En los años 70 un Director del Conservatorio de Madrid, ante la posibilidad de que los conservatorios entraran a formar parte de la Universidad se expresó con la célebre frase “Más vale cabeza de ratón que cola de león” El tema se planteó en varios momentos y a veces porque algunos Conservatorios Superiores se negaron a solicitar la incorporación en la universidad y otras porque la administración no quiso escuchar a responsables de Conservatorio interesados en incorporar la música a la Universidad, la cosa sigue sin aclararse. Recuerdo en mi época de estudiante de música cómo escuchaba con sorpresa a  bastantes músicos decir que no les interesaba entrar en la Universidad: “La universidad no es cosa nuestra” “la música está por encima de todo”, “la música está por encima de la ciencia”…, eran frases que se escuchaban en las asambleas que tuvieron lugar en aquellos años en el Conservatorio de Ópera en Madrid. Intentos posteriores por parte de algún director de conservatorio no tuvieron apoyo de la administración. El resultado es que, a pesar del buen hacer y del avance pedagógico en tantos profesionales de la música, el Conservatorio conserva todavía buena parte de los comportamientos y tics ideológicos y administrativos de aquellos años particularmente en algunos tratos paternalistas y caprichosos y en la auténtica falta de derechos de los estudiantes que puedan combatir estos comportamientos. Tras estudiar en ambas instituciones, Conservatorio y Universidad, y estando actualmente vinculado a ambas, como profesor en la universidad y como padre de dos niños que estudian en el Conservatorio (bueno, a uno ya le han quitado las ganas) he podido comprobar el diferente estatus de los estudiantes en ambos tipos de centros.

Un alumno de Universidad posee diversos mecanismos de defensa ante posibles errores o comportamientos incorrectos de un profesor. Son diversas las posibilidades que tiene un alumno de reclamar y de ser escuchado y evaluado en diferentes modos además de por los profesores y tutores, por diversas comisiones de departamento, de facultad, tribunales o a través del defensor del alumno… en el Conservatorio hemos comprobado que todo acaba en el mismo profesor donde empieza el problema dependiendo siempre de la subjetividad, de su predisposición, a veces caprichosa, a los que el Conservatorio y la administración territorial da siempre la razón en cualquier conflicto, visión carente de objetividad al no pasar por la opinión independiente de otros profesores, comisiones o expertos.

Quiero hacer públicas estas reflexiones al hilo de los sucedido en el Conservatorio de Amaniel en el curso 2016-2017 en el que un niño de 11 años, por decisión de su profesor de violín, tuvo que dejar el conservatorio, en el que llevaba estudiando desde los 8 años. Al niño le gusta la música, se ha comportado en manera ejemplar, desea continuar sus estudios musicales y todavía no entiende porqué, a pesar de tener aprobadas las demás asignaturas, tiene que dejar el centro en el que él y  su hermano se han formado desde los 8 años. Este ejemplo es sólo una muestra entre múltiples casos de niños que abandonan la música frustrados por el trato inadecuado  y caprichoso del profesor. Esta situación se produce con demasiada frecuencia en nuestros conservatorios: niños que abandonan la música y llegan a desarrollar un rechazo hacia ella debido a las actitudes negativas de profesores que desprecian a alumnos que no responden a un perfil predeterminado, sin explorar ni dar opciones a las capacidades reales del niño hacia la música.

Los casos de fracaso escolar pueden ser responsabilidad del alumno, del profesor o distribuirla entre ambos y reconozco que estas situaciones pueden ser susceptibles de interpretación, pero el problema grave se produce cuando el sistema educativo no tiene recursos para detectar, analizar y dar respuesta a casos de poca empatía entre profesores y alumnos que afectan al clima de la clase y al desarrollo de las capacidades y de la creatividad del alumno, y que finalmente acaban con el abandono de las enseñanzas musicales de niños fuertemente preparados y con cualidades. El actual sistema no es capaz, ante una posible incapacidad o falta de interés de un profesor por un determinado alumno, de detectar y abordar actitudes negativas hacia alumnos, a los que se les están bloqueando sus capacidades creativas y de aprendizaje desde el primer momento, en vez de desarrollar una pedagogía positiva y activa, que ayude a los alumnos a superar retos. Del mismo modo que los Conservatorios no muestran ningún entusiasmo por las nuevas tendencias contemporáneas de la música (falta de interés por las vanguardias del s. XX, por las tecnologías, por los nuevos conocimientos científicos en el ámbito sonoro y perceptivo, falta de interés por los nuevos formatos electroacústicos, audiovisuales, multimedia…) tampoco son receptivos en todo lo concerniente a la pedagogía musical contemporánea manteniéndose un estatus de profesorado capaz de frustrar sin problemas la vocación musical de niños auténticamente preparados e interesados por la música dañando además gravemente la propia autoestima de los niños.

Es lamentable que a estas alturas, con los numerosos avances en el ámbito del sonido y de la pedagogía musical, un Conservatorio Profesional y, sobre todo, las autoridades educativas, en este caso la Dirección territorial de área de Madrid, no sean capaces de entender y responder con eficacia a un problema tan grave y permitan este tipo de situaciones. El argumento que suele darse es que el profesor “no es un loco”, “no es uno raro” aunque los problemas se repitan continuamente  con diferentes alumnos.

Es lamentable que el sistema de enseñanza musical (Conservatorios y Direcciones territoriales) no sea capaz de abordar un problema como éste alimentando la imagen lamentable de las enseñanzas musicales en nuestro país.

Volvemos a estar en campaña electoral, y la cosa pinta fea, me refiero a las cosas que dicen unos de otros, las zancadillas en las redes, las acusaciones indemostrables. Lástima que el debate de ideas sea escaso, por no decir nulo. En ocasiones, uno trata de participar aportando algo, sin sectarismo… y acaba dudando de la utilidad de tal empeño.

Más de una vez me he visto en la situación de hacer de portavoz de los compositores para exponer aquello que el sector demanda de los administradores públicos. Lo hice, por ejemplo, en aquellos encuentros que se hicieron coincidiendo con el extinto Festival de Alicante. Ahora, a petición de JAM (Junta de Autores de Música), una asociación a la que no pertenezco pero que por razones que no me corresponde cuestionar me ha juzgado adecuado para el caso, he redactado un breve informe destinado a los partidos que concurren a las elecciones. Me consta que ha llegado antes de iniciarse la campaña a PP, PSOE, IU, UPyD, Podemos y Ciudadanos. Creo que también llegará a los partidos que no tienen implantación nacional. En todo caso, es de suponer que no servirá de mucho, mas si quien esto lee tiene deseos de conocerlo, no tiene más que continuar la lectura ya que el documento reza así:

Demandas del sector de la composición contemporánea

Presentación:

El gremio de los compositores de música contemporánea, sinfónica, clásica actual, o como se la quiera llamar, tiene algunas demandas específicas y a ellas va enfocado este breve informe. No se hará aquí hincapié en cuestiones más generales como la petición de bajada del IVA cultural, o que se vuelva a ser compatible cobrar una jubilación y percibir los honorarios por los derechos de creación intelectual. Dichas cuestiones, sin duda relevantes, nos preocupan, pero vamos a centrarnos aquí en lo que atañe particularmente al sector de la música de creación.

I – Creación y difusión.

Introducción:

La composición de música contemporánea depende de la iniciativa pública ya que la privada es casi inexistente en nuestro país. Será cuestión de estimularla a medio plazo con una ley de mecenazgo u otras medidas, pero hoy por hoy esta situación no va a variar y por prestigio cultural y por el entorno europeo en que nos situamos las administraciones públicas han de velar por que se mantenga esta actividad, de la que prácticamente nadie puede vivir, pero que supone un trabajo importante que no se compensa con la mera satisfacción vocacional.

Propuestas:

1. Incentivar la presencia de la música de creación española actual en todas las orquestas de titularidad pública (estatal, autonómica y otras), así como en los festivales de música generalistas (Festival de Granada, Santander, etc).
2. Volver a establecer un festival internacional para la música contemporánea. Desde la desaparición del Festival de Alicante, en la actual legislatura, la música de creación española ha quedado fuera del mapa internacional. Ni críticos, ni organizadores de conciertos y festivales, ni editores tienen dónde acudir para saber lo que se hace en nuestro país.
3. Procurar a nivel estatal una mayor diversidad en cuanto a las propuestas existentes. En la actualidad, el CNDM, dependiente del INAEM, gestiona la práctica totalidad de las iniciativas sobre música contemporánea. Su dirección tiene UN criterio, con el que se realizan encargos, se contratan grupos y se difunde esta música. Se echa en falta una multiplicidad de orientaciones dada la enorme variedad de planteamientos estéticos ahora existentes.
4. Dentro del sector de la música contemporánea, desde la desaparición del CDMC (Centro para la Difusión de la Música Contemporánea) en la pasada legislatura, la apuesta por los medios tecnológicamente avanzados, o ya tradicionales (electroacústica, informática musical…) ha quedado desamparada. Faltan estudios atractivos y difusión de lo que ahí se produce. Los conciertos que se programan se hacen con los medios del S. XIX!!!
5. Falta apoyo en el exterior. El Instituto Cervantes, los agregados culturales de embajadas, y la “Marca España” parece haber apostado por la proyección de una imagen de nuestro país, una imagen de pandereta. Se potencia el flamenco, mientras se tiende a excluir otras manifestaciones menos populares, como la música contemporánea. No ocurre lo mismo en artes plásticas, literatura, etc.
6. Desde hace lustros España está ausente de las organizaciones internacionales que mueven la música contemporánea. Concretamente la ISCM (Sociedad internacional para la Música Contemporánea), en la que España jugó un papel relevante en sus inicios no cuenta con presencia de nuestro país (es el único del entorno europeo que está ausente). Ello se ve agravado por la inexistencia de editores (de partituras y fonográficos) fuertes que pudiesen desarrollar una labor de representación de los autores españoles. Es urgente que el Ministerio de Cultura tome cartas en este asunto y se termine con la orfandad de los compositores españoles.
7. Los medios de comunicación de titularidad pública (RTVE y autonómicas) apenas prestan atención a la música contemporánea. La presencia continua de música comercial no se ve contrastada con una oferta variada como puede ocurrir en los países de nuestro entorno. Es algo que convendría corregir ya que no sólo se priva a los autores e intérpretes de este género de una fuente de ingresos importante, sino que igualmente impide a la población del acceso a la cultura de su tiempo y especialmente a quienes no viven o pueden desplazarse a una gran ciudad donde esta música esté presente.
8. La ya señalada ausencia de editores musicales importantes es un mal endémico de la cultura española que se remonta al renacimiento. Los intentos que recientemente se hicieron de crear un tejido de industria cultural que paliase esta deficiencia se ha topado con una política errática de subvenciones (especialmente por parte de las comunidades autónomas) y se ha visto golpeada muy seriamente por la crisis. Una política de difusión de las obras que no cuente con la colaboración de este sector parece condenada al fracaso. No es por tanto de recibo que se hagan encargos condicionados a que no medie un editor, mientras se pagan sin rechistar las facturas de los editores extranjeros. Al contrario habría que potenciar la presencia de la música en partituras y grabaciones en bibliotecas y centros culturales. Solo así se saldrá del colonialismo cultural en que hoy nos movemos.

II – Enseñanza; propuestas:

1. Facilitar a los docentes los cambios de clases y la obtención de permisos para poder asistir al estreno de sus obras, a congresos y para formar parte de jurados nacionales e internacionales.
2. Revisar la importancia exclusiva que se da al trabajo académico. Un profesor que no practica su profesión acaba sin nada que enseñar, especialmente en los niveles profesional y superior.
3. Eliminar las trabas lingüísticas establecidas en muchas autonomías. Un profesor de música tiene que enseñar bien música. Que hable sueco, gallego o chino es poco relevante en esta materia. Además el trabajo profesional se desarrolla en un ambiente internacional en la que la gente se ve forzada a entenderse en cualquier idioma, cuanto antes se enfrente el alumnado a esa realidad, tanto mejor.
4. Fuera de la enseñanza profesional resulta prácticamente inexistente la presencia de la música clásica actual en la educación obligatoria y en secundaria. Frente a la omnipresencia de la música comercial, no se incluye algún tema que haga referencia a lo ocurrido en música sinfónica después de Falla. Así nombres como Gerhard, de Pablo, Halffter o Guerrero son perfectamente desconocidos, como sus obras, por quienes sí han tenido noticia de sus equivalentes literarios o pictóricos.
5. Incluir la música actual en los estudios de los instrumentistas a todos los niveles. No es raro el caso de cantantes e instrumentistas formados en conservatorios que no tienen ningún contacto con la música de su tiempo en su periodo formativo.

III – Laboral, fiscal, etc.

1. Darse de alta como autónomo de manera permanente resulta en la práctica inviable por los bajos ingresos que reportan encargos y derechos de autor. Es menester crear una formula para pagar como autónomo de manera proporcional a los ingresos reales y no con una cuota fija, como se hace actualmente.
2. Crear un marco adecuado para la autoedición. Dada la ausencia de un editor de partituras de verdadero peso en nuestro país, los compositores optan con frecuencia por la autoedición, pero se encuentran con muchas dificultades a la hora de poder alquilar los materiales de sus obras a las orquestas, al no estar registrados como empresas.
3. Acabar con los contratos de edición que se convierten en eternos. El autor descontento con una editorial o que desea recuperar su obra para ofrecérsela a otra no puede verse atado, como ocurre actualmente, por contratos que ni siquiera acaban con la muerte del autor, sino que se prolongan mientras la obra genera derechos.
4. Dar acceso a los autores a las grabaciones de sus obras realizadas por las radiotelevisiones públicas. Hoy, el autor que desea emplear una grabación de su obra para editarla en video o disco ha de pagar unos cánones difícilmente asumibles para poder emplear comercialmente esos registros. Dicho canon debe ser simbólico, o gratuito. No está de más mencionar que desde el ERE realizado en RTVE se han convertido en escasas las grabaciones de música contemporánea, creándose una carencia documental importante que nada sustituye.
5. Los ingresos producto de la composición son con frecuencia muy irregulares. Tras años de ingresos mínimos se puede producir un periodo bueno en que se acumulan encargos o premios en un solo año fiscal, lo que se grava impositivamente sin tener en cuenta la irregularidad ya mencionada. Seguramente otras profesiones se ven afectadas da manera similar por altibajos sin que el fisco de una fórmula que no resulte injustamente perjudicial para el profesional afectado.

Tras los resultados de las elecciones locales y autonómicas del pasado 24M se ha iniciado una nueva era política, cívica y económica en el Estado español. A lo largo de este mes de junio se constituirán las nuevas corporaciones locales, los nuevos gobiernos provinciales y los nuevos parlamentos autonómicos, lo que supondrá una profunda renovación institucional, un cambio sin precedentes, con caras nuevas y otras formas de hacer política. Los pactos postelectorales entre las diversas fuerzas progresistas surgidas de las urnas conformarán un mapa político muy diferente al acostumbrado. La ausencia de mayorías absolutas en la mayor parte de estas instituciones debería de facilitar, entre otras muchas cosas, la posibilidad de alcanzar amplios consensos sobre las cuestiones más importantes y urgentes.

La racionalidad, el rigor y la lógica deben de regresar a la gestión de nuestros limitados y esquilmados recursos y muy especialmente a la gestión de la cultura y a las inversiones destinadas a la industria del entretenimiento. Es verdad que la herencia recibida de los últimos gobiernos, marcada por la corrupción, los comportamientos megalómanos y el despilfarro de ingentes cantidades de dinero público en ostentosas, por no decir lujosas e insostenibles, infraestructuras culturales, así como la persistente sequía económica y financiera, no permitirán muchas alegrías en un futuro inmediato. De ahí la necesidad de exigir a los nuevos gobiernos que apuesten por nuevos modelos de gestión de la res pública.

Por consiguiente, la gestión artística y musical no puede recaer nuevamente en manos de políticos electos, ni de sus familiares más cercanos o de “amiguitos del alma”. Ningún auditorio, museo o centro cultural deben ser dirigidos por ediles, diputados o asesores elegidos a dedo. Es intolerable que cada vez que las instituciones pasan a ser gobernadas por otro partido político, se renueven hasta los bedeles y ordenanzas. Tampoco se entiende, por tanto, que cambien a los técnicos en gestión cultural, a los directores artísticos y/o musicales de auditorios y centros de cultura, orquestas, bandas o cualquier otro tipo de agrupación musical auspiciada con recursos públicos que hayan demostrado su calidad y profesionalidad. La gestión tiene que estar en manos de profesionales y especialistas y después de ser seleccionados en concursos públicos con absoluta transparencia democrática.

En ningún país de nuestro entorno se entiende esta cuestión de otra manera. Los profesionales más preparados son los que deben dirigir el patrimonio artístico y liderar los mejores proyectos culturales. Es inadmisible que concejales y diputados sin la suficiente y necesaria preparación profesional y técnica lleven manejando las riendas de instituciones culturales desde hace décadas.

El actor y actual presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, Antonio Resines, acaba de afirmar y no sin razón que “salvo honrosísimas excepciones, ningún Gobierno ha escuchado a la cultura”. Ha llegado el momento de que los nuevos gobiernos locales, provinciales y autonómicos que se constituyan a lo largo de este mes, escuchen con atención, atiendan las demandas y respeten a los diferentes sectores de la cultura de este país. Es verdad que la industria creativo-cultural en España supone un 3,5% del PIB (según el Anuario de Estadísticas Culturales elaborado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en 2011), pero la cultura supone también miles de puestos de trabajo y, lo que es más importante, un imprescindible imaginario colectivo que nos hace diferentes, que refuerza nuestro sentido de comunidad y nos asegura un patrimonio único y diverso para las generaciones futuras.

En ese sentido, la proporcionalidad es la norma fundamental por la que toda responsabilidad política y proyecto cultural deben regirse. Proporción entre patrimonio histórico y nueva creación; proporción entre manifestaciones musicales foráneas y autóctonas; proporción entre los diversos eslabones que constituyen la cadena de valor de la industria creativa y cultural como son la creación, producción, comercialización, exhibición y valoración; proporción entre producción ajena y propia en las agendas culturales; proporción entre estilos y géneros musicales. No es tolerable que en las programaciones de auditorios y centros culturales, el porcentaje más alto, cuando no de manera exclusiva, se lo lleve el repertorio clásico-romántico franco-alemán. Algunas de estas cuestiones fueron abordadas en mi anterior artículo publicado en esta misma sección, De la política musical o la música de la política.

Necesaria y urgente es también la proporción entre la inversión pública y la privada. ¿Para cuándo una nueva ley de mecenazgo y patrocinio que incentive de verdad las inversiones en cultura y arte? Si entre las medidas más urgentes que proponen las nuevas fuerzas de izquierda son el rescate ciudadano, la paralización de los desahucios, la lucha contra la privatización de la sanidad y de la educación, desde el mundo de la cultura y del arte exigimos también el rescate de un sector estratégico que ha sido sistemáticamente vapuleado, despreciado, ninguneado y castigado por una política y una gestión ultraconservadoras y que ha puesto contra las cuerdas a las artes escénicas y audiovisuales.

Otra vieja y urgente reivindicación, que recientemente ha salido de nuevo en los medios de comunicación es la triste historia de las enseñanzas artísticas en España. Y así llevamos décadas y décadas. Y venga reformas educativas, salimos a un promedio de dos por cada diez años. Cuando gobierna el PSOE es no y cuando lo hace el PP, es que tampoco, y ahí estamos, con unas enseñanzas artísticas sin rango universitario de facto, aunque expidan titulaciones superiores (equivalentes a…, etc.), programen másters, etc. En la actualidad, ya no hay casi ninguna enseñanza, disciplina o especialidad que no tenga su flamante grado universitario, sus cursos de postgrado y doctorados en sus respectivos ámbitos de especialización. Maestros, enfermeros, marinos civiles, relaciones laborales, fisioterapeutas, podólogos,… Sí. Músicos, actores, bailarines, diseñadores,… No.

And last but not least, la cultura es un bien de interés general, un bien necesario, imprescindible, y no un privilegio de las elites, ni un lujo que deba ser penalizado con un IVA del 21%. Los nuevos gobiernos locales, provinciales y autonómicos que se conformen durante este mes no podrán modificar este impuesto, pero las elecciones generales están a la vuelta de la esquina.

Escuchar música, leer un libro, ver una película, asistir al teatro, visitar un museo o disfrutar de un espectáculo de danza son actividades culturales y creativas cotidianas, habituales como comer y beber. Si nos preocupamos tanto por la dieta alimentaria, porque no mostrar el mismo interés por nuestra dieta cultural. Somos lo que comemos, pero, sobre todo, lo que leemos, vemos y escuchamos.

Al margen nuestra sección Mikrokosmos, hace tiempo que no hablamos de educación, de política educativa, desde una perspectiva crítica. De hecho, en esta III época de la revista, no lo hemos hecho, y ya es hora. Es hora porque las cosas no están precisamente bien y las alarmas suenan cada vez más fuerte. Cuando se agitan los aires en este ámbito -como está ocurriendo en diferentes lugares de la geografía española-, y esa agitación no encaminada va a encauzar los problemas o a renovar viejas estructuras, el sistema tiende a tambalearse y a producir mucha incertidumbre.

Pero… ¿de qué hablamos? Pues hablamos de un largo trayecto de despropósitos cometidos por diferentes administraciones educativas en el entorno de los conservatorios superiores. Una constante que, desgraciadamente, va minando desde hace décadas las esperanzas de tener, por fin, unos cimientos de calidad para la enseñanza superior, y que, en los últimos meses, ha tenido ejemplos muy claros de un hacer carente de cualquier lógica. Por mencionar alguno de los más sonados, recordemos el alucinante revuelo que se ha formado en diferentes comunidades autónomas con la convocatoria de cátedras de conservatorio superior. Primero fue la de la Junta de Andalucía, que suscitó una rechazo masivo y un manifiesto firmado por voces muy reconocidas del panorama musical, por cierto, un ejemplo poco habitual de unidad. Después, por razones bastante distintas, el caso asturiano, también con un rechazo importante por parte de profesores y alumnos del Conservatorio Superior de Música de Asturias, denunciado por los sindicatos y, finalmente, con la justicia paralizando la convocatoria.

Por el cielo de ambos casos parece planear el desconocimiento y el mal hacer político que dura ya muchos años, y que arrastra un debate de fondo en el que siempre quedamos barados: qué hacer con la enseñanza superior de música. Un asunto que amenaza con parecerse a la piedra de Sísifo.

¿Signos de puntuación o podadoras?

Y ahora surge una nueva denuncia, que nos ha llegado un poco antes de lanzar este número de abril que ahora comienza en la voz de dos catedráticos del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Francisco José Segovia Catalán y Luis Llácer Artigues. En esencia, el problema viene por la eliminación de varias asignaturas en el nuevo plan de estudios por el procedimiento de fusión de unas con otras. Mediante una “inocente” barra diagonal  -”Prácticas de Orquesta / Prácticas de Banda” o “Música de cámara / Cuarteto de cuerda / Ensayos específicos”- la nueva directora del conservatorio, nombrada con carácter interino por la administración educativa madrileña, se carga de un plumazo un grupo de asignaturas altamente especializadas. Es decir, como se indica en la nota de prensa llegada a nuestra redacción:

“La especialización que conlleva una educación superior desaparece automáticamente con esta medida, que mete en un mismo saco asignaturas que sólo debe enseñar un especialista determinado. Para los más profanos en la materia, empleando un símil docente, sería igual que agrupar bajo una misma asignatura la enseñanza de los idiomas Inglés / Francés / Alemán / Chino, como si todos tuvieran los mismos contenidos temáticos. El resultado es obvio: ésta única asignatura no la puede impartir el mismo profesor.“

Hace unos meses el compositor y actual director del Conservatorio Superior de Música de Aragón Agustí Charles escribía en un artículo bastante clarificador: “Es necesario que, cuanto antes, las enseñanzas musicales y el ejercicio de la profesión musical sean tomadas en serio si queremos tener un futuro con ella [...]“. Seguramente ahí está la clave y también la desgracia. Si es el político el que debe recoger este guante, será mejor olvidarse. No parece haber nadie detrás de la puerta, al menos por ahora.

Calentita está aún la flamante inauguración de la Philharmonie parisina, encargada al arquitecto Jean Nouvel, un acto que se vino a sumar a la autoafirmación republicana después de los terribles atentados sucedidos en Francia este mes de enero pasado. El presidente Hollande llegó a decir en el acto “Es la cultura lo que los terroristas querían atacar“. Oportunismo aparte, resulta curioso cómo -en un gesto tan francés- lo cultural sigue siendo una bandera incuestionable, de enorme efectividad en el discurso político en el país vecino. Qué lejos queda esta retórica de la racanería habitual de nuestros políticos en asuntos donde la cultura adquiera relieve, ya sea por la tremenda o en ambientes más calmados (y en esto poco importa el color mientras no haya unas ideas potentes detrás). Desde luego, no es que queramos ser franceses, ni que nos gusten los discursos grandilocuentes, es que querríamos ver lo nuestro, nuestra cultura, nuestro arte puesto en el lugar que le corresponde. Y las instituciones públicas son las encargadas de ello, las que han recibido un mandato en este sentido.

Es en estas cosas, la creación de grandes infraestructuras culturales, donde se puede ver si detrás de tanto brillo hay una dirección inteligente y no únicamente una programación vistosa y resultona o sin horizonte. Si buceamos un poco en la agenda de la Philharmonie, en el conjunto de sus espacios, dos de las cosas que más llaman la atención (acostumbrados a tanta programación redundante y banal en nuestros auditorios) es la presencia constante de la música de nuestro tiempo -el Ensemble Intercontemporain es conjunto residente-, así como la preocupación por el factor didáctico y educativo. Otros aspectos, algunos muy franceses, resultan igualmente llamativos, como un interés claro por la música de otras culturas o cómo el concepto taller recorre muchas de las actividades programadas.

En definitiva, que sí, que con todos los “peros” que queramos poner -y sin duda encontraremos muchos- la Philharmonie parece un gran invento desde bastantes puntos de vista, y el acústico no podría ser asunto menor: su acústica “democrática”, pensada para que la escucha sea óptima desde cualquier punto de la sala, y su diseño adaptable (ya tan habituales allí, al menos desde la presencia del IRCAM), pensado para la programación de distintos tipos de música, y señalando especialmente la idoneidad para las obras con electroacústica multicanal, nos dicen bastante sobre qué se quiere programar en un espacio tan emblemático. Sobre todo, cuando estas cosas se dicen en primera página, justificando los costes del proyecto en el valor del resultado, ¡y esto incluye la escucha de la música de nuestro tiempo! (citados quedan también en la presentación obras clásicas de la experiencia espacial como Répons de Boulez o Gruppen de Stockhausen). Quizá las exclamaciones anteriores se puedan considerar una exageración pero, la verdad, hemos avanzado en tantas cosas por aquí, y aún así este discurso, desde lo institucional, todavía suena tan extraño…

Triste consuelo será pensar que primero hay que limpiar la casa, y que ya se han dado algunos pasos, como la detención de Helga Schmidt, la superintendente del Palau de las Arts valenciano acusada de varios delitos, o el intrincado caso del Palau de la Música en Cataluña. Triste, tristísimo porque mientras tanto, como se informaba el pasado octubre en este artículo, las únicas ideas para tapar los agujeros parece que están en intentar hacer caja trayendo “estrellas de la lírica” como Pimpinela o Bustamante.

¿Nos espera un futuro mejor o nos declaramos neo-punk definitivamente?

En el primer episodio dedicado a la desconfianza en la educación musical que mantengo desde mi estado de ignorancia, declaraba la existencia de una sociedad que rechaza de manera lacónica toda aquella expresión que ponga en cuestión o se aparte del repertorio mayoritariamente aceptado. Decía entonces que adolecemos de una cultura obtusa, exigua y paleta en lo sonoro que provoca una “sordera endémica” ante el riquísimo entorno musical circundante.

Podríamos decir que, en un escenario como este, el sujeto define una percepción simple y extremadamente pobre del concepto “música” y rehúye de todo aquello que no se ajuste a él. Y no solo me refiero al paisaje sonoro, al que aludía específicamente en mi anterior artículo. Desde esa posición cualquier persona se siente legítimamente autorizada no solo para opinar -algo sano y saludable por otra parte- sino también para juzgar, sentenciar y condenar a la más infame de las hogueras todo aquello que considere alejado de su imaginario personal o colectivo.

Más allá de la condición antropológica y sociológica de una conservadora defensa de lo conocido, esta suerte de “xenofobia musical” conlleva, al mismo tiempo, un ataque furibundo a lo ajeno y, en definitiva, a todo aquello que se ignora. Esto ocurre por dos razones, fundamentalmente:

La primera de ellas tiene que ver con lo que Arnold Schönberg -compositor de una maestría innegable, aunque no sea santo de mi devoción- manifestaba en el prólogo a la primera edición en 1911 de su imprescindible Harmonielehre: “Nuestro tiempo busca mucho. Pero ha encontrado ante todo una cosa: la comodidad”. Efectivamente, cualquier proposición -musical y artística- que se adentre en el terreno de lo desconocido -si aun hoy significa algo este término- tiene asegurado el rechazo mayoritario del espectador/oyente, ya que lo sitúa en esa parcela de lo incómodo. Y es que la creación contemporánea -la de vanguardia- solo puede ser apreciada por una minoría elitista “militante”, por un grupo de elegidos que -tras ser tocados por una varita mágica- muestran una cualidad inusual y poco valorada, aunque ligada desde siempre a la propia condición humana: el anhelo de conocer.

Quizás hoy ya no seamos tan humanos.

La segunda razón de este miedo a lo ajeno -posiblemente más relevante que la primera- hunde sus raíces en un error que afecta a nuestra manera de concebir la necesaria transmisión del saber. Este error consiste en eliminar del proceso educativo -ya seamos alumno o profesor- la creatividad, la crítica, la aventura y la inquietud, nociones todas ellas vinculadas al deseo de conocer. En algún momento, durante la educación del individuo -me atrevería a decir que, de manera más acentuada, en la etapa primaria- la curiosidad, junto a la libertad, la espontaneidad y todo aquello que no responda a un comportamiento sistematizado, homogéneo y previsible, comienza a ser castigado. El alumno teme preguntar; el profesor no desea responder.

Aunque todos estemos de acuerdo con que la educación musical favorece el desarrollo de la inteligencia cognitiva, emocional y social del individuo, no hemos encontrado todavía una “manera musical” de educar que fomente ese deseo de conocer.

Pero esto no es un problema nuevo. Yo solo insisto en ello al manifestarlo.

Sin embargo, no pretendo dejarles con una sensación tan amarga y pesimista. “A modo de esperanza” -como decía José Ángel Valente en 1955-, querría expresar una ilusión: que recuperemos ese afán inquieto por conocer y, una vez recobrado, intentemos transmitirlo a nuestros alumnos. Nada más. Y nada menos.

Según la teoría pitagórica del cosmos, los planetas y los astros, distribuidos en el firmamento de manera proporcionada, producen, al trasladarse en su devenir celestial, un continuum sonoro conocido como la armonía de las esferas. Lo curioso de esto es que somos incapaces de oír dicho evento precisamente porque está ahí desde siempre, antes incluso de nuestro nacimiento y, por tanto, no reparamos en él. Sólo si se detuviera -algo que nunca podría ocurrir sin dar al traste con más de una ley física- seríamos conscientes del vacío y el silencio absoluto que, entonces y sólo entonces, surgiría.

De esta interesante y fructífera teoría podemos extraer dos sencillas conclusiones: la primera, que el silencio no existe; la segunda, que nuestro entorno suena. Y algunos artistas nos lo han vuelto a recordar ya en el siglo XX. Hace 101 años, el pintor y compositor Luigi Russolo manifestaba en L’arte dei rumori la necesidad de atravesar la ciudad “con las orejas más atentas que los ojos”. Casi cuarenta años después, en 1952, John Cage -el mayor artista del siglo XX- cerraba la tapa de su piano con la genial pieza 4’33” para intentar que abriéramos nuestros oídos al teatro musical en el que vivimos. Hacia 1977, Murray Schafer también nos mostraba cuál era la afinación del mundo en The tunning of the World. Y hace tan sólo un par de años, la coreógrafa Anne Teresa de Keersmaeker invitaba en su espectáculo Cesena a oír el entorno, en el que destacaba sobremanera el sonido fugaz de las pisadas de sus bailarines.

Pero hoy día seguimos sin percatarnos de los acordes que componen la armonía terrenal que nos envuelve. Como diría Ramón Pelinski, mantenemos una suerte de escucha negativa a través de la que desterramos “los sonidos del entorno al limbo de los sonidos no percibidos”.

Quizás esta sordera voluntaria -o involuntaria- no sea más que un mecanismo de defensa ante la marabunta ruidosa que nos inunda cada día; pero no es menos cierto que, al mismo tiempo, evita el hallazgo de lo que convencionalmente es aceptado como ruido, un evento sonoro que puede llegar a ser más agradable, rico y delicioso que mucho de lo que -también por convención- es definido como música.

Esta sordera endémica afecta no sólo a la percepción del paisaje sonoro. También atañe a cualquier manifestación que exceda mínimamente los límites impuestos por el mercado musical mayoritario; límites que se instalan en el nivel más simple, anodino, previsible y vacuo del sistema tonal. Sobre ello volveré en la segunda parte de esta convicción nº3.

Pues bien; es un hecho que no apreciamos el ruido -ni nada que se distancie de la bobería sonora que nos invade- porque no lo aceptamos como música. Sé que la certeza de esta afirmación radica en su propia vaguedad y en una generalización con la que la mayor parte de ustedes -lectores de SulPonticello- no estará de acuerdo. Pero también sé que no me equivoco.

Nuestra cultura sonora es mayoritariamente obtusa, exigua y paleta. Y si aceptamos que el acercamiento a esta cultura de lo musical depende en buena medida también de la formación recibida durante la infancia y la adolescencia, debo declarar que en este asunto -ya sea en centros de enseñanza general o específica-, no llegamos al aprobado.

Sin embargo, y mientras el cantajuegos se extiende inexorablemente entre padres -y profesores- para hipnotizar a hijos -y a colegiales-, podemos encontrar en otras ramas de la enseñanza infantil y primaria como es el caso de la educación artística, nuevos procedimientos -en los que también interviene el sonido- que ayudan a promover un mayor desarrollo de las capacidades creativas del individuo.

“Ahí quedó”, como dirían en Sevilla por estas fechas, esta primera impresión.

Prometo volver el mes que viene con más preguntas y con pocas respuestas. Ese es el quehacer del ignorante.

Con motivo de la reposición de Pélleas et Mélisande en 1914, Claude Debussy declaró en una entrevista realizada por el crítico musical Maurice Montabré que “El público no tiene gusto. Nunca lo tendrá”. Han transcurrido cien años y no parece que esta dura afirmación vaya a perder su vigencia.

Los usos y costumbres, los hábitos culturales y de consumo han sufrido una transformación ciertamente espectacular. Nadie hubiera imaginado, ni el propio Debussy, que el público y su gusto musical iban a derivar hacia la depauperación y el aburrimiento, hacia la más absoluta autocomplacencia y la monotonía del repertorio. Siempre el repertorio. No son estados nada artísticos ni creativos, más bien nos encontramos ante un arte en diferido o un arte ya consumado y consumido millones de veces. En la actualidad no existe ni un sólo atisbo de curiosidad entre los públicos. La necesidad de escuchar algo diferente, de dejarse sorprender, de ponerse a prueba, de analizar o reflexionar sobre nuevas propuestas sonoras ha sido cercenada en aras de la comodidad y la seguridad de programar temporada tras temporada cuatro o cinco mozarts, tres beethoven, un par de bramhs, berlioz, liszt, mahler, bruckner, unos cuantos chaikovskis y algún que otro falla, ravel, stravinski, poulenc o bartók en el mejor de los casos.

Las programaciones de auditorios y palacios de la música, convertidos en museos del ancien régime, apenas dejan margen para la actualidad musical, la nueva creación y la experimentación sonoras. Desgraciadamente estas últimas ni se contemplan y no existen para la inmensa mayoría de los gestores culturales, programadores, concejales, consejeros y ministros del ramo. Tampoco para las televisiones y emisoras de radio, siempre más atentas a la tonadilla y el folclore rancio.

Todo esto me trae a la memoria unas sabias palabras de Confucio: “¿Queremos saber si un reino está bien gobernado, si las costumbres de sus habitantes son buenas o malas? Examinemos la música vigente. Se debe considerar la música como uno de los primeros elementos de la educación y su pérdida o su corrupción es la señal más acabada de la decadencia de los imperios.” Es evidente que el Reino de España no es un imperio, pero sí el hecho de que está mal gobernado y en franca decadencia dadas las cifras alarmantes de desocupación, de corrupción y de malestar social. También es evidente que la música no ocupa el lugar que le corresponde: el gobierno popular dice que sobran más de 20.000 profesores y desde la aprobación de la nueva ley educativa la música ocupa el último lugar en el sistema de enseñanza. Aplicar el máximo porcentaje de IVA a la cultura no es más que otro gesto de desprecio hacia el arte, la sensibilidad, la creatividad y la imaginación de todo un pueblo. Es patente y notorio que a este gobierno no le gusta la música, ni la poesía, ni el teatro, ni el cine, ni la danza, ni la literatura… Sólo muestra interés por el dinero. Por eso no piensa subir los impuestos a las rentas del capital, ni a los chiringuitos financieros y las grandes fortunas, ni tampoco a su gran aliada, la iglesia católica.

No obstante, una buena noticia ha convulsionado el mundo de la cultura en las últimas semanas. El consejo de ministros ha decidido que el mercado del arte necesitaba un estímulo fiscal y un apoyo especial, porque seguramente piensa que se trata de un sector estratégico para la economía española y porque produce objetos de primera necesidad para una sociedad opulenta y con buen gusto. Nada más lejos de la realidad si vemos como la sociedad española vive desesperanzada ante un futuro sin expectativas, en la que muchas familias no pueden hacer frente a la factura de la electricidad y ya se cuentan por miles las que han sido desahuciadas. Al actual gobierno no le ha temblado el pulso y ha evidenciado cuáles son sus prioridades al anteponer los intereses del mercado del arte a los de la industria cultural. En el primero se mueve mucho dinero (no siempre limpio) y está respaldado por un colectivo poco conflictivo políticamente (más bien complaciente con las élites adineradas que necesitan invertir sus excedentes en obras de arte susceptibles de futuras revalorizaciones), mientras que la segunda incomoda por sus contenidos (no siempre del gusto de quien administra los fondos públicos) y por su independencia intelectual. No está en mi ánimo buscar el enfrentamiento entre creadores o sectores artísticos, pero el retroceso que está sufriendo la cultura, en general, y la música, en particular, no tiene precedentes.

Las artes plásticas son al resto de manifestaciones artísticas lo que la energía nuclear es a las energías renovables. Mientras el lobby nuclear español ha conseguido ponerle puertas al sol y detener los molinos cuando más sopla el viento, el sector del arte celebraba con champán hace apenas un mes la rebaja de su IVA, que ha pasado del 21% a uno más reducido del 10%. Entretanto, las pobres artes escénicas, la música y el cine se hunden irremediablemente en las catacumbas de la indigencia cultural, del amateurismo asociativo y autogestionario y de los donativos.

Si por unas horas nos sintiéramos extranjeros en nuestro propio país y escucháramos la música vigente ¿qué conclusiones extraeríamos? Estoy convencido de que la primera de ellas sería la ausencia de silencio; la segunda, la falta de gusto musical. La tercera adoptaría forma de pregunta: ¿dónde se puede escuchar la música actual de este país?

Acciones como la protagonizada recientemente por el compositor catalán Josep Soler al rechazar la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgada por el Ministerio de Cultura son las que ponen de manifiesto que el mundo de la cultura no puede ni debe callar contra un gobierno que recorta y privatiza, que aplica el catecismo y la genuflexión en la educación, que relega la música a materia optativa en la enseñanza obligatoria, que considera la cultura un lujo a la que hay que aplicarle los impuestos más elevados y que desprecia públicamente su cine. La industria cultural supone en la actualidad el 3,5% del PIB (la música, el 0,49%), más de lo que aporta el sector subvencionado del automóvil.

Jugar con desventaja no ayudará a que músicos y artistas puedan vivir de su profesión y seguir creando, sin embargo, ellos no van a dejar de subir a los escenarios o de actuar en las calles (pese a que algunas alcaldesas populares intenten aplicar su mal gusto musical e impongan exámenes de idoneidad), porque ellos no van a dejar de expresar, de proponer y de decir todo aquello que necesitan expresar, proponer y decir, porque no existen impuestos, normas, decretos, ordenanzas, prohibiciones, ni leyes que puedan detener la gran marea de la creatividad y la irrefrenable necesidad de provocar nuevas experiencias estéticas que redundarán afortunada e inevitablemente en la formación del gusto y de la sensibilidad estética de los públicos.

¿Qué te ha aportado participar en el LMß?
Conocer mejor la música contemporánea.
Trabajar en equipo.
Hacer algo nuevo. (1)

Nos acercamos con este escrito a un magnífico proyecto pedagógico llevado a cabo en el Conservatorio Profesional de Música “Mestre Tàrrega” de Castellón, caracterizado por su espíritu innovador y creativo. Nos referimos al Laboratori de Música Beta (LMß), dirigido artísticamente por el profesor José Luis Miralles.

Su director artístico nos habla de la génesis de este proyecto:

El LMß (Laboratori de Música Beta) tiene varios culpables de su nacimiento: una inquietud, una oportunidad histórica y un detonante.  La inquietud surgió como resultado de mi formación pianística y compositiva. Pero si bien en la rama compositiva se nos animaba a conocer y experimentar con nuevas técnicas y estéticas; en la vertiente pianística, pese a haber estudiado algo del repertorio del s. XX y s.  XXI, el peso del currículo estaba orientado principalmente hacia la música del s. XVIII y s. XIX. Así que una vez me vi en el lugar del docente, he intentado equilibrar la balanza abarcando asiduamente la creación más reciente.

Por otra parte, tuve la oportunidad histórica de participar el 2 de Julio de 2011 en el concierto “20 años, 20 pianos“, que tuvo lugar en el Palau de la Música de Valencia conmemorando el vigésimo aniversario tanto de la empresa Pianos Clemente, como de la academia de perfeccionamiento donde realicé mi posgrado: Musikeon. ¡Para tal ocasión se realizó un concierto con 20 pianos de cola en el escenario! Ninguno de los participantes dudamos en señalar ese día como algo que nos marcó a todos.

Y finalmente el detonante del LMß surge de una laguna legal del currículum de las enseñanzas de música en conservatorios, donde se contempla una asignatura llamada Conjunto. Dicha asignatura no plantea ningún problema para juntar a muchos instrumentos de cuerda o de viento y realizar música de conjunto; aunque no es tan lógico juntar a 10 pianistas en torno a un piano en un aula, y pretender que la asignatura tenga un carácter eminentemente práctico.

Así que uniendo esta inquietud de no dejar de lado nunca la música contemporánea, la maravillosa experiencia que fue participar en un concierto a 20 pianos y buscando salidas lógicas a una laguna legal; me decidí a organizar un concierto a 10 pianos con los alumnos de esta asignatura en la Semana Cultural del Conservatorio, que se celebra de forma anual, y en la que el periodo lectivo se sustituye por conciertos, conferencias, concursos y talleres. El concierto tuvo tanto éxito que los propios participantes me pidieron (por no decir que me exigieron) repetir la experiencia, y entonces entre todos decidimos crear el Laboratori de Música ß y así seguir el camino que exploramos en ese proyecto inicial, emancipado ya de cualquier asignatura.

José Luis Miralles nos apunta el alumnado al que va dirigido este proyecto:

El núcleo inicial de alumnos que participan en el LMß surge del alumnado de 2º año de Enseñanzas Profesionales de la asignatura Conjunto Piano del curso 2012-2013, junto con algunos compañeros suyos que quisieron unirse al proyecto. Daba la casualidad de que en este curso había mucho alumnado cursando doble especialidad instrumental, así que les dejé elegir participar como pianistas o con su otro instrumento. Al mismo tiempo invité a participar a mi alumnado de piano y música de cámara, y se buscó que los instrumentos no pianísticos fueran representados por al menos dos músicos.

El proyecto está abierto a otros alumnos, aunque debido a la logística necesaria para los ensayos (local con 10 pianos) no puede crecer en exceso. De la misma forma que el número limitado de ensayos que podemos permitirnos hace que para poder participar se tenga un nivel mínimo de 2º de Enseñanzas Profesionales.

He disfrutado mucho como público espontáneo.
Realmente me parece una apuesta arriesgada
con mucha riqueza, capacidad de sorpresa y evolución.
Sinceramente apreciaría que hubiera más
propuestas de este tipo para el público en general. (2)

El núcleo humano del LMß se formó en el curso 2012-2013 con el proyecto #inCcs interpretando In C de Terry Riley. El concierto tuvo lugar el 11 de Febrero de 2013 en el hall del Conservatorio Profesional “Mestre Tàrrega” (3). Sobre las distintas actividades del LMß y su forma de trabajo, su director nos comenta:

Las actividades del LMß no son una asignatura evaluable, ni tampoco tenemos un horario semanal concreto, así que funcionamos principalmente por proyectos, es decir, una vez se ha cerrado una fecha de actuación se convoca a los participantes, se elige el repertorio (creado o por crear) y  se detalla el calendario de ensayos. Mi papel como Director Artístico del mismo es el de coordinar que todo el proceso, desde la génesis de la idea hasta la finalización del concierto, funcione correctamente. Pero desde el primer día decidí ir informando a todos los participantes de los pasos que voy realizando, así como someter a votación las decisiones importantes para hacerlos partícipes, en la medida de lo posible, de toda la gestión implícita para la realización de estas actuaciones. Con la idea de que así ellos, como futuribles profesionales de la música (instrumentistas o no), conozcan el mundo con el que se toparán al finalizar sus estudios, si quieren dedicarse a algún ámbito profesional relacionado con la música.

Actualmente, para cada proyecto se parte de una plantilla fija de 10 pianos, 2 cellos, 2 violines, 2 flautas, 1 bajo eléctrico y 1 percusionista. Y nuestra intención es centrarnos en repertorio que pueda ser interpretado por esta formación, bien sea un repertorio pre-existente, adaptado o creado por nosotros mismos.

Laboratorio, lugar de trabajo.
musica est exercitium metaphysices occultum nescientis se philosophari animi (4)
ß (beta), después de α(alfa), indica que algo está a punto para ser probado en público.

Comenzar con In C del compositor Terry Riley, toda una declaración de intenciones, como apunta su director:

El trabajo con los participantes del LMß (preferimos no usar el término alumnos) se ha  realizado principalmente sobre obras con formato abierto, donde el resultado sonoro del momento de la actuación se crea “in situ”. Si bien se está planificando incluir alguna obra de formato más cerrado, hasta ahora todo el trabajo ha sido con obras de formato abierto (in C de Riley), otras creadas colectivamente por los participantes también de formato abierto y con fragmentos de improvisación (inß) o incluso con elementos de Soundpainting (in W, de composición propia). Esto da una dimensión nueva para la perspectiva de los músicos, que aprenden realmente que la música nace de comunicarnos unos con otros. Deben en todo momento guiarse más por lo que escucha su oído, que por lo que sus ojos ven en la “partitura”.

Conjuntamente al Laboratorio de música contemporánea, dicho centro también posee otro proyecto pedagógico de singular relevancia, los Talleres de Creación Sonora. Sobre el mismo y su relación con LMß, nos comenta José Luis Miralles:

La actividad principal del Laboratori de Música ß es la realización de performances con la formación antes descrita, pero esta actividad se realiza con alumnado de Enseñanzas Profesionales. Con alumnado de Enseñanzas Elementales y en colaboración con la profesora Natalia Bort, también se han venido realizando tres ediciones del Taller de Creación Sonora en las que el alumnado agrupado en un orquesta de formación libre es animado, mediante la creación y la improvisación con su instrumento y usando nuevas técnicas instrumentales, a sonorizar los cortometrajes históricos de las Silly Symphonies producidos por Walt Disney.

Una experiencia única,
y cuando hablamos de única
es porque verdaderamente lo es.(5)

El Laboratori de Música Beta es una propuesta pedagógica y formativa de primer nivel, ocupando dicho sea de paso, un vacío existente hoy en día, donde las músicas más actuales y del pasado más inmediato, no tienen su merecido espacio. Sobre tan importante cuestión del currículum del Grado Medio, nos habla el director del laboratorio:

Hablando de mi experiencia propia como alumno he tenido la suerte de estudiar siempre con un profesorado atento a la música del s. XX (aun no existía la del s. XXI cuando yo estudiaba) pero es cierto que la inercia y el peso del currículum acentúan el peso específico de la música de siglos anteriores. La situación ideal es que no necesitara de ninguna asignatura específica, ya que en las clases de instrumento fuera tan normal tocar barroco como minimalismo, o que en historia de la música se hablara tanto de Wagner como de Boulez. Pero mientras ésta no sea la situación normal, sí que se deben tomar medidas al respecto. Se pueden crear optativas en los últimos años de Enseñanzas Profesionales que incidan en la estética y práctica de la música contemporánea, opción ya permitida por la ley. Y si las inercias no cambian con suficiente celeridad, sí que se deberían tomar medidas como la inclusión de una asignatura troncal al respecto. Pero no debemos estar tranquilos mientras la excepción, en los conservatorios, sea el trabajo concreto sobre las músicas de nuestro tiempo.

Para cerrar, José Luis nos habla de los futuros proyectos que aguardan al Laboratori de Música:

Hasta la fecha, las actuaciones del Laboratori de Música ß se han llevado a cabo dentro de eventos culturales promovidos por el Conservatorio Profesional de Música de Castellón y se han realizado las actuaciones en el hall del mismo. Pero nuestra voluntad es la de “sacar” al Laboratori y su música de este invernadero para la cultura que suele ser un Conservatorio. Y, ¿qué mejor opción que buscar la compañía del arte para ello? Los futuros compromisos (que aún no están del todo cerrados, pero es muy probable que se cierren pronto) del Laboratori de Música ß son muy emocionantes porque realmente nos acercan más a otras manifestaciones artísticas y al mismo tiempo, sabremos qué se siente fuera de los brazos protectores de un centro educativo. Por una parte, el Laboratori de Música ß actuará en la Nit del Art de Castelló, que es un evento cultural que involucra a toda la ciudad, convirtiéndola en una gigantesca galería de arte al aire libre, y para esa ocasión se está estudiando de coordinar acciones con la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Castellón. Aquí aún no nos separamos totalmente de nuestra querida cuna, el hall del Conservatorio (que comparte instalaciones con la Escuela de Arte, de ahí la búsqueda de esta sinergia), pero ya nos abrimos más al público de la ciudad y participamos en uno de los eventos culturales más relevantes del año.

Otro de los compromisos que se están terminando de concretar estos días, es la participación en la joven y prometedora feria MARTE (mar y arte) de arte contemporáneo que tendrá lugar en Castellón del 11 al 14 de septiembre de 2014. Aquí, el Laboratori de Música ß estará completamente en su salsa, puesto que compartiremos tiempo y espacio en el Palau de la Festa de Castellón (saliendo ya definitivamente de nuestra “cuna-hall” del conservatorio) y conviviremos con la creación artística de más rabiosa actualidad a nivel nacional e internacional. Sin duda alguna, dos platos fuertes que, hablando en nombre de todos, nos entusiasman y nos dan fuerzas para seguir adelante con un proyecto tan arriesgado como el de juntar jóvenes promesas de la música, música contemporánea, arte sonoro, creación propia, 10 pianos y algunos instrumentos más… en esta mezcla sin igual en el mundo que es el Laboratori de Música ß.

• Descargar DVD en PDF (código QR)
  

Notas:

(1): Palabras de un alumno del LMß.

(2): Palabras de una persona asistente al concierto del 11 de Febrero.

(3): Primer concierto.
Se interpretó In C más un bis que consistió en la realización por parte de los participantes (sin previo aviso hasta el momento del bis) de un mini-in C, tocando ellos mismos los cinco fragmentos que más les gustaban de la pieza y marchándose fuera del escenario uno a uno a la señal del director, quedándose únicamente el ritmo de la marimba para finalizar.

Segundo concierto.
Realizado el jueves 20 de Junio durante los conciertos de final de curso del Conservatorio. En el Hall del Conservatorio. Se interpretó In C de Terry Riley, más las piezas de creación propia, In W e In ß.

(4): Musica est exercitium metaphysices occultum nescientis se philosophari animi es la paráfrasis del filósofo Schopenhauer sobre una cita del matemático Leibniz, que significa: la música es el ejercicio metafísico del alma que no sabe que está filosofando.

(5): No Me Pierdo Ni Una – agenda cultural de Castellón.