En este espacio dedicado a la innovación educativa en relación con el arte actual (el musical y sonoro principalmente), presentamos una reseña breve de “ELEKTRONIK KONTAINER”, un proyecto educativo que nace de la necesidad de divulgar la cultura musical a través de una de las disciplinas más atractivas y fascinantes como es el mundo de la percusión, la electrónica y el arte visual sincronizado.

Su creador e impulsor, Roberto Oliveira –percusionista dedicado de lleno a la música de creación viva que ya entrevistamos en Sul Ponticello con motivo de su CD “Diáspora”- nos habla de esta iniciativa:

“Todos los años a final de temporada intento hacer un «BrainStorming» para crear nuevos proyectos. Primero estuve dándole vueltas a la cabeza en cómo sacarle el máximo rendimiento a un teléfono móvil y a un ordenador, de ahí surgió que sería buena idea realizar un concierto en donde pudiese divulgar al público manipulación de sonido e imagen utilizando estos dispositivos. Después analizando a quien dirigirlo, claramente y asignatura pendiente, debía dirigirlo a nuestros jóvenes.”

Con este planteamiento, confío en una nueva visión de este campo. Adaptándola a la nueva era tecnológica y dando forma a un proyecto educativo/divulgativo de música electroacústica con arte visual sincronizado.“

Parece claro que se trata de un proyecto fresco e innovador. Contextualizado en música que está continuamente cambiándose, moviéndose y renovándose.

La iniciativa está dirigida a alumnado con cierta madurez, conciencia crítica e espíritu emprendedor. Es por eso que se enfoca a adolescentes que se encuentren cursando la Enseñanza Secundaria Obligatoria, Bachillerato, Formación Profesional y Enseñanzas Artísticas Profesionales.

“ELEKTRONIK KONTAINER” no trata de ser un concierto para meros espectadores en el cual el artista multidisciplinar se limite a interpretar un repertorio mas o menos atractivo y alternativamente se comenten algunos aspectos teóricos de la Historia de la Música. Con este proyecto, el alumnado conocerá de la mano del artista, nuevas aplicaciones de manipulación y edición de sonido e imagen en dispositivos electrónicos como un teléfono móvil.

El viernes 2 de noviembre los alumnos de los centros educativos del Ayuntamiento de Mos, Pontevedra serán los primeros en estrenar este proyecto y después habrá otras sesiones los días 21 y 22 de enero en el Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela.

Hay proyectos discográficos que, al caer en nuestras manos, desprenden ya un atractivo especial. Las combinaciones entre autores de diferentes épocas, más si están formuladas proponiendo el diálogo entre universos muy alejados, aunque arriesgadas siempre, pertenecen a ese espacio que nos atrae de una forma peculiar. Quizá la atracción esté precisamente en el riesgo, en lo que se juega el que lo propone. Quizá es la sospecha del fracaso, o todo lo contrario, la confianza –en ocasiones algo ingenua- en las bondades de los mestizajes. O simplemente es la posibilidad de la escucha confrontada, de establecer un vínculo que nunca se nos hubiera ocurrido (¿o quizá sí?), entre dos músicas que, al menos en apariencia, nacen de pensamientos alejados estéticamente.

El caso que presentamos es, desde nuestro punto de vista, el de un completo acierto. Amores Grup de Percussió, uno de los grupos de trayectoria más amplia de nuestro país, es el protagonista de este CD del sello Liquen Records. Un sello dedicado a la música experimental y la improvisación libre que en sólo dos años tiene ya un catálogo de siete títulos y algunos otros de próxima aparición. Y la propuesta de este CD que presentamos en Cofa del Vigía es una música separada en el tiempo por ocho siglos, la de Karlheinz Stockhausen y su emblemático Tierkreis, en diálogo con la de Hildegarda de Bingen. Las sopranos María García Maciá y Èlia Casanova Martí, así como el pianista Víctor Trescolí Sanz, acompañan a Amores Grup de Percussió en esta aventura.

Las notas del disco –que, por su interés, a continuación reproducimos-, escritas por el musicólogo Josemi Lorenzo, nos proporcionan algunas de las claves de esta edición. Al final del comentario, se proporcionan los enlaces a la escucha de este excelente trabajo.

Este disco pone a dialogar a dos grandes potencias creativas que reelaboran la tradición. Una perteneciente a la vanguardia del siglo XX y otra a la del siglo XII. Las alucinadas miniaturas que iluminaron los manuscritos de Hildegarda de Bingen (1098-1179) abundan en cosmovisiones ordenadas donde el universo se descompone en círculos concéntricos poblados de diferentes criaturas y colores. Una palabra resume la compleja visión escatológica hildegardiana: symphonia, polisémico término que comprende las proporciones que regulan la existencia cósmica y, por tanto, humana. De alguna manera, el zodíaco (Tierkreis) viene a dar sentido y orden a la arquitectura celeste, de la cual se derivan implicaciones que pueden afectar a la vida de cada ser humano, puntos contingentes en el devenir que llaman Historia.

Las vidas de Hildegarda de Bingen y Karlheinz de Mödrath transcurrieron, con ocho siglos de diferencia, en lugares relativamente cercanos (cuarenta kilómetros de distancia separan Bermershein, donde nació la futura abadesa, de Darmstadt, sede oficiosa de la escuela homónima inspirada por el compositor). Ambos fueron personajes muy reconocidos en vida. Sus músicas tienen, a pesar de las obvias diferencias, algunos patrones similares. Una y otro indagaron obsesivamente por encontrar formas propias de expresión, con implicaciones musicales que partían de un conocimiento profundo de la tradición (ninguno de los dos inventó nada), para re-elaborarla, creando lenguajes y universos de expresión muy idiosincráticos y complejos, estudiables en ambos casos mediante sus textos teóricos o doctrinales. En ambos casos, la escritura supone un mínimo apoyo a la hora de la interpretación, que necesariamente desborda la capacidad de los signos escritos. Ambos pensaron la música como una vía de acercamiento a lo inefable, donde lo performativo, lo gestual, lo colectivo, cobraban tanta importancia como los neumas o notas en que fue recogido todo lo que podía transcribirse.

De la unión de la obra de ambos se da luz este disco: DREIZEHN. Las doce piezas del libérrimo Tierkreis stockhauseniano se escuchan entremezcladas con otras de la abadesa benedictina. Ella expresó claramente su oposición a la teoría que afirmaba que era posible predecir el futuro a partir de la observación: “es perverso error buscar indicios de rumbos venideros en las estrellas, en el fuego, en las aves o en otras criaturas parecidas”. Ninguno de estos indicios “podrán perjudicarte o ayudarte” (Scivias, I, 3ª visión, caps. 21 i 27), acuerdo a una antropología teológica y cristiana. Los astros (O Choruscans lux stellarum, Karitas abundat) no son sino manifestación y reflejo del Creador.

A ninguno de los dos les habría desagradado un ejercicio de geometría para ver que los nombres con los cuales se les conocieron suman, en ambos casos, 11 letras. DREIZEHN suma 2 (los protagonistas) a este dígito, dando un total de 13 (dreizehn). Para Stockhausen, creyente en la potencia de la serie de doce notas y sus combinaciones infinitas, el trece es la superación del sistema, el retorno al comienzo. Lo mismo podríamos decir de la mentalidad medieval, en la que al simbólico número 12, simbolizado en la lucidissima apostolorum turba, se le superpone la figura central de Cristo, y los dota de sentido, transcendiéndolos.

Josemi Lorenzo Arribas

DREIZEHN / Stockhausen & Hildegarda.
Amores Grup de Percussió; María García Maciá y Èlia Casanova Martí (sopranos), Víctor Trescolí Sanz (piano).
Liquen Records
LRCD007

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Con motivo de la presentación de su CD “DIÁSPORA”, el 11 de noviembre en Abadía do Pelouro (Caldelas de Tui, Pontevedra), entrevistamos al percusionista Roberto Oliveira para que nos hable de este nuevo e interesante registro discográfico, e invitamos al lector a la escucha de los dos primeros números.

Sul Ponticello: “DIÁSPORA” es un disco bastante especial, en el que se pueden escuchar compositores argentinos y gallegos. ¿De dónde surge esta idea de combinar autores con esta delimitación geográfica?

Roberto Oliveira: La idea de un pequeño tributo a la emigración gallega ya rondaba mi cabeza de hace tiempo. Soy hijo, sobrino y nieto de emigrantes, yo he sido emigrante, creo que aquí en Galicia no existe una sola persona que no tenga sangre emigrante. “DIÁSPORA” tuvo fácil combinación ya que suelo trabajar bastante con compositores de Sudamérica y en particular argentinos. Galicia tuvo una fuerte emigración a Argentina, de ahí que Buenos Aires la llamemos la quinta provincia y de ahí este sentido trabajo discográfico.

S.P.: ¿Qué elementos musicales y sonoros consideras que dan unidad al CD? Además de la presencia de la electrónica, claro…

R.O.: La manipulación de los instrumentos convencionales de percusión. Es algo común en todas las obras. Cuando hablo de “vibráfono preparado o manipulado” no solo se refiere a una manipulación del instrumento en sentido electrónico mediante la pregrabación y/o procesado. En obras hay manipulaciones acústicas, variando la forma de tocar o variando los utensilios para tocar. Coena de Carlos Passeggi es una obra para bombo sinfónico tocado con los dedos con dedales de costura; muchas veces en las láminas del vibráfono pongo monedas que dan una sonoridad electrónica sin manipulación electrónica. En Nunca tan lejos de Jorge Variego, los cuencos tibetanos tienen finas cadenas para obtener un sustain más prolongado y una textura electrónica. Todas estas variantes de manipulación dan una paleta sonora increíble y muy atractiva sobre todo en los conciertos, en lo que lo visual es otro añadido que tiene el público.

S.P.: Nos gustaría enlazar la siguiente cuestión con lo que acabas de comentar: el percusionista hoy es un músico muy diferente al de hace pocos años. Da la impresión de que es un intérprete “extendido”, que debe atender a aspectos cercanos a lo teatral, a la performance… ¿Cómo percibes este hecho?

R.O.: Pues es una realidad, y más en el caso de las nuevas músicas. Cada día se escriben más composiciones en que la parte estética y teatral son parte importante de la obra. Las nuevas generaciones de interpretes no deben dejar de lado una mínima formación performativa ya que hoy en día es parte importante a la hora de afrontar un concierto de nuevas músicas

Personalmente esta evolución y no desviación, me parece interesante y necesaria ya que aporta una nueva vía para que el público no habituado a la música contemporánea entienda la obra fácilmente y pueda disfrutarla.

S.P.: Volviendo al disco, Bonus Track “Itinerario de Alma” es una pieza tuya, homenaje a Enrique X. Macías. Llama la atención que este compositor –sin duda respetado- casi nunca se le programe…

R.O.: La pena ya no es que no sea programado, lo peor es que ni siquiera es nombrado en muchos departamentos de composición de algunos centros educativos. Y ya no sería solo el caso de Enrique Xerardo Macías, desgraciadamente tenemos muchos compositores e intérpretes mal valorados. Creo que España debería programar más música nacional, desde Sabastian de Albero, Falla a Jesús Navarro, Voro García, entre muchos.

En mi caso, para mí es una pena que Enrique no tenga en su catálogo, por cierto, muy extenso, ninguna obra para percusión solo o con electrónica, por que sin duda la estaría programando en mis conciertos. Personalmente el caso de Macías me toca muy de cerca, ya que trabajo en la recopilación y catalogación de su obra, tarea que me ha llevado a tener una estrecha relación con su hermano.

S.P.: ¿Cómo ves el panorama musical en Galicia actualmente? Hablamos sobre todo de la música actual…

R.O.: Galicia está en un estado de forma brutal, ya no solo en el ámbito musical, el mundo del teatro, audiovisual, literatura, contamos con artistas muy interesantes, que están centrando sus carreras en productos con lenguaje propio.

Dentro del mundo de la música, la paleta estilística es enorme, Galicia ya no es solo tierra de música tradicional; jazz, indi, electrónica, la gente viene pisando fuerte con nuevas músicas, de mucho nivel y sobre todo de mucha valentía.

Desde hace ya 4 ediciones Galicia tiene un medidor de salud musical muy interesante y necesario, que son los Premios Martín Códax da Música Galega. Una fiesta de nuestros artistas y de la música hecha en Galicia. Ahora queda la difícil tarea de seguir creciendo y la de crear industria.

S.P.: El sábado 11 de noviembre presentarás el CD. ¿En qué consistirá el acto? ¿Se podrá escuchar alguna de las obras?

R.O.: La presentación de “DIÁSPORA”, se va a realizar en el marco de un complejo de casas de turismo rural en el sur de Pontevedra, un sitio bellísimo que albergará un evento sencillo, dinámico y de ambiente muy familiar, donde contare con la participación de autoridades varias de diversos municipios vecinos, la Sra. Cónsul de Argentina en Vigo, medios de comunicación, artistas de diversas disciplinas, amigos y familia.

Comenzaremos con intervenciones del alcalde de mi localidad, concejala de cultura y mía. A continuación se proyectará un vídeo realizado para la ocasión en donde se explicará un poco el proceso de trabajo de este disco, con intervenciones de todos los compositores incluidos en el. Seguidamente pasaré a interpretar dos obras del disco y acabaremos el evento con picoteos varios y por supuestísimo un buen vino albariño.

S.P.: Por último, nos gustaría saber qué proyectos inmediatos tienes.

R.O.: El próximo mes de diciembre estrenaré nuevo programa de concierto, para dar un respiro a las antiguas obras que venía representando en mis conciertos. Puedo adelantar que tocaré obras del brasileiro afincado en España, Edson Zampronha; del argentino Daniel Schachter; del danés Andy Pape y del francés Pierre Jodlowski, entre otras. Aparte de mis conciertos “convencionales” siempre me gusta realizar otros programas más performativos. Esta nueva temporada tengo programados tres proyectos muy interesantes. Micropoemas percusivos para representar en escaparates, un concierto para percusión y cocina en tiempo real que ya está casi listo para representar y por último mi primer cortometraje con música en tiempo real.

S.P.: Muchas gracias por tu tiempo. Te deseamos un exitoso recorrido para “DIÁSPORA”.

R.O.: A vosotros por esta maravillosa entrevista, gracias por la labor que realizáis y larga vida a Sul Ponticello.

Naturalis Historia
Xilófono preparado y electrónica
Rubén Vizcaino (Lugo, Galicia)

Nunca tan Lejos
vibráfono, cuencos tibetanos preparados y electrónica
Jorge Variego (Rosario, Argentina)

Madrid es una ciudad (y no, no vamos a llenarla de cadáveres damasoalonsianos) que va conquistando un estatus de contemporaneidad en lo que a oferta musical experimental se refiere. Eso sí, muy poco a poco. Aunque queda un trayecto muy largo para que se parezca –aun lejanamente- a capitales del entorno europeo que habita, como pueden ser Berlín, París o Londres, lo cierto es que la necesidad obliga, y las iniciativas valiosas van lentamente salpicando una ciudad que necesita establecer vínculos lógicos con un tiempo que es el suyo, y dejar atrás modelos que ya se muestran muy antiguos.

En nuestro editorial de abril del año pasado ya nos ocupamos de la aparición de dos nuevos ciclos madrileños como los Encuentros AVLAB e indiCtivE-uno, a lo que hay que sumar los que ya llevan un tiempo como el EMA Festival, el ciclo Archipiélago del Museo Reina Sofía o las series que, bajo diferentes nombres, propone desde hace unos años CentroCentro con una programación que incluye la música de nuestro tiempo. Y por supuesto, no pueden obviarse los veteranos Punto de Encuentro AMEE, el Festival COMA, las propuestas de Neopercusión en el Teatro Galileo, el ciclo de la Fundación BBVA o los distintos ciclos de improvisación libre como el PULSE! y otros promovidos desde Raras Músicas. Y seguro que nos dejamos alguno. Desde luego, también tenemos desapariciones, alguna bastante dolorosa: siguiendo con la improvisación libre, el Festival Hurta Cordel o el fugaz ciclo promovido por el COAM.

Buena parte de esta oferta, como decimos muy insuficiente todavía, ha visto ahora una luz financiera en el horizonte: las nuevas ayudas a la creación contemporánea que acaba de lanzar el Ayuntamiento de Madrid, con un presupuesto sorprendente por inhabitual en nuestro país, 4,46 millones de euros (nueve veces más que lo empleado en la última convocatoria). El resultado ha sido el previsible, algo así como si se deja a una vaca bien cebada con una manada de treinta leones hambrientos (y con razón). No quedará ni la sombra del pobre rumiante.

Nuevas propuestas

Pues bien, siguiendo con la renovación a la que aludíamos antes, este mes se presentan en público dos nuevas e interesantes propuestas, a las que dedicamos una especial atención en nuestro número de octubre.

Por un lado, Rec_NEXO, un ciclo promovido por el dúo de percusión reConvert Project, que se extenderá hasta marzo del 2018 y se centrará en tres jóvenes compositores españoles. En la entrevista que les hemos dedicado sus promotores nos dan una visión de primera mano sobre el ciclo.

Por otro lado, tenemos la primera actividad pública de EPOS Laboratorio de creación e investigación música-palabra, un proyecto interdisciplinar con sede en el Centro Cultural Conde Duque y en la Escuela Superior de Canto de Madrid, al que también dedicamos un artículo en este número otoñal.

Así pues, dos nuevas iniciativas, de muy diferente índole, pero que vienen a llenar espacios de creación que una ciudad como Madrid necesita como el comer. Esperemos que se multipliquen proyectos de este tipo y algún día –en este mismo siglo, si es posible- podamos decir aquello de que ya hemos alcanzado una mínima normalidad cultural. No parece fácil, aunque una industria ganadera fuerte sin duda puede hacerlo posible (pedimos mil disculpas a los veganos por la insensible metáfora). Sea. Y que lo veamos.

Entrevistamos al percusionista Joan Soriano, director académico de Àgora Actual Percussió, un nuevo e interesante festival que se articula en torno a la percusión, y que traerá a la alicantina localidad de Xàbia un plantel de creadores e intérpretes de enorme atractivo. La propuesta tendrá lugar entre el 10 y el 15 de julio y la dirección artística corre a cargo del que es quizá el mayor “agitador” en el mundo de la percusión en nuestro país: Juanjo Guillem.

Sul Ponticello: Àgora Actual Percussió se presenta por primera vez, y lo hace como un festival que agrupa un conjunto de actividades en torno a la percusión y la música contemporánea: clases magistrales, conciertos… ¿Cómo definirías la propuesta?

Joan Soriano: La propuesta se articula de dos líneas. Por una parte, el Festival Àgora Actual Percussió y, por otra, el European Meeting of Contemporary Percussion. Ambos nacen con vocación de universalidad acerca de todo lo que rodea al hecho de la percusión actual, y están llamados a convertirse en la gran cita anual para los profesionales y futuros profesionales del sector, en especial lo que concierne a los nuevos repertorios, a las nuevas fronteras para la creación con percusión. Es el espacio donde abarcar la situación de la percusión en nuestro país en cuanto a puesta en común de las diferentes inquietudes que siente el sector, diferentes producciones artísticas, discográficas, nuevos materiales pedagógicos, divulgativos, métodos de trabajo y dar la posibilidad a los asistentes a Ágora Percusión Actual de trabajar individual y/o colectivamente con los más destacados profesionales del país y los diferentes profesionales de trayectoria internacional que para la ocasión han sido invitados. Además de posibilitar el trabajo directo con destacados compositores y creadores nacionales e internacionales, tanto de forma individual como colectiva en diferentes agrupaciones camerísticas.

S.P.: Entonces, la formación es parte vertebral del proyecto…

J.S.: Sí, los alumnos podrán de este modo asistir y participar de una variada y atractiva diversidad de propuestas en los distintos formatos de docencia. Para ello se organizaran las clases de forma individual y colectiva con los distintos profesores nacionales e internacionales, trabajado de forma individual y colectiva las distintas disciplinas y especialidades instrumentales, atendiendo a las propuestas de modo concreto a través de clases magistrales, y exposiciones particulares donde se trabajaran los aspectos concretos de cada especialidad instrumental, piezas de solo y cámara de reciente factura y nuevas técnicas aplicadas a la interpretación y creación.

S.P.: Y con un espectro muy amplio de temáticas…

J.S.: Claro, Ágora Percusión Actual quiere ser un lugar donde reflexionar, debatir e intercambiar opiniones y experiencias en todo lo que rodea al arte de la percusión actual. Diferentes profesionales de los distintos ámbitos de desarrollo profesional expondrán sus inquietudes y proyectos a través de las distintas conferencias, mesas redondas, charlas y ponencias que se desarrollaran en diferentes jornadas que se desarrollara dentro de Ágora Percusión Actual. Las distintas ponencias, presentaciones de nuevos materiales, discografía, nuevas técnicas y tecnologías aplicadas a la percusión, su enseñanza-aprendizaje e interpretación serán abordados a través de intervenciones individuales y colectivas, mesas redondas y coloquios, dando la posibilidad de compartir y contrastar opiniones tanto por parte de los ponentes como del público asistente, creando lazos profesionales y de investigación común que cristalicen en proyectos de futuro innovación y desarrollo del arte de la percusión desde una visión holística.

El 1er Festival Ágora Actual contará con un nutrido elenco de ensembles y solistas de reconocido prestigio nacional e internacional que darán rendida cuenta de los repertorios internacionales. Los diferentes conciertos que conforman el festival tienen un doble objetivo: por un lado mostrar los diferentes repertorios actuales para el instrumento, y por otro lado ser una herramienta de divulgación didáctica del proceso y realización de los mismos, el trabajo del intérprete, los mecanismos de retroalimentación con los compositores para la creación de nuevas músicas.

S.P.: El plantel de figuras de la percusión es realmente potente en esta primera edición. Imaginamos que esta base, los nombres, es donde habéis apoyado en gran parte el proyecto…

J.S.: El cuadro de profesores, profesores invitados, artistas sonoros, compositores y ensembles –como indicas-, refleja la excelencia que persigue este especializado proyecto, pero no es el eje vertebrador de este. La MÚSICA es el elemento que se sitúa como principal objeto de articulación de las dos líneas de actuación del Festival y el Encuentro. Es por ello que tenemos un gran festival con siete grandes iniciativas en donde se reflejará la gran música actual para percusión a través de singulares propuestas, con estrenos nacionales y absolutos de algunos de los principales solistas y ensembles del panorama nacional e internacional.

Por otra parte, los participantes inscritos en el Encuentro han sido seleccionados a partir de sus propuestas de trabajo en base a las diferentes piezas que desean trabajar. Es por ello que con antelación y atendiendo a un cuidada selección musical, la organización de las clases y la programación de las actividades individuales es articulada en base a una estética y lenguaje común a todas las músicas que se trabajarán.

S.P.: Valencia Percussion Academy abrirá los conciertos del festival, el lunes 10. Háblanos de este concierto en el que estás especialmente implicado.

J.S.: VPA Ensemble ofrecerá un gran concierto “Tribute to Maki Ishii”. Se trata de una propuesta de gran formato para 13 percusionistas. Queremos rendir homenaje a uno de los principales compositores del siglo XX sin el que no es posible comprender la evolución en general de la percusión actual, y sobre todo, la gran renovación de la música japonesa en el pasado siglo. Ishii debe ser considerado como unos de los padres de la música actual japonesa que supo aunar tradición y modernidad. El programa monográfico dará una visión general de la gran música para ensemble de percusión en donde se incluyen diferentes piezas del catalogo del compositor. Un recorrido que abarca desde la primera pieza para ensemble de percusión con instrumentos tradicionales japonés tratado con técnicas compositivas actuales, hasta la última pieza antes de su fallecimiento en 2003. Por otra parte incluye el estreno nacional de For Lily basada en una importante y conocida pieza de solo Thirteen Drums, en la versión que realizó el compositor a posteriori para solista y cuarteto de percusión. En definitiva, estamos delante de la más grande fotografía de la música para percusión de Ishii que se ha realizado en este país, y el personaje y su legado lo merecen.

S.P.: El lunes 10 hay un evento poco común. ¿Qué puedes decirnos de esa “Acción presentación”?  ¿En qué consistirá?

J.S.: Se trata de fusionar sonido-cotidianidad-vida-arte. Mediante una acción con un contenido de performance, arte sonoro-digital, percusión, drama… queremos presentar el festival. Se realizará el lunes 10 de julio a las 20 horas en el Mercado Municipal de Xàbia. En esta propuesta se articularán diferentes elementos, personas, artistas de diferentes procedencias artísticas, junto a los profesionales del mercado que realizan su trabajo en él. Elevaremos lo que en él sucede a categoría artística, sublimando lo cotidiano, convirtiéndolo en extraordinario, sin que por ello se detenga la vida que en él transcurre y las diferentes acciones mercantiles que se suceden. Un gran inicio para esta primera edición de Àgora Actual percussió.

S.P.: Es interesante cómo habéis planteado los lugares donde tendrán lugar los conciertos del festival: plazas, mercados, museos… Todos espacios poco convencionales. No parece que estéis al margen del debate sobre los cambios de formato del concierto tradicional… ¿Cómo habéis diseñado este aspecto?

J.S.: La música una vez más ha sido la vertebradora del proyecto. Además, Xàbia, es una población con una intensa vida cultural, así como una gran belleza arquitectónica y natural. Sus calles, sus plazas, su entorno… su situación en la costa la convierten en lugar privilegiado. Si a esto sumamos la época en la que se realiza el Festival y el Encuentro… tenemos la ecuación perfecta.

Cada diferente propuesta ha sido enmarcada en su lugar perfecto dentro de las múltiples posibilidades que ofrecen las infraestructuras locales. El Mercado municipal como contenedor y contenido de la propuesta de presentación. La Plaza de la Iglesia para las propuestas de gran formato y para el gran público. El Museo casa del Cable, a orillas del Mediterráneo para las propuestas de solo percusión con electrónica y vídeo, marco ideal para un público más exclusivo. El Conservatorio Municipal de Música para el gran concierto de participantes en el Encuentro que cerrará el Festival.

S.P.: Siguiendo con los conciertos, el martes 11 actuará  Jianli Percussion Ensemble, que nos puedes decir de ellos?

J.S.: Sin duda es otro de los grandes conciertos de los que podremos disfrutar en el Festival. Jianli Percussion Ensemble es actualmente uno de los grupos de referencia en el ámbito en Asia. Procedentes de China, el Ensemble –que se encuentra de gira por Europa- nos visitará y ofrecerá un ecléctico programa con piezas del repertorio de los grandes compositores chinos, y otras del repertorio internacional, con una visión renovada, una potente puesta en escena, y sin duda, una gran energía, que es lo que desprende este fantástico grupo que podremos conocer en exclusiva en nuestro país.

S.P.: El miércoles 12 habrá una sesión con Philippe Spiesser, Sisco Aparici y tú mismo. ¿Qué vais a interpretar?

J.S.: Se interpretarán diferentes piezas de solo percusión con electrónica y vídeo de diferentes compositores nacionales e internacionales, ofreciendo una panorámica de las últimas tendencias en hacer y entender de la creación actual para instrumentos de percusión. Podrán escucharse obras de Alberto Posadas, José Luís Torá, José Manuel López López, Octavi Rumbau y Vicent Vicensastre.

S.P.: Juanjo Guillem –director artístico del Àgora Actual Percussió- aparecerá en escena junto con Cristian Dierstein el jueves 13. ¿Qué habéis preparado para este concierto?

J.S.: Se trata de una propuesta con un mayor cariz dramático, en donde se podrá disfrutar de diferentes piezas de Elena Rikova con la que tendremos el placer de contar, junto a Juanjo, como intérprete de su propia música. Y obras de Salvatore Sciarrino, Hugo Morales, Dieter Schnebel y Louis Aguirre. Una propuesta contrastante a la del día anterior, con una clara intención de ofrecer al público asistente una muestra de la gran diversidad de estéticas, lenguajes y posibilidades que ofrece la creación hoy.

S.P.: En el proyecto habéis puesto bastante énfasis en la presencia de los compositores. ¿Habéis planteado una participación activa de los creadores?

J.S.: Por supuesto. El español Carlos Fontcuberta, el cubano-danés Louis Aguirre, Hugo Morales, que viene de México, y Elena Rikova, de Rusia, son los compositores con los que tendremos el placer de convivir en el Encuentro. Un elenco de grandes profesionales con presencia en los grandes circuitos internacionales, que nos contarán en primera persona su particular visión de la creación para percusión, al mismo tiempo que nos presentarán las últimas obras dedicadas a esta familia instrumental en su producción y en piezas que se encuentran en pleno proceso de creación. Con ellos podremos debatir, retroalimentarnos, confrontar opiniones acerca de las posibilidades y retos que presenta la creación actual. Sin duda, una comunicación necesaria en el terreno de la creación contemporánea en donde el feedback intérprete y compositor es el elemento principal y más enriquecedor para que nuestro arte avance hacia nuevos territorios.

S.P.: El viernes 14 hay un plato fuerte: Neopercusión entra en juego con Le Noir de l’Etoile de Gerard Grisey. Coméntanos un poco este atractivo concierto.

J.S.: Sin duda, un broche de oro a un gran festival. Neopercusión cerrará los conciertos de gran formato al aire libre con la interpretación de una de las piezas más relevantes de finales el siglo XX: Le Noir de l’etoile, escrita para seis percusionistas dispuestos alrededor del público, banda magnética y transmisión in situ de señales astronómicas. Una monumental pieza que, por su dificultad y exigencia interpretativa, de medios tanto instrumentales e infraestructura necesarias para su realización, es raramente programada, y poder escucharla en el fantástico entorno del casco antiguo de Xàbia de la mano del grupo de referencia de la percusión en el país, es un lujo.

S.P.: El festival se cierra con un concierto con los participantes. Imaginamos que se interpretarán obras trabajadas a lo largo de las actividades académicas…

J.S.: Por supuesto. Los participantes en el encuentro cerrarán el último día el Festival Àgora Actual Percussió, en donde presentarán algunas de las diferentes piezas de solo, ensemble, con electrónica… que trabajarán durante él.

Una perfecta ocasión para revisitar grandes piezas del repertorio y poder ampliar horizontes como percusionistas a todos los niveles independientemente del nivel del participante, dándose a conocer y presentarse a los demás participantes por una parte, y ofreciendo nuevas soluciones y visiones a repertorios clásico-contemporáneo. Un justo y necesario final de fiesta.

S.P.: En nuestras entrevistas y artículos entorno a festivales, aún a riesgo de parecer repetitivos, no dejamos nunca de tratar el tema de la financiación. Nos parece algo de enorme importancia, sobre todo en los tiempos que corren, con el bajo apoyo a la cultura por parte de las instituciones. ¿Cómo habéis conseguido financiar Àgora Actual Percussió?

J.S.: Esta pregunta daría mucho de sí. De hecho, abriría la puerta a múltiples debates de todo tipo acerca de organización, profesionalidad, arte,futuro… que podría acabar incluso con un profundo debate antropológico, sociocultural y político de la situación real de la Cultura en nuestro país en general, en particular de la Cultura Musical, y en especial de la música para percusión. Vemos diferentes formas de enfocar el problema cuya solución en algunos casos parece ser el sobrevivir a toda costa. Está claro que una sociedad que se declare avanzada, debe de proteger y alentar la creación arriesgada, incluso la más minoritaria. Las ayudas son escasas pero imprescindibles. La asociación que organiza el proyecto cuenta con un importante respaldo por parte de la Concejalía de Cultura de Xàbia, en todo lo que ha sido posible respaldar en esta primera edición. Una institución pública a la que hemos conseguido ilusionar con el proyecto y con quien vamos a trabajar codo con codo en un futuro inmediato para implementar todas acciones y programas posibles que nos permitan llevarlo al máximo nivel posible. Por otra parte, contamos con diferentes ayudas de la Generalitat Valenciana y la impagable dedicación de la asociación Ritmo Vital, Neopercusión, Valencia Percussión Academy, firmas como PBP Mallets, Percusonic y el equipo de trabajo de la Associación Cultural Apart. Por otra parte, la aportación de los participantes sirve para hacer viable el proyecto, y en este sentido tengo que hacer especial mención a nuestra oferta en relación a otras existentes por su calidad y competitividad en relación al gasto que supone para los participantes. En definitiva, un gran potencial de recursos humanos que, sumando sus voluntades, hacen posible este gran evento.

S.P.: Por último, otra pregunta que solemos hacer a nuestros entrevistados, sobre todo aquellos que, como tú, tienen un compromiso muy especial con la música de nuestro tiempo: ¿cómo ves la situación de la creación musical en nuestro país? Obviamente, nos referimos a la parte creativa pero, especialmente, a la interpretación, y más en concreto a tu terreno, la percusión.

J.S.: Esta es otra gran pregunta, de difícil contestación ante la brevedad que el marco de esta entrevista presenta. Por un lado, veo futuro, energía, nuevas ideas, una visión holística del hecho creativo, una disolución de fronteras, propias de nuestro tiempo… y ningún arte debe ser ajeno a su tiempo. Esto es lo que queremos ser en el European Meeting of Contemporary Percussion. Este es el lugar donde las nuevas generaciones pueden verse reflejados como profesionales completos como especialistas de la percusión, el lugar donde visualizarse en su futuro más inmediato artística y profesionalmente.

Por otra parte, veo que existe una especie de especialización en cuanto a instrumentos, especialmente en la marimba, que muchas veces no hace mas que revisitar ideas, a mi entender ya asumidas, andando caminos ya andados, que aunque de gran valor, limitan a veces las posibilidades a todos los niveles del músico y la música, tal vez fruto de la homogeneización global, o simplemente como fenómeno de corto o medio recorrido. Tratándose de un instrumento en continua evolución –como es el de la familia de la percusión-, es muy difícil predecir nada, aunque no por ello debemos dejar de reflexionar y valorar el hecho de la correcta gestión de una de las evoluciones más fabulosas experimentada por un instrumento en la música occidental, que permita por otra parte seguir ahondando en esta transformación hasta que pueda situarse en un verdadero plano de igualdad con respecto a otras familias instrumentales.

S.P.: Y la presencia de la música de nuestro tiempo, ¿cómo la percibes en este contexto?

J.S.: Ciertamente todos los repertorios son válidos y cada momento vital artístico del músico debe reflejar sus inquietudes más allá del mero hecho técnico virtuosístico. Este problema común también a otros instrumentos, necesita de una revisión profunda respecto a la finalidad y utilidad del arte al servicio de una sociedad. Desde este punto de vista debe ser un trabajo a realizar desde diversas instituciones, que valoren y programen en mayor grado la música de nuestro tiempo. Por otro lado, en la vertiente educativa, es necesario revisar y actualizar los currículos, enfoques, repertorios… de los conservatorios de música, escuelas, y diferentes entidades vinculadas a la música para convertirlos paulatinamente en centros con una visión más amplia del hecho artístico, centros mas proactivos en la vertiente de creación e interpretación de nuevas músicas, o dicho de otra forma, invertir en I+D+I,  que aunque es un termino relativamente nuevo, es una vieja idea inherente a la creación artística, y en definitiva al ser humano.

Entrevistamos a Lucía Carro Veiga, percusionista y directora artística de un nuevo y prometedor ciclo, el Festival Internacional Bergerault, que se celebrará en la localidad ciudadrealeña de Valdepeñas del 16 al 22 de julio. Un festival que destila nuevos aires, una muestra más de lo que se está haciendo gracias a la mirada renovada de nuestros músicos.

Sul Ponticello: Lo primero que llama la atención (y, desde luego, resulta muy esperanzador e ilusionante) es el entusiasmo que trasmitís. ¿Cómo os habéis lanzado a una aventura así en un momento donde todo lo que “huele” a experimental tiene tan poco crédito en gran parte de las instituciones que podrían financiarlo?

Lucía Carro: El Festival no ha nacido como una iniciativa para gustar a las instituciones o para encajar en un marco que cubra los requisitos de las mismas, sino que lo ha hecho como un impulso para situar a nuestro país entre uno de los países de referencia en la creación actual y en la música contemporánea. El Festival Internacional Bergerault – Ciudad de Valdepeñas, pretende convertirse en un punto de encuentro para jóvenes artistas, en un showcase donde puedan mostrar su trabajo, en un laboratorio de aprendizaje y de co-working que inspire a los jóvenes futuros artistas y compositores del panorama nacional. Traemos a España las últimas tendencias de la música contemporánea, y no sólo mostramos éstas, sino que también mostramos cuántas caras puede tener hoy en día la música, la percusión, la composición y el arte actual.

S.P.: Tú vives en Suiza desde hace años. Presentáis el festival como “inspirado en los más prestigiosos festivales europeos de música contemporánea”. ¿En qué ha influido tu conocimiento del entorno centroeuropeo para concebir la propuesta?

L.C.: Hace 9 años, cuando me marché a estudiar al extranjero, lo hice con la idea de que algún día volvería a España para mostrar todo lo que he vivido y aprendido durante esa experiencia. El Festival Internacional Bergerault se ha convertido en una parte de ese sueño, pues es exactamente eso: un resumen de los conciertos que he experimentado en mi propia piel, no sólo en algunos de los Festivales más importantes de Europa, como el Festival Internacional de Darmstadt, el Festival IMPULS en Graz o el Festival de Lucerna, sino también en Festivales extra-europeos como el Festival Roaring Hooves en Mongolia o Two Days and Two Nights of New Music en Ucrania, y en mis andanzas. El Festival Internacional Bergerault reúne lo que es a mi juicio más representativo de cada uno de ellos y del contacto con todos los artistas que he conocido a lo largo de este camino, y basa su estructura en el funcionamiento de estos festivales. Por ejemplo, la idea del laboratorio y de fomentar un contacto directo entre compositores e intérpretes, nace de mi experiencia en los cursos de Darmstadt y Graz y durante mis estudios en la Hochschule de Basilea, donde pude comprobar no sólo lo necesario de este trabajo conjunto, si no también lo inspirador que resulta.

Las experiencias que he vivido en estos festivales, ha inspirado así mismo el formato de alguno de los conciertos que se presentan en el Festival, adaptándolos al nuevo contexto, a los artistas y por supuesto a la estética que buscamos.

S.P.: Resulta evidente el peso de la percusión en el proyecto, pero sin duda no se trata de un festival de percusión “al uso”, es otra cosa lo que queréis proponer…

L.C.: El Festival Internacional Bergerault no sólo invita a grandes percusionistas del panorama internacional a tomar parte en él ofreciendo clases, clases magistrales y conciertos, sino que también pretende mostrar todas las caras actuales de la percusión. Hoy en día un percusionista no sólo toca el triángulo y los timbales en una orquesta, sino que también trabaja con vídeo, con electrónica y utiliza cepillos de dientes como instrumentos o sensores, entre otras muchas posibilidades.

Actualmente, no sólo es importante ser un buen percusionista con buena técnica y un buen sonido, sino que incluso más importante es cómo uno se presenta a sí mismo como artista, y cómo presenta su obra. El Festival Internacional Bergerault no habla de los percusionistas como tales, sino como artistas, ya que entiende que éstos están a otro nivel de interpretación y presentación.

Así mismo un punto clave en nuestro festival, es que pretendemos acercar la música contemporánea también al público de a pie, ese público con el que un día nuestros antecesores (Schoenberg, Boulez) rompieron la relación. Es por ello que creamos y ofrecemos nuevos formatos de conciertos, que presentan no sólo música contemporánea de gran calidad (que abarcan desde nuestros clásicos de la percusión como Ionisation de Edgar Varèse hasta obras totalmente innovadoras con el uso de robots como Splitting 41 de Michael Maierhof, uno de nuestros compositores invitados) si no que la combinan con otros ámbitos, como el audiovisual, el tecnológico, la naturaleza, los cinco sentidos,  la provocación, performance o un entorno especial como puede ser una bodega, un yacimiento o las habitaciones de un hotel, para acercarla y hacerla accesible y “apasionante” para todo el público. No sólo el público asistente al Festival está involucrado en él, si no que toda la ciudad de Valdepeñas lo está.

S.P.: El Festival Internacional Bergerault se presenta como un evento multidisciplinar. ¿Cuáles son las líneas esenciales que conforman este aspecto? ¿Qué podría diferenciarlo de otras propuestas donde se habla igualmente de relación entre disciplinas?

L.C.: Yo creo firmemente en el futuro de las artes como fusión de las mismas. Hoy en día estamos habituados a recibir mucha información al mismo tiempo a través de todos los sentidos, y si algo no es nuevo o no nos emociona o “mueve” de algún modo, esto pasa desapercibido para nuestros sentidos, no lo registramos. Es por ello que el Festival se presenta como un evento multidisciplinar, que presenta distintas ramas del arte, que se fusionan unas con otras, por ejemplo no entendemos la fotografía como un elemento aislado, sino que un concierto en el que la música interactúa con la fotografía y lo recibamos con oídos, vista y quizás tacto, resulta una experiencia mucho más enriquecedora.

El Festival irá creciendo en las próximas ediciones, e incorporando poco a poco más disciplinas.

S.P.: Otro aspecto interesante de la propuesta es dónde se celebra. ¿Por qué Valdepeñas? ¿Crees que una localidad de población más o menos reducida (unos 30.000 habitantes) es un lugar idóneo para un festival de este tipo? (por cierto, esto no es precisamente infrecuente en Centroeuropa…)

L.C.: Por una parte, pensamos que Valdepeñas es la ciudad ideal para empezar un Festival de estas características, pues es una ciudad en la que para sus dimensiones existe una gran inquietud y movimiento cultural, donde se presentan propuestas innovadoras, que cuenta con muchas y variadas instalaciones y salas de conciertos (entre ellos el Auditorio Municipal con un aforo de 700 personas). Así mismo el tamaño de Valdepeñas hace posible desplazarse de un punto a otro rápidamente y sin necesidad de tener un vehículo.

También nos parece destacable su ubicación, pues está fácilmente localizable para aquellos que viajen desde el extranjero (vuelo a aeropuerto de Barajas, viaje en tren con RENFE desde Madrid) y la amabilidad de su población, así como el atractivo turístico del vino.

Estamos muy agradecidos también a todas las facilidades que el Ayuntamiento de Valdepeñas nos ha ofrecido en la organización del festival, en cuanto al uso de espacios y personal por ejemplo.

S.P.: Entrando en los contenidos del festival, ponéis un énfasis especial en la creación actual. ¿En qué aspectos se va a materializar esto?

L.C.: Destacaría varios aspectos, para empezar la cantidad de estrenos del repertorio de creación actual (algunos absolutos, otros de primera interpretación en España) que tienen lugar durante el Festival. Para continuar me parece relevante destacar que nosotros entendemos el Festival como una plataforma de proyección para jóvenes artistas y como un punto de encuentro destinado a la creación de nuevas obras y repertorio. El Festival no sólo es por tanto un punto de encuentro, si una posibilidad de networking donde iniciar relaciones que den frutos creativos en un futuro más o menos cercano.

Como parte del laboratorio, se hace un call for pieces en el que los compositores que asistan al festival pueden enviar sus obras (acabadas o en proceso) y/o conceptos, que se trabajarán codo con codo con los intérpretes a lo largo del Festival y se presentarán en concierto al final del mismo.

S.P.: El aspecto formativo tiene un papel muy relevante, con la creación de un laboratorio. ¿En qué consiste esta iniciativa?

L.C.: Este año el laboratorio consiste fundamentalmente en un curso de composición y un curso de percusión, en los que los participantes del festival trabajarán en sus obras y proyectos con los artistas invitados. El ámbito de la percusión y el ámbito de la composición coexisten durante el Festival, lo cual quiere decir que tanto los compositores trabajan e intercambian conocimientos con los intérpretes como a la inversa.

El laboratorio es también un espacio de pruebas y de descubrimiento, como su nombre indica, en el que TODO está permitido y compositores e intérpretes pueden dar rienda suelta a su imaginación con la tutoría de grandes profesionales de la materia.

S.P.: En un plano más general, ¿cómo ves el panorama actual de los ciclos y festivales de música experimental en nuestro país? Hay una clara irrupción de nuevas propuestas que, si bien no parecen tener un apoyo institucional, intentan sobrevivir y crecer a base de compromiso y mucho entusiasmo. ¿Crees que vivimos una edad de oro en este aspecto? ¿Piensas que puede sostenerse una situación así, sin el sostén de lo institucional, de la ayuda pública, en concreto?

L.C.: Cada vez la oferta de cursos y festivales en España es mayor, lo cual me alegra mucho, y el hecho de que estas propuestas no sólo sobrevivan, sino que también vayan creciendo es alentador y una muestra del interés cultural que existe en nuestro país y de las ganas de los jóvenes y no tan jóvenes que las promueven de que la situación poco a poco cambie. Pese a la cantidad de propuestas, me parece que ahora mismo el gran reto es llevar nuestra música y nuestra pasión, también al gran público, y confío en que poco a poco lo vayamos consiguiendo.

En cuanto al apoyo institucional, por supuesto que pienso que es muy necesario, y sería necesario incrementarlo. Pero puestos a ser creativos (y aunque en este caso sea casi por obligación) seamos creativos también en la forma de impulsar nuestros proyectos. En el caso del Festival Internacional Bergerault está siendo muy importante el apoyo de las empresas privadas que por medio de diferentes fórmulas de colaboración hacen posible su realización. De igual manera, las aportaciones de nuestros mecenas particulares en forma de micromecenazgo no es nada desdeñable. Es por ello que sentimos que este Festival pertenece en realidad también a toda esa gente que lo hace posible.

S.P.: Por último, hay un asunto que nos parece de gran importancia en nuestro tiempo, y del que nos gustaría conocer tu opinión como intérprete. En el ámbito en el que nos movemos somos muy conscientes de que vivimos un momento dorado en la interpretación. Probablemente nunca ha tenido nuestro país un nivel tan alto, técnico y artístico. ¿Cómo vives este hecho, teniendo en cuenta la sordera de muchas instituciones, demostrada con su falta de apoyo a la música? ¿Qué se puede hacer para que la sociedad entienda lo absurdo e injusto de este desequilibrio?

L.C.: Tienes mucha razón en que vivimos un momento dorado en la interpretación. A veces hablo con amigos-artistas de ello, y hablamos de que se está iniciando, o que estamos iniciando una revolución. Un punto clave de esta revolución cultural que afecta al arte contemporáneo y a su entendimiento por parte del público es por supuesto la educación, educar a los más pequeños (y a los no tan pequeños) es el punto clave para que esta situación comience a cambiar. Por ejemplo en Suiza todos los niños tienen derecho a la educación musical; yo misma doy clase a niños desde los 6 años, a los que ya enseño composición y efectos de la música contemporánea que con rapidez integran en su vocabulario.

Me parece también importante el huir del formato clásico de conciertos e intentar romper así las barreras que hemos creado con nuestro público, y ofrecer introducciones o presentaciones antes de comenzar un concierto donde se guíe al público en su posterior escucha, o crear espacios donde éste pueda hablar con el artista y exponer sus dudas.

En cuanto a la “sordera institucional” que mencionas, creo que tarde o temprano es la propia sociedad la que acabará exigiendo un cambio en este sentido. Nuestro gran reto por el momento es intentar convencer al gran público de que ese cambio vale la pena. Y te aseguro que cualquiera que pase por Valdepeñas de 16 al 22 de julio lo va a notar.

Desde el momento en que suena el estruendoso ataque relámpago desatado por Tony Marsh en su batería, atenuado en momentos puntuales por una nota o frase del saxo soprano de Chefa Alonso, el suelo no para de moverse, como queriendo arrancarte de tu cómodo asiento. No es que esta sea su intención exactamente; más bien han sucumbido a un torrente creativo que lleva a los dos a disfrutar al máximo del griterío, los saltos y la energía visceral de la música improvisada. Hay pocos dúos de aquellos tiempos –ni de tiempos posteriores- que se atrevan a enfrentarse de manera tan directa a la angulosidad de la vida y la música como Marsh y Alonso. En sus manos el saxofón y la percusión consiguen transmitir un carácter, una ubicación y unas atmósferas hechos música.

En sus improvisaciones hay un equilibrio excepcional entre la experimentación radical y la sensibilidad profunda. Por un lado, hay piezas que en su elegancia e introspección parecen tridimensionales. Hay otras que, a la vez que te deslumbran, demuestran un grado de compromiso con las necesidades expresivas de la música que no se encuentra fácilmente. En Good Bye Red Rose, una pieza repleta de vivas y agudas sorpresas, la energía es palpable. By the hand y No es un truco, aunque se grabaron con un intervalo de casi seis meses, parecen idiomáticamente relacionados en su uso de una sorprendente destreza de los dos instrumentistas, que juntos parecen estar dando rienda suelta a una verdad musical en estado crudo. En otros momentos –como en FlimFlam y su complemento Frusleria tres- hay evocaciones ricas e impresionistas del pensamiento musical de cada uno. La narrativa de Huesca, por su parte, evidencia lo que puede ser la improvisación practicada al más alto nivel.

El gran colorista en la batería y la percusión, Marsh, se junta con el saxo vivaz y sugerente de Alonso de manera absolutamente resuelta en esta grabación, donde cada pieza es un tour de force para los dos instrumentistas, que son tan intrépidos como brillantes. Ambos consiguen hacer volar cada idea y cada frase en una soberbia actuación que vale cada céntimo del precio del CD.

Traducción: Cy Williams

Good Bye Red Rose! / Tony Marsh & Chefa Alonso
Chefa Alonso, saxo soprano. Tony Marsh, batería.
Emanem 5043

Audición de Huesca, último corte del CD:

Siempre es un placer recibir un disco de música contemporánea cuyo contenido pueda ser consultado en partitura, algo cada vez más extraño: repertorios que buscan nuevos nombres conllevan muchas veces el no disponer del material necesario para realizar la escucha íntegra que el ejericico crítico requiere, pero también es cierto que muchas veces no se alcanza a disponer de los papeles necesarios para el repertorio menos conocido de grandes autores. No es el caso presente, este Bass Clarinet and Percussion del compositor Morton Feldman bajo edición de Universal Edition y por lo tanto fácilmente accesible, y que presenta en una soberbia edición digital el sello especializado en grabaciones 3D afincado en Barcelona Neu Records. Tal vez la consideración acerca de la partitura fuera menos necesaria en cualquier otra reseña discográfica, pero no precisamente en esta: respeto a la partitura extremo, no exento de una interpretación propia y original, en un trabajo ejemplar y de referencia.

Probablemente sea la iniciativa de la gente de la factoría Neu algo único en España: la de especializarse en el ámbito digital casi de manera exclusiva pero con el añadido de trabajar en la espacialización del sonido a través de las grabaciones/mezclas multicanal, algo que los lleva a trabajar en una dirección bien definida ofreciendo diferentes remezclas del material orientadas a los diferentes tipos de escucha que brinda hoy en día el entorno de la escucha doméstica. La cuestión no tiene desperdicio, y uno puede hacerse con un pack que incluye las versiones en mp3 a 320 Kbps, audio stereo en dos formatos diferentes (ambos sin pérdida de datos por compresión y a una altísima calidad de muestreo), una remezcla multicanal y el correspondiente cover del trabajo; y si uno no desea semejante pack, puede igualmente proceder a la descarga prescindiendo de la versión multicanal y de un sampling rate tan elevado a un menor precio. Y es el precio, precisamente, uno de los pocos aspectos en dónde la incursión al mundo digital de Neu no acaba de responder a la actualidad: si bien estamos ante un trabajo de una calidad óptima, unas cantidades de 10 y 6 euros respectivamente para cada una de las ediciones resultan excesivas para un trabajo que, en esencia y a pesar de los remix, no deja de ser un único track. Igualmente (aunque este punto es fruto, precisamente, de la adecuación a dicho entorno de reproducción no analógica), otro reproche que se le podría hacer a la edición sería el de haber prescindido de un booklet digital que ofreciera las mil y una reflexiones posibles acerca de este trabajo desde una óptica tanto artística como técnica, aprovechando que son muy pocos los registros que podrían presumir de unir una factura compositiva, interpretativa y de registro fonográfico a una misma cuota, y una muy elevada. En cualquier caso, sobresaliente con matrícula para los responsables de tremendo enfoque discográfico, Santi Barguñó, Hugo Romano y Mireia Pacareu, que en su balance entre obra, espacio sonoro, registro y post-producción, merecen únicamente palabras positivas sabiendo que darán mucho que hablar, habida cuenta de la claridad con la que ilustran en la propia página web del proyecto sus ideas acerca del concepto de espacialización, su relación con la música contemporánea, lo obsoleto de la escucha imitativa del espacio frontal del auditorio decimonónico y la visión clara de la tendencia a la baja del auditorio mismo. Y si es de esperar que los oyentes lleguen a semejante apreciación, los ejecutantes y ensembles que deseen contar con unos profesionales capaces de reinventar el sonido adecuándose a la interpretación ofrecida y a las exigencias de la partitura (cualquiera que haya trabajado en el entorno de la producción sabrá que el registro y la mezcla de pianissimos continuados, como en el caso presente, es todo un reto debido a la tiranía de la masterización moderna), desde luego deberían tenerlos en cuenta. Los ejecutantes y el ensemble.

A pesar de que, por la novedad del enfoque, haya sido casi obligado comenzar desgranando el trabajo en sus aspectos técnicos, uno no puede dejar de saltar seguidamente al asombroso trabajo del clarinetista Víctor de la Rosa. Sencillamente sorprendente su dominio de los registros en un instrumento como el clarinete. Uno no sabría explicar muy bien de dónde ha sacado De la Rosa esa capacidad para controlar los pianos en el registro agudo de su instrumento infernal, pero incluso consigue que parezca algo fácil de obtener en una obra que perdería una enorme parte de su valor sin este control absoluto de la dinámica. Saltos enormes de uno a otro registro que ponen al intérprete al nivel de los mejores clarinetistas actuales. Y en una obra de una complejidad de escritura palpable, dónde los compases no están alineados más que cada determinados períodos con la consiguiente flexibilidad interpretativa exigida al intérprete (Feldman, haga cuadrados o escriba notas, es Feldman), se ve arropado el clarinetista central por al estupenda labor de Feliu Ribera y Paula Piñero, dos percusionistas para una única línea instrumental, en una obra escrita poco antes de la muerte del compositor. Así las cosas, un clarinete que apenas sufre cambios en su escritura de naturaleza mínima y callada, convive con el ataque de una percusión más cambiante y unificándolos a todos (y teniendo en cuenta el enfoque sonoro conseguido hay que incluir a la muerte misma, un ente cuya captura nunca es sencilla), el compositor Luis Codera Puzo en calidad de director artístico del ensemble y a quién en última instancia habría que hacer responsable de la maravillosa unidad de criterios que conviven aquí.

No es Feldman un autor de interpretación sencilla, máxime en su último período compositivo dónde directores e intérpretes han de enfrentarse a unas duraciones siempre desmedidas (ya sea en su extensión total, ya sea en sus duraciones relativas), con tendencia a un pseudo-estatismo casi absoluto que se hace eco de las teorías de su autor en analogía a determinadas técnicas pictóricas. Es aquí esa cualidad de la ataraxia, del nirvana contemplativo, la que hace su aparición tomando como referencia preeminente la pintura de un Mark Rothko que Feldman resumía como el artífice de la construcción de pasajes estáticos pero en tensión constante, en un estado “helado y en vibración a un tiempo” y que daría lugar a obras específicas como la Rothko Chapel de 1971, mismo año de composición de la que podría ser considerada su primera gran obra para clarinete, Three Clarinetes, Cello and Piano.

Aún con 10 años de diferencia entre estas obras y la presente, compuesta en 1981, se establece un eje que traza una trayectoria que entrelaza silencio y sonidos quedos hasta el límite de lo indecible, una época en la que muchos han querido ver una cierta vuelta al clasicismo en base a una utilización de plantillas instrumentales con una gran tradición histórica y que culminaría en 1983 con la composición del quinteto Clarinet and String Quartet. Tal vez sea excesiva dicha valoración, pero no lo es en absoluto el considerar dichas obras como la cima de la producción de Feldman, aún cuando seamos muchos los que preferimos todo su segundo período compositivo abrazado a los principios aleatorios de su “padre” John Cage. Igualmente, se ha querido ver en la tendencia cada vez más pronunciada hacia lo que el propio compositor denominaba “quiet sounds” como un síntoma de la cercanía de la muerte: sea o no sea su desaparición la que se recoge aquí, desde luego que CrossingLines ha sabido plasmar la fragilidad de un silencio que por turbador, iluminador y sencillamente hermoso en su fragilidad, merece la máxima de las valoraciones posibles.

CROSSINGLINES: “Bass Clarinet and Percussion” / Morton Feldman
Víctor de la Rosa, clarinete bajo
Feliu Ribera y Paula Piñero, percusión
Neu Records

Dedicado casi en exclusiva a registros nacidos al amparo de la improvisación libre, el sello discográfico radicado en Madrid ALINA RECORDS –gestionado por el músico Víctor Sequí- presentaba el pasado mes de marzo la primera muestra de un nuevo proyecto formado a la par por dos nombres insignes del género en nuestro país, este Jun y Gor con Javier Carmona a la percusión y A.L. Guillén a la guitarra, que consigue momentos de verdadera energía bruitista que bien podría acabar reconciliando con este a los detractores del género en base a lo logrado de su propuesta. Disponible para su descarga gratuita a través de la página web del propio sello discográfico (existe una edición física en tirada limitada disponible en los conciertos del dúo), Jun y Gor estarán presentando el trabajo en Madrid el próximo 17 de abril en el ciclo Raras Músicas (antes, 14 de abril en Clasijazz Almería, 15 en El Limbo Córdoba y 16 en Plutón Valencia), como parte de la brillante actividad que ALINA RECORDS está ofreciendo a sus artistas (habría que sumar la creación de un nuevo espacio radiofónico a la ya incesante labor de difusión a través de discos y conciertos), actividad esta que responde, en palabras de su propio responsable –el arriba citado Sequí-, a una voluntad de crear “un proyecto de difusión de las músicas improvisadas que tiene la tendencia de mostrar un trabajo más íntimo y de relación personal entre los músicos improvisadores”.

Sobre estos Jun y Gor anclados en la crudeza del sonido en directo con murmullo de público, gritos y gemidos (no siempre del respetable) pero con una producción bien trabajada para sus fines (sin que aquí el sonido saturado, mal inevitable en este tipo de grabaciones, llegue a ser un problema grave una vez asumido), habría que comenzar resaltando la excelente consciencia motívica de la guitarra, cuya técnica en la exposición de motivos de rítmica muy definida y su posterior extracción continua de células con la que construir su discurso tiene una raíz funk-rock más que marcada (insistiendo siempre en la concepción rítmica del asunto, dado que su lenguaje aquí es el ruido a través del procesamiento extremo del sonido de un instrumento que por momentos se encuentra igualmente “alternativamente afinado” y/o “conscientemente desafinado” con el objeto de evitar cualquier “accidente tonal”), ambos instrumentistas construyen un discurso que por momentos hace dudar de su carácter improvisado. Es en las grandes masas sonoras a dúo, enormes crescendos o simplemente masas descomunales de sonido mantenidas sin proceso alguno, en donde ambos ejecutantes se compenetran hasta límites francamente llamativos aunque es precisamente en el eje del disco, este ya comentado trabajo motívico tan definido, donde el carácter indeterminado de la grabación no solo hace su aparición más cruda sino que también pone de manifiesto los mayores aspectos negativos (negatividad relativa, por supuesto) del trabajo: el no aprovechamiento del diálogo a un nivel temático por parte de la percusión (pudiendo hablar de un “y viceversa” sino fuera porque la definición celular se encuentra en la guitarra en casi todo momento). Falta de diálogo entre dos ejecutantes: una guitarra tratando de exponer su discurso a un percusionista que se encuentra tan feliz hablando solo y que por momentos se van encontrando en los momentos de mayor tensión / éxtasis. Si uno lo piensa bien, esta también es una realidad plasmable y Jun y Gor han decidido funcionar más como una pareja de temperamento pasional que como un matrimonio de largo recorrido y, aceptando que tal vez el diálogo no siempre ha de ser el camino, uno alcanza a comprender la riqueza de ambos planos sonoros, dado que el lenguaje y la técnica de Carmona es francamente brillante y dicho “problema” lo será tan sólo para alguien que busque en exclusiva en este disco un lenguaje que aún recuerde a la construcción celular tradicional en Occidente. Tal vez el matrimonio sea a estas alturas una opción excesivamente decimonónica para una corriente estética fruto de otra sociedad por lo que tal vez nos convenga entregarnos a pistas como las que abren y cierran el trabajo (Salute Our Gorgota o la soberbia Infraumbilical así como el intermedio Long Hot Summer Night) que avanzan por estos derroteros haciendo uso de recursos similares pero sabiendo que un corte como More Sea Over The Black Sea deja testimonio de un pensamiento de corte más contemplativo y espiritual; amplios pasajes de reminiscencias orientales, con un oído puesto en Pakistán y otro en la Andalucía más profunda (¿Es casi lo mismo? Es casi lo mismo, en buena medida) que enlazan más con otros trabajos personales de Guillén a solo, a través de los que sintetizan la esencia de su discurso final: Dios, si existe, se manifiesta (o no) tanto a través del éxtasis como a través de la contemplación y, en caso de que decidiera no manifestarse, siempre nos quedará Zappa. Como enseñanza, es cuando menos interesante, por lo que desde una óptica del siglo XXI Jun y Gor no dejan de ser un retrato del arkhè sónico en estado puro. En el medio, serán Junbano y Pecholata las que hagan mayor gala del espíritu rockero subyacente y a través de las cuales salgan a saludar Mothers of Inventions, Electric Ladylands y sujetos similares: momentos que refrescan la escucha y que ayudan a conformar un trabajo que funciona perfectamente en toda su extensión a pesar de lo austero de su lenguaje en determinados momentos en las manos y las mentes virtuosas de Carmona y Guillén.

Jun y Gor
Javier Carmona, percusión
A.L. Guillén, guitarra
ALINA RECORDS / AL-023

En esta ocasión os traemos a vuestras pantallas Le Guide de la Percussion, una página que emula el formato de diccionarios y enciclopedias en la web y  funciona mediante una suscripción, al igual que otras plataformas online como Oxford Music Online o Naxos Music Library, la cual nos permite acceder a la totalidad de su contenido.

Esta herramienta nace de la iniciativa del percusionista francés Raphël Simon quien, aparte de haber desarrollado una extensa carrera como intérprete profesional, en 2010 funda, junto a la pianista Amélie Stillitano, la compañía de producción de espectáculos PROD-S S.A.R.L. Es en el seno de esta compañía donde en 2014 crean La Guide de la percussion como una herramienta dirigida tanto a intérpretes como compositores, directores, arreglistas, musicólogos y melómanos, con el objetivo de ofrecer un material amplio y una información completa y de calidad sobre los instrumentos de percusión.

En esta web podemos encontrar entradas enciclopédicas de más de cien instrumentos de percusión de todo el mundo, tanto del mundo de la música clásica y académica como del ámbito popular y folclórico, e incluso un apartado dedicado a la percusión corporal. Las entradas no se limitan a una definición puramente descriptiva del instrumento, también van acompañadas de apuntes sobre la historia y  la técnica que se utiliza para tocarlos, además de dedicar un espacio a las baquetas, los distintos modelos que hay de un instrumento, la notación y el repertorio más significativo del mismo. Además, según la página, hay más de 1500 vídeos explorando las posibilidades sonoras y técnicas de los instrumentos que la componen.

La guía no se limita únicamente al aspecto enciclopédico de los instrumentos. Hay un apartado dedicado a pautas, consejos y trucos a seguir en las distintas tipologías de agrupaciones en las que encontramos instrumentos de percusión, desde el perfil del percusionista solista hasta la percusión orquestal, incluyendo un apartado de pedagogía y de percusión para los no percusionistas. También encontramos un apartado dedicado a las entrevistas y biografías de importantes figuras del campo de la interpretación, la dirección y la composición, como lo son Emmanuel Sejourné, Leonard Slatkin, Eric Sammut, Jean Geoffroy o Gary Burton.

En cuanto a las suscripciones, encontramos esencialmente de tres tipos: la de estudiante, que es la más económica; la suscripción pública estándar; y por último la suscripción que se ofrece a instituciones o entidades educativas. También es posible el simple registro gratuito, que permite un primer contacto con estos recursos, aunque con limitaciones.

A partir de aquí, sólo nos queda recomendaros la visita es este interesante recurso online, que puede hacerse desde este enlace:

• http://le-guide-de-la-percussion.com