las formas suaves de los Montes Universales, un macizo que a primera vista parece prácticamente llano pero que sin embargo presenta unas cotas altísimas y unos paisajes únicos. Es una oda al paisaje, duro, áspero y sinuoso.

Todos las piezas que componen el disco se realizaron el Guadalaviar durante esa nevada de mediados de diciembre de 2017. Los sonidos son fruto de las derivas por el pueblo, de grabar en el frontón, la iglesia y en infinidad de espacios, rincones, bosques y campos de este lugar perdido. Es el resultado de un proceso de inmersión, de descubrimiento y de sumergirse completamente en un proceso creativo, para terminar presentando una propuesta sin concesiones, pero absolutamente consciente del contexto y las circunstancias que lo rodean.

El disco, editado con risografía en Valencia, reúne fotografías de esos días de diciembre y se han realizado tansolo 100 copias del mismo. Estas están disponibles en el Museo de la Trashumancia de Guadalaviar de forma gratuita. La idea detrás del proyecto, siempre ha sido la de producir, crear y componer un disco, pero teniendo en mente el retorno a los vecinos de Guadalaviar, por ello, el disco es para ellos, para los que vivien allí o para los que visiten este lugar increíble.

El pasado 8 de abril de 2018, se presentó Aquí Llega el Invierno en la Iglesia de Santiago de Guadalaviar. En el concierto se interpretaron (en este orden) Estante, Aquí Llega El Invierno, Deshielo, Guadalaviar y Mañana. La grabación de dicho concierto queda aquí para su escucha en streaming.

Acts of Listening es un proyecto de cooperación bilateral entre Festival Tsonami (Chile) y Tuned City (Alemania) que reúne a artistas alemanes y chilenos para investigar el espacio urbano y sus dinámicas, y de esta forma realizar residencias de producción sonora en Valparaíso, Chile, en el año 2017, y Ancient Messania, Grecia, el 2018.

En este contexto, los artistas deberán definir locaciones para producir acciones, instalaciones o intervenciones de sitio específico. Los artistas que formarán parte del proyecto en Festival Tsonami son Nicolás Spencer, Cristián Espinoza, Bárbara González, Florian Tuercke, Rene Rissland y Franziska Windisch, mientras que los curadores son Fernando Godoy y Carsten Stabenow.

Acts of Listening es un trabajo de aproximación e intervención sonora en la ciudad, espacio que Stabenow considera como “el espacio público. La ciudad es la arquitectura y el tejido social que en ello se encuentra. Es el tráfico. Para mí la ciudad es como un gran constructo y hoy es parte de un gran espacio público, una extensión. Ese espacio es local, pero también internacional y flota en todas partes. Muchos de mis proyectos juegan entre ese límite de espacio real y neutral. Así que esto es algo que el contexto globalizado nos ha otorgado. Aporta a muchas de las herramientas que usamos para lidiar con el sonido de una ciudad, al mapearla, ver los protocolos de streaming y al grabar o usar técnicas de documentación, de mapeo, que básicamente sacan a relucir las capas en el espacio de una ciudad globalizada”, explica.

Valeria Viancos: Es tu segunda vez en Tsonami, ¿qué esperas de Valparaíso en esta nueva edición al trabajar con Acts of Listening?

Carsten Staben: Lo único que espero es sorprenderme. Cuando hago proyectos intento hacer cosas que nunca he hecho antes, sea un taller o proyecto, rescato algo que no pueda prever antes de finalizar y entregar. A veces es difícil y te sientes completamente inseguro, y no sabes en qué terminará. Y otras, debes prepararte para algo en específico, para entregar algo más cierto. Pero siempre que es posible intento ir lo más abierto a desarrollar algo de la situación con la que me confronte. Intentamos aplicar eso en este caso también. Conozco Valparaíso, he trabajado ahí, pero parte de los artistas europeos que están involucrados nunca lo han visitado. Y seguramente tendrán un momento como turistas y se sobrecogerán con la estructura de la ciudad. Descubrirán, pero también se sorprenderán y serán desafiados. Les digo a los artistas que traigan sus cajas de herramientas, en un sentido literal, así que todos puedan tener sus cosas técnicas o ideas, y que las estén usando mientras se enfrentan a este nuevo escenario.

V.V.: ¿Cómo es el proceso de preparación de un proyecto? En este caso, para trabajos como el que estarás desarrollando en Tsonami y que luego conectará a Messania con Valparaíso.

C.S.: Usualmente cuando hago proyectos voy al lugar, uno que no conozco para nada. Y por supuesto debo explorar la ciudad y descubrir cómo se compone su tejido especial. Hago eso caminando muchas horas por la ciudad, entendiendo sus dinámicas. Así que puedo usar muchas herramientas, pero básicamente es un proceso de análisis del lugar que puedes hacer muy aleatoriamente, como visitante, como observador, que da vueltas y mira.  Pero también puedes hacerlo de manera sistemática con un mapa, grabaciones, dibujos, fotografías o documentación. Es una combinación personal de estas cosas para prepararse a cada proyecto en particular. Tenemos todo un catálogo de herramientas para hacer algo, si bien subjetivo, también cuantitativo y cualitativo en cuanto a análisis. Digamos que puedes mapear ciertos aspectos de la ciudad, como la comunicación social, la interacción, la atmósfera, y ver patrones. Puedes monitorear la infraestructura, el tráfico, el transporte, los cambios, el aire acondicionado, las luces eléctricas y comunicaciones.

Todas estas cosas se pueden medir cuantitativamente, analizar la estructura, los suelos, espacios e industria. Puedes mapear en medio ambiente, el agua, la topografía -que es bastante particular en Valparaíso- y tomar otras condiciones como el aire, fuego, sonido y todo lo que está debajo. Así puedes tener toda una variedad de ángulos diferentes, e incluso puedes ir bajo tierra en espectros y tener alcance auditivo de la actividad humana a una baja frecuencia. Puedes ir a campos magnéticos, wi-fi, y señales de celular. Estos son todos hechos o datos que no son visibles, pero están deambulando. Hay un amplio catálogo de cosas. Puedes revisar y recoger muchos datos del especial ambiente acústico de cada ciudad. Así que el primer paso es analizar.

V.V.: Y luego de ese análisis, ¿cuál es el segundo paso?

C.S.: El primer paso es el análisis, y el segundo es la activación. Cuando queremos revisar los proyectos auditivos quizás se puede hacer algo grande y colaborativo, quizás debe ser algo con roles o individual, que pueda interconectar a los artistas en una coreografía. Un artista dijo que “quizás deberíamos hacer una gran ópera juntos” en la ciudad. Esta activación puede dividirse en muchas maneras diferentes, sobre cómo “activar” el lugar. Puedes mapearlo, sobreponer nuevos medios sobre los que ya hay, reescribir el lugar. Puedes poner otras capas [sonoras] sobre las que ya existen, hacer libros de guía, mapas, caminatas guiadas, tours, intervenciones, puede ser una instalación performativa, hacer cosas a largo plazo, algunas basadas en participación.

Y también puede ser una creación en los lugares, como abrir zonas temporales o permanentes. Pero también puede ser simplemente que el proyecto cambie la percepción de la ciudad que tiene la gente. De cierta manera que puedas crear situaciones en las que las personas, de la nada, perciban todo de una nueva perspectiva, un nuevo entorno. En muchos aspectos esto puede ser muy abstracto. La lista es interminable, pero cuando estás en el lugar, algunas cosas van ganando y otras perdiendo sentido o relevancia en tu proyecto. Esta idea de la caja de herramientas que estamos creando se debe aplicar en acción.

V.V.: Sobre la extensión de este proyecto en Grecia ¿cuál es la particularidad de Messania y cómo se contrapone a Valparaíso?

C.S.: El trabajo importante, lo extraordinario, es que en Valparaíso la situación es fundamentalmente diferente a la que tendremos el próximo año en Grecia, porque allá ya no hay más una ciudad real. Estaremos trabajando en un lugar muy antiguo, que ya no es una ciudad, no está en funcionamiento, sólo son ruinas. Era una importante metrópolis griega, para muchos planificadores y arquitectos es un modelo, una clave de cómo las ciudades deberían ser. Así que puede ser llamada “una ciudad ideal”, pero ya no hay gente habitándola. En Valparaíso es mucho más fácil desarrollar algo, un trabajo con audiencia que reacciona, lo que es muy importante para grabarlos durante el proceso. Eso no lo tendremos en Grecia. Tendremos que ir con una cierta metodología desarrollada, y ver qué métodos aún pueden aplicarse en aquel lugar muerto, para resucitarlo. Así que es un salto interesante en el proyecto, tener que lograr estrategias e ideas que se alteren según la locación.

V.V.: Mencionas la reacción de la audiencia frente a una intervención o trabajo sonoro en la ciudad ¿qué es lo que más te gusta del público? ¿Cómo se da la interacción?

C.S.: La retroalimentación directa desde la audiencia, una que no está familiarizada, es importante para mí. En nuestro contexto de Festival de Arte Sonoro, en otros ya todos están familiarizados con el tema y dan críticas, lo que es bueno porque conocen el tema. Pero también no miran desde otro ángulo, tienen una idea creada de cómo son las cosas. Sucede en todo grupo, en toda comunidad, en el mundo. Los amantes del ajedrez irán a ver ajedrez; los del fútbol, a un partido. Es hermético, y para mí no hay nada más aburrido que eso. La gente ya parece saberlo todo. Para mí es más desafiante ir a una audiencia que probablemente nunca ha estado en contacto con el arte sonoro antes. Y debo preocuparme de explicarle a la gente lo que harás. Luego te preguntas cómo lo explicas, ya que puede no serles relevante, ¿cómo lo hago relevante para ellos? Es un desafío, debo trabajar más, no es fácil. Es más demandante en mi escena, pero también vale la pena. Y sucede seguido.

V.V.: ¿Esa experiencia la viviste en Valparaíso?

C.S.: Sí, cuando estuve la primera vez ahí haciendo un taller. Estábamos en las calles y la gente se acerca a preguntar qué estás haciendo. Si estás con una cámara nadie te pregunta, todos saben lo que haces y quizás eres un turista, o documentalista o periodista. Pero si tienes un micrófono y audífonos y una grabadora, o pones un micrófono en lugares extraños y éste parece un gato muerto, eso será curioso. La gente es menos tímida, usualmente no quieren ser fotografiados, se alejan; pero no son tímidos con el micrófono, y podrías tenerlo encendido y estar grabando y nadie se entera. No es muy justo, pero es así: puedes tener un micrófono en el espacio público sin que la gente se entere. A mí me sucede que a veces la gente se acerca y pregunta qué estoy haciendo. Y ahí el sonido es una excusa, un camuflaje. Para mí es genial conocer a la gente. Me preguntan y les explico, pueden ponerse los audífonos y escuchar algo completamente diferente a través de mi micrófono y mi grabación. Y de repente estoy en una conversación con ellos. Es como la “puerta trasera” hacia el espacio público, una vía hacia la gente.

Acts of Listening es un proceso de residencia que comenzará las investigaciones en la ciudad el día 21 de noviembre y se presentará el domingo 10 de diciembre en Valparaíso. El proyecto cuenta con el apoyo del Fondo de Coproducciones Artísticas (International Coproduction Fund) del Goethe-Institut. Los horarios y lugares serán comunicados a través de las redes sociales de Tsonami. El desarrollo de Acts of Listening se irá documentando en acts-of-listening.tunedcity.net.

Foto: Juan Vicente Chuliá

No es fácil encontrar en España proyectos que involucren la creación musical desde la perspectiva del laboratorio o de la residencia. Un ejemplo de este último tipo lo trajimos a nuestra revista en el artículo que dedicamos a In Promptu, las residencias artísticas multidisciplinares que tienen lugar en Santa Cruz de Tenerife. Pero lo cierto es que se trata de un caso aislado en nuestro país y la modalidad laboratorio es todavía una fórmula más escasa. La investigación en el entorno de lo musical y sonoro –bastante más prolífico en el ámbito de las artes visuales o de las llamadas “artes vivas”- suele producirse en el entorno “privado” del compositor o del artista sonoro.

Traemos a este espacio de Sul Ponticello otro de los raros casos –junto con el comentado de In Promptu- que existen en nuestra geografía, en este caso producido en Madrid. Se trata de EPOS. Laboratorio de creación e investigación música-palabra, un proyecto que, además, nos es especialmente afín ya que es una iniciativa de IFIDMA (Instituto para la Formación, Investigación y Desarrollo de la Música y otras Artes), la entidad no lucrativa que edita nuestra revista.

Mecánica de trabajo

Foto: Juan Vicente Chuliá

EPOS es un laboratorio que se propone investigar en la relación música-palabra, con un énfasis especial en la palabra poética. Lo cierto es que no hemos encontrado un caso parecido tampoco fuera de nuestro país, al menos con las mismas o parecidas características. Éstas son, esbozadas de manera muy resumida, el trabajo de un equipo residente interdisciplinar y de unos invitados –compositores y poetas- en torno a los textos propuestos por estos últimos, que sirven de guía para una indagación en lo musical y lo sonoro a partir de una serie de premisas que se van marcando. Estas premisas o guías de trabajo son planteadas, en mayor medida, por los compositores invitados, aunque el equipo residente también puede aportar sus propias líneas de investigación. Sobre esta mecánica de trabajo nos dice el compositor Sergio Blardony, director de EPOS Lab: “No se trata de trabajar desde la perspectiva del taller, donde una obra individual o colectiva sería elaborada por una serie de personas que se involucran en el proceso de creación. No, se trata más bien de investigar a partir de unas líneas de trabajo marcadas y que llevarán a cada uno de los participantes a producir algo: en el caso de los compositores invitados, la realización de una obra; en el caso de los residentes, quizá un material ensayístico o simplemente servirá para enriquecer su experiencia en torno a determinados aspectos donde haya puesto el foco en el desarrollo de la investigación”.

La primera fase del laboratorio se lleva a cabo durante el primer semestre del año, de febrero a junio. Las sesiones de investigación se desarrollan partiendo de una metodología básica. Al respecto, nos dice la poeta y crítica Pilar Martín Gila, coordinadora literaria del proyecto: “Partimos del trabajo con el texto, de su observación desde el propio poeta y su “agitación” –generando contextos donde la palabra va empezando a sonar de diferentes formas-, para progresivamente ir incorporando los diferentes aspectos que podrían vertebrar un trabajo de creación musical: el canto y la voz dicha, los instrumentos y su relación con la palabra, la puesta en escena… Todo ello intentando no perder el hilo conductor del texto poético; quizá es ese uno de los retos más complejos del laboratorio”. De este modo ordenado se va llevando a cabo una búsqueda que desembocará en el montaje de un concierto escénico cuya preparación se llevará a cabo en la segunda fase del proyecto, durante el segundo semestre del año.

El equipo residente de EPOS Lab tiene un carácter claramente interdisciplinar: el entorno de la composición y del arte sonoro, de la interpretación vocal e instrumental –también de la teatral-, de las artes visuales, la puesta en escena o la ingeniería de sonido, está presente en ese núcleo estable del laboratorio.

Foto: Juan Vicente Chuliá

En este primera edición del proyecto, EPOS Lab ha contado como invitados a los compositores José María Ciria y Carlos Bermejo, para trabajar sobre textos de Walter Cassara y Pilar Adón, respectivamente. El equipo residente del laboratorio en esta edición está formado por los ya nombrados Sergio Blardony y Pilar Martín Gila, la mezzo Marta Knörr –como coordinadora musical-, el actor y director Raúl Marcos –en lo referido a la puesta en escena-, la flautista Ana Isabel Gómez Mateos, el percusionista Eloy Lurueña, el ingeniero de sonido Juan Carlos Ares, además de la colaboración de Juan Vicente Chuliá en el trabajo de documentación audiovisual.

Ensayo abierto y concierto final

Las dos actividades públicas que llevará a cabo el laboratorio EPOS serán: el 4 de octubre –con una sesión de montaje-ensayo abierto al público-, y el 2 de diciembre –con el concierto escénico con el que se cerrará la edición del proyecto-. La sesión que tiene lugar estos días es una muy interesante oportunidad para conocer de primera mano el trabajo realizado en estos meses en EPOS Lab.

Ambas actividades –ensayo público y concierto- tendrán lugar en el Auditorio del Centro Cultural Conde Duque de Madrid, una de las sedes del proyecto junto a la Escuela Superior de Canto de Madrid, el otro espacio con el que se desarrolla EPOS Lab.

El concierto incluye las dos piezas realizadas en el conexto de EPOS Lab 2017, y por lo tanto, estreno absoluto: …d’inesauribile segreto, para actor, flauta, percusión y vibra speakers de José María Ciria, sobre textos de Walter Cassara, y De la mano iremos al bosque, una pieza colectiva para mezzosoprano, flauta y electrónica sobre poemas de Pilar Adón. El programa se completa con Una forma, obra para percusión de metal, frame drum y electrónica de Sergio Blardony sobre un poema de Pilar Martín Gila.

El proyecto tiene una página en Facebook bastante activa, desde donde se informa no sólo de las sesiones y actividades públicas, sino también sobre todo aquello que tenga que ver con la relación música-palabra.

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In Promptu ha nacido para propiciar un espacio de creación artística experimental, donde artistas de diferentes disciplinas puedan converger en trabajos colaborativos, siendo lo sonoro el vehículo de unión entre creadores. Esta feliz iniciativa comenzó su andadura en el mes de noviembre del pasado año, naciendo para pervivir y convertirse en un centro de referencia de la creación experimental colaborativa. Artífices de este gran proyecto es el Six Ensemble, grupo de creación sonora experimental localizado en la población de El Sauzal (Santa Cruz de Tenerife), y formado por: Yurena Darias, viola da gamba; Joachim Spieth, trompeta; Zebenzui González, guitarra preparada; Juan A. Miñana, percusión; Tony Peña, guitarra eléctrica;  y José Guillén, sintetizador.

Esta realidad sonora no parte de la nada, sus antecedentes los encontramos en la participación durante los pasados tres años de actores, artistas sonoros, pintores y demás artistas de otros campos de la creación contemporánea en distintas experiencias colaborativas, que han jalonado el devenir de CEPA (Ciclo Experimental de Propuestas Artísticas). Este ya afianzado ciclo cuenta con 25 eventos en su haber, todos ellos organizados por  Six Ensemble, con la colaboración de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de El Sauzal.

A lo largo de estos años, el Laboratorio de Arte Sonoro perteneciente a la Facultad de Humanidades de la Universidad de la Laguna, dirigido por el profesor y artista sonoro Atilio Doreste, ha respaldado las actividades de CEPA, además de dirigir el ciclo de conciertos 15 Sillas y el sello discográfico Auriculab, donde se publican trabajos de artistas locales canarios, como colaboraciones realizadas fuera de Canarias.

In promptu se marca como objetivos, por una parte, crear un espacio para la creación artística experimental con la participación de artistas locales y foráneos; por otra, la difusión de las obras producidas en actuaciones públicas y/o publicadas en la red; y finalmente, el intercambio de experiencias con la visita de artistas locales a lugares de origen de los invitados.

La metodología de trabajo que rige In promptu se fundamentada en la residencia del artista invitado, durante un período que oscila entre los tres y cinco días. Durante la estancia, se marca un calendario de trabajo donde experimentación, improvisación y el rito sonoro del instante creativo toman el protagonismo de la creación sonora. Las actuaciones realizadas dentro de In Pomptu se programaran dentro del ciclo CEPA.

Todas las actividades de In Promptu tienen su desarrollo en el auditorio de la Casa de la Cultura del Ayuntamiento de El Sauzal. Además, los servicios de prensa del consistorio tinerfeño realizan la función de difusión de las distintas actividades en la web institucional y otros medios de comunicación.

En In Promptu se han desarrollado dos residencias a día de hoy. Este proyecto cobró vida con la participación del artista de música electroacústica y experimental Paul Pignon, que tuvo lugar del 12 al 20 de noviembre del pasado año. Durante esos días se grabaron diferentes piezas de improvisación libre y se estrenó en CEPA propuesta nº 24 la pieza Earpiece, compuesta por el artista inglés.

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Earpiece. Paul Pignon

InPromptu ha seguido su andadura en el mes de marzo con la residencia del artista sonoro Luis Tabuenca. Durante los días 11 y 12 de dicho mes se realizaron diferentes sesiones de improvisación colectiva, las cuales fueron registradas en un disco. Las actividades se cerraron con la grabación de la pieza Metatexto compuesta expresamente por Luis Tabuenca para Im Promptu.

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Metatexto. Luis Tabuenca

Con vistas a un futuro, Six Ensemble está organizando una agenda para la colaboración con otros artistas. En este sentido, el colectivo está receptivo a la acogida de nuevos proyectos, en el ámbito de la autogestión.

In Promptu ha venido para quedarse, ha sido creado para ser lugar de referencia de la creación sonora experimental colaborativa en el territorio español.

Durante el mes de junio, y hasta octubre, podremos disfrutar de una serie de eventos que se celebran en la ciudad de San Sebastián, Capital Europea de la Cultura. Se trata de un proyecto multidisciplinar en tanto que, por ejemplo, se muestran temas enfocados desde distintas perspectivas como el sonido y su relación con la ciudad. Además de intervenciones artísticas, hallaremos varios puntos de debate para fomentar el diálogo y a la vez, la investigación en torno a la percepción de los sonidos actuales de nuestra sociedad en ámbitos urbanos.

El Observatorio de la Escucha es una propuesta que invita al conocimiento, difusión y divulgación del concepto de paisaje sonoro, término que expone en la década de los setenta del pasado siglo, el pedagogo musical y compositor, R. Murray Schafer para referirse a los ambientes sonoros que se producen en entornos tanto naturales como urbanos. Cada una de las intervenciones artísticas que han sido ideadas para este evento, están relacionadas de manera concreta con el lugar donde será representado.

Estas diferentes evocaciones provocadas por la naturaleza o producto de los inventos del hombre en los diferentes espacios sonoros elegidos, comenzarán el día 10 de junio en el centro cultural Arantzazu Gandiaga Topagunea con la obra Ghost Forest de Francisco López. El creador es una de las figuras más reconocidas a nivel internacional  en el campo de la música experimental y el arte sonoro. En este caso su trabajo intenta crear una atmosfera tridimensional a través de un sistema de mini-altavoces que dividen la energía de los sonidos y provocan en el oyente un estado de reflexión en torno al propio espacio.

En los próximos meses también tendremos la oportunidad de asistir a exposiciones sonoras como Rara Avis del sello discográfico y colectivo artístico Alku en Aiete Kultur Etxea. Este proyecto recoge ocho diferentes cantos de pájaros que llevan al espectador a reflexionar en torno a la idea de mimesis. Por otro lado, aunque siguiendo la filosofía de la escucha Luz Broto presenta una situación sónica distinta con Derogar las normas de comportamiento de la biblioteca en la Biblioteca Koldo Mitxelena. También Jaume Ferrete presentará durante el mes de octubre su trabajo Voz Sorda II Chiste Raro, que contribuye a establecer un nexo entre los oyentes y las personas sordas a través del humor, dando utilidad a una selección de chistes como forma fundamental de comunicación en nuestro contexto actual cotidiano.

Varios son los procedimientos que se pondrán en marcha durante estos meses en la ciudad de San Sebastián. Destacamos el espacio abierto al diálogo, un foro que se llevará a cabo el día 18 de junio en Tabakalera. La conferencia “Del archivo sonoro al acontecimiento” es una propuesta Xóan-Xil, ponente de este foro en el que posteriormente se debatirán temas en torno a la práctica e investigación del paisaje sonoro.

En conclusión, el proyecto Observatorio de la Escucha es un proceso de investigación que está en pleno desarrollo, puesto que el término espacios sonoros  aún es muy joven y además, existen diversas maneras de comprender este ámbito que recorre desde un entendimiento más filosófico del sonido hasta una visión social, como el choque de los sonidos creados por la naturaleza en contraposición a los producidos por el hombre en una sociedad industrializada como la actual.