Impresiona ver la cantidad de miserias de la política actual, si es que puede llamarse así a lo que practican los políticos. Acabamos de pasar unas elecciones donde prácticamente no se ha hablado de nada que pueda entenderse como formas de servicio a la ciudadanía y ya están todos –políticos y medios de comunicación- saturando el espacio informativo con supuestos pactos, cálculos de escaños y demás mecánica parlamentaria sin atender a ninguna idea política. Así, nos encontramos con que tal o cual situación posible deviene en que tal o cual partido toma un escalón más o menos de poder. Pero en ningún caso este poder responde a una propuesta de cómo organizar la sociedad, eso parece que viene de suyo, por la ideología que porta cada cual, pero en realidad no es así. Los pactos deberían fraguarse a partir de ideas sobre las cosas, sobre cómo responder a los problemas de la ciudadanía, no sobre los sillones que se ocuparán o la fuerza que se tendrá en un hemiciclo. ¿Pero de qué ideas hablamos si unos se han dedicado a salvar a España a golpe de Reyes Católicos, reconquista y Novios de la muerte, los otros a imitarlos y los de más allá a salvar a España de los anteriores? Bueno, a decir verdad, el Sr. Rivera descubrió a Cage en un debate y mandó callar para que el silencio se hiciera materia sonora. Algo es algo…

Y si no se habla de sanidad o de educación, ni siquiera de economía, qué decir de la cultura. Siempre desaparecida, aparcada en un rincón de los programas electorales –sea cual sea el signo político-, este país parece no tener remedio en este aspecto. La cultura es una asignatura “María”, que sirve ora de comodín para plantar un verso de Machado en un discurso, ora para reivindicar un cine español que, sentimos decirlo, es manifiestamente mejorable (por ser benévolos). Por supuesto, siempre queda el tan socorrido binomio turismo-cultura, para entender que esta última sirve para algo más allá que para engrosar el presupuesto con mantenimiento de museos, programas de teatros de ópera y demás obligaciones de cualquier gobierno que se precie en nuestra moderna democracia.

Pero el problema es que hay muchos problemas. Ya obviando el nefasto y principal asunto de fondo –la absurda idea de que la cultura es algo accesorio en la sociedad (¿es acaso separable?)- hay problemas concretos que resolver urgentemente. El gobierno que se constituya tendrá que hacer frente a unos retos de primer orden. Por poner sólo un caso, cómo reorganizar el INAEM, que hace aguas desde hace décadas. Por otro lado, parece que el tan traído y llevado Estatuto del artista, aprobado el pasado enero en el Congreso, podría desarrollarse en esta legislatura (sería más que necesario), y sin embargo una noticia tan importante como que los artistas podrán compatibilizar pensión y derechos de autor, ha pasado totalmente desapercibida en el fragor del fin de semana electoral, cuando se aprobó. En definitiva, actuaciones reales que no deberían ser excepción, sino convertirse en flujo continuo que viniera a paliar el abandono crónico de la cultura por parte de los partidos y los poderes políticos. Es triste, pero por mucho que estas dos últimas medidas puedan levantarnos algo el ánimo, no hay demasiadas razones para confiar en un cambio de rumbo. Si no, los programas electorales habrían tenido otro tono. Y otros contenidos.

Como consecuencia de la deplorable consideración de los artistas, aun con todos los parlamentarios de acuerdo en desarrollar su Estatuto, se producen casos como el de la UEFA (entidad totalmente vinculada lo público), que ni corta ni perezosa “ofrece” a bailarines actuar gratis en la ceremonia de apertura de la final de la Champions a cambio de figurar en los créditos. ¡Qué gran honor! Aquí está la carta de protesta de la Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad de Madrid (Apdcm) y la Confederación de Artistas Trabajadores del Espectáculo (ConArte) y un artículo de EFE sobre el tema. Algo que, como indican en la protesta, se repite demasiadas veces: 080 Fashion Week o la gala de los Goya, sin ir más lejos.

Así que bueno, en cualquier caso, el pesimismo es lo último que se pierde.

China es un país que tiene la particularidad de aparecer en las noticias cuando menos lo esperamos y por las razones más inauditas. Es, indudablemente, un actor mundial de primer orden pero que siempre aparece a la sombra, como agazapado y actuando sotovoce del ruido mediático. Entonces, salta una noticia a un medio, y nos sorprende, pero nunca activa –o no permite activar- ese mecanismo por el cual los grandes medios y agencias toman una noticia para auparla a las portadas.

Nos han llamado la atención dos noticias de esas que ocupan los interiores recónditos de los periódicos (si habláramos de papel, lo que ya empieza a ser una ironía). La primera tiene que ver con esto que decimos y, sobre todo, con las oscuridades de la política; la segunda, es más bien un exabrupto marquetiniano.

Según diferentes medios, como el ABC, las acciones de la embajada china en España al Teatro Real impidieron las dos representaciones que la compañía de danza tradicional china Shen Yun tenía ya contratadas en Madrid para final de enero e inicio de febrero. El supuesto motivo es que el espectáculo toca, en determinado momento, algunas cuestiones “delicadas” para el régimen, como la acusación de violaciones de los derechos humanos perpetrados contra los practicantes de la disciplina espiritual Falun Dafa. Incluso el diario chino La Gran Época –versión en español de Epoch Times, con sede en Nueva York y, eso sí, como puede suponerse, de tendencia poco amable con el régimen de Pekín-, muestra en un vídeo una conversación-trampa entre el embajador chino y una periodista que se hace pasar por alguien del sistema donde se descubre el “pastel”. Obviamente el Teatro Real no reconoce estas versiones y alega “problemas técnicos” como motivo de la suspensión.

Salvando el hecho de que es muy difícil –por no decir imposible- conocer la veracidad de las acusaciones, si pensamos que son ciertas, resultaría bastante escandaloso que un teatro público de un estado de derecho retire de su programación un espectáculo –incluso con cerca de 700 entradas vendidas- por presiones políticas de un régimen que tiene poco de democrático. Evidentemente, de nuevo, estaríamos hablando de censura, una censura cuyo interés final –para el teatro español- sería probablemente evitar cualquier roce con un país que, como indican algunas informaciones, es un mercado potencial importante para los teatros de ópera occidentales.

Acabar con Schubert

La segunda noticia, resulta más divertida, y seremos breves porque se comenta sola. Se trata de un hito de la tecnología de la compañía de móviles chinos Huawei, que ha anunciado que su modelo AI será capaz, mediante inteligencia artificial, de terminar la Sinfonía n.8 en Si menor de Schubert, una versión que se estrenará el 8 de este mes en el Cadogan Hall de Londres.

Ahora sólo queda que algún móvil logre resucitar a Franz para preguntarle qué le parece y si quiere revisar algo.

En numerosas ocasiones, artistas sonoros y creadores de música (sic) contemporánea se enfrentan al conflicto con la definición de su material sonoro y a la continuidad entre los sonidos asociados al mundo real (sea lo que sea) y al mundo artístico –es decir, la tensión entre lo real y la ficción, un tema tan antiguo como el propio arte pero no por ello menos actual-. Esto hace que las políticas públicas de organización del sonido y del ruido incidan directamente en la disponibilidad de los materiales sonoros, así como en su definición para la creación. Karin Bijstervel presenta en su libro Mechanical Sound. Technology, Culture and Public Problems of Noise in the Twentieth Century (MIT, 2008) una perspectiva trágica de la historia de la “cultura de los problemas públicos”, donde ella misma sitúa su texto sobre el ruido. La trágica propondría una alternativa a la perspectiva “utópica”, que permite la creación o la dirección hacia un nuevo orden; o la “olímpica”, que es escéptica con toda posición. A su juicio, pese a los constantes intentos de controlar el ruido, éste tiene aún “un lugar prominente en la agenda pública del mundo occidental”. Es decir, a diferencia de, por ejemplo, el control del mal olor, que pudo controlarse a través de un paulatino cambio en la mentalidad de los ciudadanos con un modelo específico de educación (verbigracia, eliminando la relación entre la masculinidad y el sudor) y una mejor salubridad de los servicios públicos; el ruido no ha sido aún controlado de forma eficiente y, por decirlo de alguna manera, definitiva. No se ha alcanzado un consenso sobre las prácticas frente o con el ruido, ni siquiera una definición específica de lo que se debe combatir. Esto tiene que ver, a su juicio –y  siguiendo en esto muy de cerca a Sterne (un autor ya comentado en esta sección, aunque se podría explorar muchísimo más)- una confianza en el ruido como garante del progreso, del buen funcionamiento de las maquinarias, su valor tecnológico por encima del silencio o como trasfondo de sociedades que, paulatinamente, han desarrollado “pavor al silencio”.

A su juicio, por tanto, combatir el ruido como problema público se enfrenta –al menos- a tres asuntos. Por un lado, el aparente conflicto entre el progreso económico y tecnológico con el modelo de una vida tranquila y silenciosa. Por otro, la subjetividad de la escucha y, por último, el carácter intrínseco de la cultura occidental. El primer aspecto es el más complejo y al que, específicamente, se dedica todo el libro. Por ejemplo, se asume que la vida es ruidosa en la ciudad, pero muchos de esos sonidos, de ser desactivados, harían esa vida peligrosa o inhóspita. Tal sería el caso si no fuésemos capaces de escuchar un coche aproximarse.  El segundo aspecto tiene que ver con la percepción auditiva y su función en la interacción social. Se asume, así, que la escucha difiere de la visión por tener una presencia constante –como ya decía Seth Kim-Cohen, no hay un párpado para el oído- y altamente involuntaria. Asimismo, hay un componente subjetivo que complejiza enormemente la definición de ruido, pues el mismo tipo de sonidos son catalogados como ruido –en tanto sonido molesto e indeseable, siguiendo una definición muy básica e ideológica del ruido- por un colectivo mientras que, para otro, esos sonidos son placenteros o deseables. Esto también sucede cuando se reducen todos los parámetros posibles del ruido a su volumen, una característica que, según Bijstervel, es específica de los últimos años. La reducción al volumen tiene una virtud, sin embargo: que ya el ruido no se entiende meramente como caos, sino que entra dentro de un entramado más complejo, también simbólico (es decir, ordenado). La estetización de la vida cotidiana juega también un rol crucial: esa manida frase de la creación de nuestra propia “banda sonora” obedece, en cierto modo, al rol que se le asigna a ciertos sonidos de elaborar nuestra percepción cotidiana de nuestra vivencia. Este asunto ha ido evolucionando a lo largo del tiempo. Según explica la autora, a finales del siglo XIX y a principios del XX, con el auge de tecnologías ruidosas implicó que la sensibilidad por el ruido estuviese ligada a la sensibilidad intelectual, es decir, a la “mente refinada, delicada y cultivada”. Las élites consideraban que no mostrar inquietud ante el creciente ruido urbano era incluirse, directamente, en una clase vulgar. El tercer aspecto, por último, tiene que ver con el ya nombrado “miedo al silencio” y el complejo “derecho al silencio”, que solo se consigue tras una modificación lenta y paulatina de las relaciones y estructura sociales, algo evidente cuando observamos el desarrollo y alcance de las salas de cine. Bijstervel aprovecha este punto para tomar distancia de lecturas, como las de Ihde, en las que se defiende que la primacía visual de la cultura occidental implica una atrofia del potencial auditivo. Ella defiende justo lo contario, a saber, que “nuestra cultura se ha ido poco a poco volviendo dependiente del ojo como consecuencia de los éxitos ocasionales de la disminución del ruido”. Para ello, se sirve del ejemplo de la sustitución de señales auditivas por señales visuales, como es el caso de la eliminación de las llamadas en las estaciones o aeropuertos a favor de la colocación y actualización de cartelería.

De la misma manera, considera que el problema del ruido debe estudiarse desde tres categorías: propiedad [ownership], responsabilidad política [political responsibility] y responsabilidad causal [causal responsibility]. Los propietarios son los que “definen el problema”, aquellos “que intervienen para solucionar el problema” serían los que atentan la responsabilidad política y, por último, la “explicación del fenómeno” sería la responsabilidad causal. Para ella, en numerosas ocasiones lidiar con el problema del ruido en el espacio público implica desenredar una compleja madeja entre estos tres aspectos. Para ella, en muchas ocasiones, la elaboración de políticas públicas sobre el ruido ha pasado por la modificación de la definición del ruido a través de fijar la importancia en alguno de estos polos. Es el caso, por ejemplo, del lento proceso de democratización del acceso a formas de reproducción de la música en el ámbito privado. Poco a poco, como explicamos a colación del texto de LaBelle (que no por casualidad tiene el trabajo de Bijstervel en mente), la división del espacio público y privado se fue difuminando por la ocupación sonora del mismo. Es evidente cuando se escucha música muy alta y molesta a los vecinos. Se ponen dos cosas en juego: la definición de ruido (música para mí, ruido para mis vecinos) y la duda por la responsabilidad cívica o institucional. Ante este tipo de choques, por tanto, aparece la cuestión de quién es “propietario” de la definición de ruido y, por tanto, define su uso público y límite privado. En este sentido, al igual que se trazan los caminos para establecer o revocar el “derecho al silencio”, también se  han de trazar para el “derecho a hacer ruido”. La intervención directa fue paulatinamente modificándose hasta alcanzar niveles de interiorización de un constructo moral sobre el ruido. Esto consiste en que la “fuerza externa” sea, finalmente, equivalente al “autocontrol”, es decir, que haya una identificación entre la norma y lo que un individuo considera como bueno, válido o necesario. Este asunto, de gran complejidad, la autora se lo atribuye a Herman Vuikske y a Cas Wouters siguiendo a Norbert Elias pero, todo hay que decirlo, este paso de la ley moral a mi ley moral es, fundamentalmente, el núcleo de la moral kantiana. Pero de eso, quizá, ya hablaremos otro día. Lo interesante, sin embargo, sería que no solamente hay que encontrar el equilibrio entre “mi” derecho al ruido y al silencio y al de los demás, sino que además, habría que solucionar –siguiendo el modelo de las sociedades actuales- cualquier problema derivado mediante la negociación. Eso sería “lo civilizado”.

Por tanto, las soluciones al problema del ruido pasan por (¡también!) tres posibilidades: su individualización, su objetivación o su materialización. La individualización se da cuando las soluciones “se centran en las decisiones individuales de los ciudadanos y se enfocan en cambiar el comportamiento de los individuos a través de a educación”. La objetivación, por su parte, consiste, primero, en la estandarización en las medidas del ruido y, posteriormente, su control y establecimiento de límites. Es decir, la creación de un sistema normativo basado en valores objetivos. Por último, la materialización implica a todas las soluciones técnicas y tecnológicas que se centren en la reducción de la emisión de ruidos. Todos los puntos resultan problemáticos, pues en la mayor parte de los casos –aunque especialmente en lo que concierne al segundo punto- implica una estructuración del espacio público y privado en base a un cierto privilegio político. Al igual que se crean zonas libres de humo, también se crean zonas de silencio –como en los trenes- que, por más que puedan ser de lo más provechosas, implican la división elitista –pues la diferencia entre una y otra consiste en quién puede pagarla- por zonas de un servicio. A su juicio, este tipo de soluciones inciden, de nuevo, en el volumen, pero no, por ejemplo, en otras definiciones asociadas al ruido como la discontinuidad, la falta de familiaridad o la falta de expectativa del mismo. Todos estos aspectos han sido “dejadas de lado dentro de los estándares que definen el impacto del ruido en la población”. Por el contrario, como ya sugerimos, inciden en la “regionalización del ruido” y su “distribución social desigual”. La relación con el ruido tiene que ver, por tanto, con la clase social y el salario, pues ello propicia la posibilidad de actuar, elegir o evitar esta regionalización y actuar socialmente en consecuencia. Siguiendo a Sheila Janasoff, en lo que quiere incidir Bijstervel es que el sonido y el ruido forma parte de una determinada “epistemología civil” que, según se constituya, tiene una incidencia en la participación cívica u también en la toma de decisiones técnica que afecta, en definitiva, a la configuración de las formas de vida. El reto ahora es pensar estas problemáticas desde el arte, que –quizá desde que existe- intenta proponer otras epistemologías posibles.

Titulábamos nuestro editorial del pasado mes como “Censuras, dimisiones y palabras vacías”, pero nos faltó tiempo para incluir, entre los dimisionarios, al recién nombrado Ministro de Cultura y Deportes Maxim Huerta. Toda esta chusca situación, con las mil y una gracietas que provocó (y algunas páginas de indignación que, a su vez, servían para otros tantos chascarrillos), ha pasado a una situación de absoluto silencio con el nombramiento de su sustituto, José Guirao, reconocido gestor cultural –este sí con trayectoria en el currículo-, al que parece se le conocen menos amigos y enemigos (o son menos ruidosos) que al presentador de Ana Rosa.  La impresión de que todo ha tomado un cauce más razonable, de que el gobierno ha reconducido una situación que parecía obedecer al capricho más que a una línea política meditada, se ha apoderado de la opinión pública (y publicada).

Sin embargo, no podemos obviar que esta sustitución no es fruto de una marcha atrás desde el convencimiento de que se había puesto una persona poco adecuada en un cargo de enorme responsabilidad. La sustitución viene dada por lo de siempre: la corrupción y sus derivaciones. Los “debe” de Maxim con la Agencia Tributaria –vía condena de 218.332 euros- son la razón única de que Guirao esté al frente del ministerio. Evidentemente, se podría haber nombrado a otra figurilla, pero en este caso parece que la crítica por la inexperiencia gestora de Huerta aconsejaba no meter las dos patas a la vez.

Pero, insistimos, sorprende el silencio. ¿Qué pasará con el ministerio más vapuleado por sucesivos gobiernos? ¿Habrá pronto nuevo/a directora/a del CNDM? (por poner un ejemplo de incógnitas todavía no resueltas). Parece que el veranito llega, aplasta el calor, y se nos olvida que Maxim no era en realidad el problema. El problema es qué va a ser de ese ministerio, casi siempre tratado como la asignatura “María” de cada legislatura. ¿Será diferente con este nuevo gobierno, empeñado en que se note que abre las ventanas para que entre el aire? Eso sí, una primera acción contundente ya se ha visto, la anulación el pasado 29 de junio de la fusión del Teatro Real y La Zarzuela. ¿Será una pista? Estaremos atentos.

En el momento de escribir este editorial suena en las radios de este país el debate de la moción de censura al Presidente del Gobierno por los desmanes sentenciados por la justicia.

Runrún “Ustedes, corruptos.”
Runrún: “Sus Señorías, también.”
Runrún: “Sus Señorías, más.”
Runrún: “Más sus Señorías.”

Runrún, runrún, runrún…

Y en medio del fragor parlamentario (por llamarle de algún modo), en la Cadena Ser, salta una noticia de alcance: “Hemos tenido noticia de que Zinedine Zidane va a anunciar su dimisión en una rueda de prensa que tendrá lugar a las 13 horas”. Apaga y vámonos, ¿cómo vamos a comparar el runrún parlamentario con lo que se avecina? País…

Así que, visto y oído lo visto y oído, en vez de un texto editorial, en este momento que más que solemne y de ruptura con un tiempo político de nausea y angustia parece lleno de ruido y furia, se nos ocurre invitar al lector de este número de junio de Sul Ponticello –que por cierto, viene repleto de textos interesantes- a una escucha. Y por razones obvias, no se nos ocurre mejor obra que Empty Words de John Cage. Un extracto, de hora y media, nunca tan extenso como el debate parlamentario, no se asuste nadie.

[There is a video that cannot be displayed in this feed. Visit the blog entry to see the video.]

Feo panorama para la libertad de expresión el que nos puede deparar el futuro cercano si las cosas siguen en la línea de los recientes acontecimientos. Desde la condena de tres años y medio de cárcel al rapero Valtonyc, a la retirada de la obra de Santiago Sierra de ARCO 2018, pasando por el secuestro del libro Fariña, que habla del narcotráfico gallego.

Cierto es que son casos muy diferentes y que no puede meterse todo en el mismo saco. Sobre todo el último que citamos, en el que se trata de una medida cautelar en el contexto de la vulneración del derecho al honor de un alcalde del PP que aparece citado en el libro. Es decir, un señor –y no el Estado- que se siente agredido y se defiende. Esto no puede estar en el mismo lugar que el caso de Valtonyc o de Sierra, donde el objetivo está en el contenido de la obra de arte y no un dato de tipo periodístico. Son cuestiones diferentes, simplemente diferentes, aunque algunos medios de comunicación, tan dados siempre al corporativismo, quieran meterlo en el mismo saco por intereses en muchos casos meramente comerciales.

Pero, aunque sean distintos y que alguno de los casos incluso puedan favorecer estrategias propias del márquetin, no se puede negar que –en todos los casos- nos encontramos ante un espacio peligroso que, o se vigila, o nos puede conducir a una situación muy grave. Da la impresión que la delicada cúpula de cristal que protege al estado de derecho se está resquebrajando, y esto ocurre desde hace ya mucho tiempo, quizá sin darnos cuenta, que es lo más terrible y siniestro. Si a esto sumamos que la calidad del cristal no es de primera, y que el bien a salvaguardar es demasiado delicado para una protección en la que –en definitiva- tantos políticos han puesto tan poco en su construcción, el panorama, como decimos, es más que peliagudo y gris.

Una cuestión importante, que muchas veces se obvia (a menudo, interesadamente): cuando la censura –o la autocensura, quizá la peor de las censuras- llega al arte o al humor y a la parodia, está tocándose el extremo más sensible de nuestra conformación social. El arte es por naturaleza político y, por tanto, debe quedar al margen de toda legislación que quiebre –por algún lugar- la libertad de expresión. Si en este terreno –como decimos, el artístico o el del humor- se pone por delante la ley que protege un bien supuestamente superior, mal vamos, estamos perdiendo pie en un océano imprevisible y siempre hostil. Y si encima, ese bien superior es el Jefe del Estado, vamos peor. De hecho, esto será desmontado seguramente desde Bruselas, en cuanto lleguen los casos al Tribunal de Estrasburgo, ya que la jurisprudencia de éste ha rechazado en otros casos la especial protección de cargos o instituciones, precisamente por la necesidad de preservar la posibilidad de la crítica a lo público, que por su naturaleza está expuesto a ella. Un razonamiento muy lógico en un momento en el que parece que la razón pierde fuerza a pasos de gigante.

El fango político de las elecciones primarias a la Secretaría General del llamado “primer partido de la oposición” ha dado como resultado una saturación informativa de esas que hacen necesario el silencio de meses. Obviamente, no es este el lugar para el comentario político, ni ganas que nos quedan después del empacho mediático que ha generado la triste contienda. Pero lo que nos afecta directamente, las propuestas que giran en torno a las políticas culturales, no deben escapar a la crítica, por muy extenuados que estemos. Sobre todo, cuando hemos podido leer las barbaridades del programa de Susana Díaz.

Aclaremos primero que ninguno de los otros dos candidatos hizo gala, en su programa, de propuestas mínimamente interesantes, y que ambos hablaban de ese manido concepto de “industria cultural” con el que pretenden situar la cultura en un contexto económico aceptable para una sociedad capitalista que demanda medirlo todo en términos de mercado.

Sin embargo, el raquítico capítulo dedicado a la cultura del programa de Susana Díaz es sencillamente delirante, sobrepasa lo imaginable (y aunque parezca mentira, no hay otro lugar en todo el programa en el que se hable de política cultural). Todo se puede resumir en la equivalencia cultura = turismo. Y como los chinos tienen buenas playas, lo que hay que hacer es endiñarles cultura, porque son muchos. Con eso lo hemos dicho todo, véanlo ustedes mismos, el chiringuito de playa es lo que importa, la cultura importa en tanto se entienda como gasto por turista y día. Y, claro, no podía faltar la “Marca España”, mencionada reiteradamente a lo largo del programa. Triste, verdaderamente muy triste… Y mal redactado, muy mal redactado. Un poco más de cultura de la otra no les vendría nada mal. Al menos para no caer en el ridículo más espantoso.

Para los lectores que todavía no lo conozcan (el texto ha circulado con abundancia por las redes sociales), vean, vean… De verdad, no tiene desperdicio.

La salida de este número de mayo coincide, como no podría ser de otro modo, con el Día Internacional de los Trabajadores. Inicialmente, este editorial iba a tratar de las condiciones laborales de los músicos, y queriendo acotar aún más el tema, en las de los músicos que se dedican a la creación actual, y… Hasta ahí llegamos. Tan tristes e improductivas conclusiones aventurábamos que preferimos dirigir nuestras lágrimas hacia otro lado, aunque no tan alejadas del motivo de celebración de este 1 de Mayo. Helo aquí:

A finales del pasado mes leíamos en una publicación andaluza local que cierto ayuntamiento debatía la creación de un Centro Artístico y de Música Moderna en colaboración con AMPE (Asociación de Músicos Profesionales de España), presentando la iniciativa de este modo: “Es un proyecto en el que vamos a interrelacionar la cultura, la educación y el plano laboral”. El diario continuaba explicando “Entre las finalidades del Centro de Formación de Música Moderna se encontrarían la educación en distintos niveles hasta alcanzar un escalón superior, la especialización en estilos musicales y la creación de empleo desde la profesionalización […] Además, la formación en el sector musical, que cada día interesa e inquieta a un porcentaje mayor de la juventud, podría suponer una gran ventaja en la lucha contra el absentismo escolar”; para rematar con “Una de las evidencias que más ilusión aporta al proyecto es el carácter artístico que siempre ha tenido la ciudad. A artistas históricos como Andrés Segovia o Raphael se les une una elevada tasa de músicos por habitante en la actualidad que encabezan cantantes locales JuanEr, Macarena Fernández y Toni Dublet”.

Una conclusión es clara: la música se concibe en tanto se observa como producto de mercado, y es ahí, en ese carácter meramente comercial –y también funcional (pensemos en la lucha contra el absentismo escolar)- donde encuentra su sitio en la sociedad. Ejemplo claro es cómo se propone el proceso educativo, donde la salida laboral se plantea como única justificación de su existencia (insistimos, junto con esa función social que pretende evitar las “pellas”). Todo esto se hace y se dice desde lo público, con la “buena prensa” que esta simple pero efectiva argumentación suele conllevar. Y no olvidemos el consiguiente rédito político, que se antoja casi siempre fin último de la puesta en marcha de estas iniciativas “culturales”.

Pero esta anécdota no es algo aislado (por tanto, tiene poco de anécdota). Cada vez más a menudo la idea de creación artística (y de arte) se asimila –de manera unívoca- a su relación con el producto, con aquello que posee un precio, que resulta cuantificable en términos económicos. O, como mucho, con un carácter funcional básico (algo que también es, de algún modo, susceptible de ser medido). Por otro lado, planteamientos –tal como se presentan–, muy alejados del problema filosófico del significado y función del arte, con todo su recorrido a lo largo de la historia.

Y así nos va…

La Radio del Museo Reina Sofía (RRS) tiene como objetivo “ampliar, complementar, investigar y contextualizar” lo que sucede dentro del Museo a través del uso del sonido. Para ello ofrece una colección de cápsulas de audio contenidas en cuatro canales distintos. Cada uno de estos canales explora distintas facetas del museo: Inaudible (exposiciones temporales y ciclos de cine y audiovisuales), Redes (proyectos de investigación que tienen lugar en el museo, Contextos (colección e historia) y Procesos (experimentación sonora).

El proyecto es posible gracias al esfuerzo del equipo y colaboradores que llevan trabajando en esta idea desde 2011. Entrevistamos en este artículo a José Luis Espejo, uno de los intengranse del equipo que forma RRS.

Lo primero que llama la atención al pulsar play es la utilización del elemento sonoro. El sonido es en esta radio un medio importante que sirve tanto para producir discursos como para cuestionarlos y fragmentarlos. Incluso en algunas de las cápsulas, sobre todo aquellas que cuentan con el testimonio de personalidades relevantes del arte contemporáneo, se superponen distintos planos sonoros: el discurso vococentrista y/o verbocentrista y la dimensión más tímbrica de la exploración experimental. Es una forma de añadir fuerza mediante la aglutinación de las especifidades de cada uno de los planos y una manera de presentarlos en una relación de igualdad.

Marta Sancho: ¿Qué cualidades específicas hay en lo sonoro? ¿Cuál es el poder del discurso sonoro para utilizarlo como forma de vehicular estas ampliaciones y comentarios a lo que sucede en el museo y que lo distingue de otras formas de expresión? ¿Por qué el sonido?

José Luis Espejo: Hola. Bueno, primero gracias a Sul Ponticello, por darnos este espacio y gracias a Marta, a quien he conocido recientemente, por su trabajo en esta entrevista. Gracias por el tiempo y por la escucha. Habéis propuesto una entrevista bastante compleja, así que voy a intentar ser claro, pero no se si voy a conseguirlo.

A ver ¿Por qué el sonido? Bueno, la escucha es la primera forma de aprendizaje del discurso. Escuchando interiorizamos el lenguaje y aprendemos. Escuchar a los artistas, comisarios, conservadores o educadores que trabajan en un museo también es importante para entender las propuestas conceptuales y visuales que aportan. Muchas veces la presencia visual se complementa con las palabras. No siempre, hay que decirlo. No todas las personas tienen mucho de qué hablar, aunque tengan mucho que decir.

Ahora ¿Cuál es el poder del discurso sonoro? Supongamos que tenemos a un lector, que, además mira y oye, y que comprende las palabras que le decimos de manera unívoca. “Esto es una silla” (si nos ponemos conceptuales) “Esto no es una pipa” (si nos ponemos más surrealistas o filosóficos) o “Esto es así” (sin más). Las letras están pensadas para mantener esa frase lo más unívoca posible; luego tenemos la puntuación claro, que, por cierto, fue una de las herramientas para que, desde el siglo IV en el contexto europeo, se dejase de leer en voz alta. Antes de la puntuación, las palabras sonaban cuando se leían. Pero no nos distraigamos. Asumamos que las palabras escritas mantienen el sentido bastante intacto si sabemos la puntuación y el idioma en que están escritas. El discurso propuesto en imágenes, sin embargo, está cargado de significados contextuales y culturales relatados por la forma. El discurso hablado y escuchado, está también cargado de significados. Están, por una parte, todos los significados que hay entre quien habla y quien finalmente escucha; aquí entraría la especificidad del medio, la edición digital o la naturaleza del micrófono. Lo frecuente, evidentemente, es invisibilizar, o más bien insonorizar, esta serie de contextos tecnológicos para mantener lo unívoco en el discurso, como lo hacen las letras de las que hablábamos hace poco. Podríamos decir, pronto y mal, que cuanto más sonorizamos subjetivamente estos contextos, más estilo ensayístico o artístico se le pone a una cápsula. Pero supongamos que se transmite cierta univocidad para, como sugerís en la pregunta, centrarnos en los comentarios mismos. Aquí responderé a vuestra pregunta ¿Qué cualidades específicas hay en lo sonoro? Pues bien, estos comentarios vienen expresados por una voz. Esta voz tiene, sobre todo, un tono y un timbre, porque el volumen y la duración ya nos encargamos de manipularlo. Ese tono y ese timbre nos dan muchos datos sobre la identidad de quien habla, de cómo habla, de qué quiere decir exactamente. Muchas veces se busca la univocidad en la edición para resaltar las cualidades propias de la voz y lo que esta tiene que añadir al discurso verbal. Aquí entra el tono de la voz, esto es básico para transmitir el entusiasmo con que algunas personas hablan y discuten sus opiniones y su trabajo. La palabra resuena en la laringe y en el lugar del que escucha, y toda la carga subjetiva de ese resonar, lo transmite la grabación de una manera particular y distinta a como lo hace la letra y la imagen. En ese resonar, la voz, casi como cuerpo, tiene la capacidad de definirse, sin decir ninguna palabra concreta, como un yo.

MS: Esta forma tan interesante de organizar el discurso –fragmentándolo en cuatro canales y urdiendo una compleja red que va desde la experimentación sonora hasta la voluntad de comunicación a través de la radio, pasando por la inclusión de múltiples voces y discursos- podría dar pie a una lectura más política del proyecto. No sólo por una cuestión de deconstrucción del discurso para erigir nuevos relatos más profundos y complejos, sino también por la utilización de los medios digitales y su accesibilidad. La ruptura con la forma tradicional del discurso, la superposición de relatos, sonidos y voces puede servir para generar nuevas realidades y significados y podrían ser la base para pensar(se) desde nuevas perspectivas. ¿Descansa vuestra propuesta sobre un compromiso político o es una cuestión meramente formal y de investigación artística?

JLE: Bueno, todo trabajo, nos guste o no, es político. Otra cosa es que pretenda serlo. En este caso en particular, es algo más complejo. La radio es parte de una web que es parte de un museo. RRS se ocupa de aspectos muy específicos de algunas de las líneas desarrolladas por el Reina Sofía y elabora otros propios. Como he tratado de responder en la pregunta anterior, el uso de la tecnología sonora, al menos por mi parte, no es muy distinto al uso que hacemos habitualmente del teclado, del lápiz, la regla o el libro. En cuanto a la deconstrucción y fragmentación del discurso comisarial del museo a través del sonido… bueno ¡Eso son palabras mayores! Es importante saber las limitaciones de cada cual, aprender y querer aportar construyendo, juntando, antes que separando. Que no se me entienda mal, no defiendo la falta de crítica, pero creo que en RRS hemos avanzado más conciliando con otros discursos a la vez que intentamos producir uno propio. Algo que, me temo, otra persona tendrá que leer y valorar.

Por otra parte, y respondiendo sólo por mí, en mi trabajo, tanto en la programación como en la realización de cápsulas, aspiro a contextualizar siempre desde el contexto político del arte y el sonido.

MS: ¿Es la accesibilidad de la red una forma de popularización del arte y como tal se está utilizando?

JLE: Esto es complejo. Desde luego permite la posibilidad de que más personas escuchen hablar sobre cosas que no pueden visitar. Pero, como hemos visto, la accesibilidad, en sí misma, no ayuda necesariamente a que algo sea más conocido ni mejor comprendido. Nosotras trabajamos en el contexto de un museo muy grande, con un departamento de prensa, comunicación, patrocinios, etc. La radio puede hablar de aspectos más concretos y detallados que estos órganos de difusión, pensados, precisamente, en términos de popularización. Creo que estamos más cerca de otros proyectos del museo como Carta, con quien compartimos faldón en la web del museo, o, para entendernos, con un proyecto concreto y estable de un departamento de publicaciones. Vaya, que somos poco pop.

Luego podríamos hablar de cómo nos servimos de la red para trabajar. Esto es un tema en sí mismo que responderé con una cita.

MS: En la descripción de esta radio podemos ver que las cápsulas complementan, analizan y amplían la vida del Museo. Existe, pues, una realidad visual palpable que puede visitarse en el Museo. Vuestra radio añade un discurso intangible a esa realidad. Quienes visiten el Museo Reina Sofía y, además, escuchen vuestra radio, cuentan con dos perspectivas distintas. Además, el vistitante/oyente es quien establece el vínculo entre ambas realidades y da sentido completo a esa unión. Podría crearse de esta manera, una tercera perspectiva del museo, fruto de la recepción y entendimiento del visitante/oyente. ¿Puede la conjunción de la realidad palpable con el discurso intangible crear un nuevo producto artístico distinto, con entidad propia?

JLE: Bueno. No estoy seguro de que el sonido sea intangible. En realidad no estoy de acuerdo. El sonido es palpable. El discurso, por tanto, no se hace intangible por ser sonoro en lugar de, digamos, escultórico. Como decía más arriba, el discurso sonoro es cuerpo, cuando se habla, y forma cuerpo, cuando se escucha.

MS: Abordemos ahora la cuestión del público y la recepción. Esta propuesta reviste una noción del arte y el sonido muy compleja y quizá no muy evidente para un público mayoritario. ¿Quién creéis que está al otro lado? ¿Quién os escucha? ¿Buscáis una comunicación universal o un público muy específico? En caso de buscar un público específico ¿cómo creéis que puede ser motor de cambio o suscitar nuevas formas de pensar la realidad? ¿Qué acogida tiene?

JLE: Hay un número discreto de personas de habla hispana que escucha la radio. No buscamos una comunicación universal, no creo, de hecho, que esto exista. En cuanto a los públicos específicos, creo que se atiende a personas interesadas en el arte y la música de manera poco complaciente.

MS: En lo que respecta a la financiación, esta radio forma parte de un espacio público, así que podríamos deducir que el proyecto se sostiene gracias al presupuesto del museo. Sin embargo ¿existen otras fuentes? ¿Cómo funciona en este sentido?

JLE: Se sostiene con presupuesto del museo y no tiene ninguna otra forma de financiación. Los colaboradores realizamos trabajos específicos por los que facturamos.

MS: Por último, sería interesante hacer una retrospectiva de este ambicioso proyecto: ¿de dónde surge la necesidad de este proyecto? ¿Seguís con la misma idea inicial de proyecto? ¿Ha evolucionado vuestro discurso o formato? Si es así ¿de qué manera? ¿Cuáles son los motivos?

JLE: Hablaré de cómo ha evolucionado el discurso. En cuanto a la manera de hacer cápsulas, y aquí hablo por mí, creo que he trabajado con las maneras de la historia del arte, la historia de la imagen y del sonido. A esta manera de hacer las cosas, lo podemos llamar sónico-verbal, en referencia al icónico-verbal del que tanto hablaba Juan Antonio Ramírez, para referirse, por ejemplo, al cómic, pero también al ensayo de arte que usa las imágenes como cita. En nuestro caso, podríamos hablar del uso conjunto de la palabra, hablada en este caso, y el sonido como materiales para construir un relato histórico. Los sonidos no están ahí para acompañar musicalmente; son citas, y tienen un lugar concreto para transmitir sentido. Los enemigos de este método son las  sociedades de derechos de autor. En 2012 se hizo la exposición sobre los años 30, fue la primera vez que usamos nuestra la propia voz para hablar de una exposición. Tuvo buena acogida, así que, desde ese año, realizamos este tipo de cápsulas sobre exposiciones. A partir de 2016, el trabajo que realizamos para la radio es casi por completo contenido específico, no siempre relacionado con las exposiciones o la colección directamente, aunque sí dentro de sus marcos discursivos. Este año, además, hemos incluido nuevos colaboradores como Arnau Horta, o Javi Álvarez, sumados a José Manuel Costa que ha colaborado otras veces en la radio. El año que viene, pensamos invitar a más personas.

En cuanto al discurso comisarial, ha habido distintos ciclos de cápsulas encargadas a artistas. El último ciclo lo ha hecho Rubén Coll bajo el título de Ecolalias, dedicado a la la voz, que ha parecido ser el tema en 2016. Luego hicimos uno entre María Andueza, Rubén y yo dedicado a la transducción. También, este año, hemos propuesto el trabajo de otras artistas como Anna Raimondo, Lucrecia Dalt, Regina de Miguel o Paloma Polo. Y me reservo una sorpresa para el invierno.

MS: Imaginamos que una propuesta de estas características tiene que adaptarse a las circunstancias, contextos y relatos que en esta sociedad contemporánea cambian y se aceleran a velocidad vertiginosa. ¿Cómo sobrevive sin agotar sus propios recursos y posibilidades? ¿Qué innovaciones podrían tener cabida en el devenir del proyecto?

JLE: Ahí me has pillado. De momento el único recurso que se nos ocurre es dar cabida a más voces.

Poco a poco se va aclarando la situación política en España: definitivamente se impone el caos. Sin embargo, cuando la nube es tan densa, empezamos a poder escribir sobre ella, sobre su materia, y esto puede ser un arma valiosa para sobrevivir. El desengaño generalizado puede –y debería- agudizar el ingenio. Los tiempos de crisis son siempre tiempos de necesidad creativa, aprovechemos esto al menos.

Porque un Estado paralizado durante tanto tiempo no es otra cosa que una ilusión de estatismo. La realidad es que nada se para, las cosas deben seguir marchando y lo hacen, mal que bien. Italia es un país que conoce estas parálisis políticas muy bien, y nunca ha dejado de ser potencia, también en el ámbito cultural y artístico. Entonces, ¿cuál es la preocupación? ¿Que a Bankia no le va bien fusionarse todavía con tal o cual amiguete financiero porque la situación de inestabilidad política no le permite dar esa cara en los mercados? Esto debería importarnos menos que poco, en definitiva no va a ser Bankia quien nos salve, ni en el plano social ni mucho menos en el cultural.

Por ejemplo, quizá es el momento de plantearnos algunas cosas a la hora de impulsar proyectos artísticos, como si es posible seguir en la dinámica de supeditación de éstos a lo público. Y para nada abogamos por dejar de exigir (entendemos que, en tanto que público, el presupuesto destinado a la cultura está para eso, no para defender lo que el mercado ya acoge sin dificultad), en absoluto. La lucha en este sentido debería ser clara y mucho más activa. Pero sí parece necesario buscar las vías para hacer posible una supervivencia digna y, sobre todo, empezar a cuestionar si el mendigueo en los despachos puede continuar mucho tiempo sin que salir con migajas casi invisibles elimine cualquier atisbo de dignidad. Obviamente, hay pocas soluciones mágicas para la falta de apoyo público y en estas líneas, sentimos no poder esbozar la receta de poción alguna. Además, somos conscientes de que es harto peligroso desvincularse de la financiación pública de una forma drástica y militante. Peligroso no tanto por el riesgo de inanición, que en cualquier caso parece muy probable a medio plazo en una situación como la que vivimos, con un muy posible aumento de los recortes (haya o no gobierno), sino porque la iniciativa individual puede facilitar el espejismo de que con dinero público se está apoyando a la cultura. Es decir, que tal o cual institución pública promueve tal o cual festival que, realmente, está sostenido con el sudor y la economía de unas cuantas personas comprometidas con el arte.

Como decimos, más que desesperarse por la ausencia de soluciones es, probablemente, el tiempo de poner las cosas seriamente sobre la mesa y debatir la situación. Y quizá (sólo quizá, no se asuste nadie), hablar entre las distintas partes que forman nuestro tejido cultural, al menos entre esos actores que pueden demostrar una dosis presentable de compromiso con su quehacer artístico. No vendría mal, aunque sólo fuera por una vez.