La temporada estival, previa poco florecida primavera, arranca como cada año seriamente falta de novedades en el ámbito discográfico de la música contemporánea. De manera muy poco lógica (atendiendo al gremio en cuestión y a sus necesidades particulares), los lanzamientos que se suceden a mayor ritmo desde octubre hasta comienzos del año natural sufren un parón más que significativo a través de los procedimientos imitativos respecto de las majors que dictaminan, en base a otros presupuestos de marketing acertados pero fuera del alcance de los pequeños lanzamientos del avant-garde, unas fechas muy concretas de actividad, por lo que uno debe desmarcar sus ojos de parametros demasiado ceñidos y descubrir qué ocurre en otros mundos paralelos y, si se da el caso, descubrir discursos como el que propone el joven flautista Juan Saiz en sus registros, casi simultáneos en su nacimiento, “The Sound of the Caves” y “H. C. (Horse Catégorie)”.

The Sound of the Caves

Enfocado en su totalidad desde los parámetros de la improvisación libre con fuerte base tonal, el registro se presenta como un disco grabado en una cueva supuestamente natural de la que, lamentablemente, desconocemos su nombre, su localización o incluso las fechas exactas de la grabación: craso error de concepción del libreto que deja al oyente sospechando de la veracidad de una información que no se explica en ningún momento y que, ateniéndose al sonido del disco (sin duda atractivo, pero sin atisbos de la belleza que la piedra natural confiere, por ejemplo, a las pequeñas capillas del sur de Francia tan utilizados en Música Antigua o los muros de granito que se apoderan de los estudios de grabación en USA), bien podría ser cierto como no serlo. Tal vez si el autor confesara dónde se ha grabado el trabajo acabaría detenido por realizar una práctica ilegal. Uno no sabe qué pensar: planteamiento fallido de presentación que, en todo caso, sirve de pretexto para la publicación de un registro fonográfico sumamente interesante y que uno debe superar para poder apreciar lo que es importante aquí: el sonido.

Huelga decir que Saiz, saliendo a la luz justo ahora como ejecutante y compositor, es un intérprete que bien merece copar las páginas que sea necesario dedicarle hasta que su buen hacer llegue a los oyentes adecuados: en un panorama nacional falto de flautistas competentes en la ejecución de técnicas contemporáneas, su mera presencia resulta de un atractivo indudable. Y es que, obviando el trabajo de Alessandra Rombolá en un ámbito más contemporáneo y, por supuesto (aunque saltándose todos los códigos de unidad estilística del presente artículo), el quehacer del enorme Jorge Pardo, Saiz viene a cubrir el hueco que se da en el puente entre los mundos más académicos y más populares. Su lenguaje, con una asombrosa capacidad dinámica para los trinos y bisbigliandos, whistle tones, un uso económico y bien aprovechado del key noise, y una ejecución de multifónicos más que característica (y a la que saca su mejor partido cantando simultáneamente con el sonido de la flauta), se revela con el nervio del improvisador atento pero con una base académica que confiere siempre una determinada solvencia al sonido. Su capacidad de resolución ante multifónicos excesivamente inestables que no han surgido de manera fiable (algo inevitable y cuyo final más o menos feliz tan sólo depende de esta habilidad resolutiva), o incluso su brillante elección de digitaciones alternativas o recursos de embocadura (nuevamente de manera especial en los trinos, trémolos y similares así como en los glissandos / bends) lo convirtien en poseedor de un interesante lenguaje musical que se basa en una concepción de la improvisación con una enorme consciencia constructiva, temática y motívica, la cual se presenta a veces como un regalo para los oídos permitiéndole estructurar de manera coherente pistas como Laberinto de Coral o la soberbia Muro del Eco que se hundirían como titanics sin esta capacidad, pero que también en ocasiones sirve para presentar lo menos innovador del disco: un lenguaje tonal hasta la desesperación, de construcción temática cuasi barroca, que sirve no obstante para estructurar el trabajo completo de manera que facilite la escucha. No conviene ser gratuítos en este punto: un trabajo a flauta sola presenta unas enormes dificultades en su concepción y presentación, y si bien es cierto que para el oyente especializado el arranque del disco supone un problema por la falta de riesgo, también lo es que el registro se escucha en su duración aproximada de 45 minutos con una facilidad asombrosa, algo que, curiosamente, no ocurre en la misma medida en el trabajo de Saiz acompañado de conjunto instrumental, ese “H. C. (Horse Catégorie)” que, a pesar de contar con una mayor gama de recursos instrumentales y una mayor capacidad de reacción (aquí los temas han sido escritos, por lo que el contenido más o menos improvisado siempre puede aferrarse a una estructura previamente dispuesta) no consigue el mismo nivel de interés.

H. C. (Horse Catégorie)

Tal vez porque la inclusión de mayor número de medios exige de manera inherente el aprovechamiento notable de los mismos, máxime en un trabajo más orientado hacia el jazz, “H. C.” no brilla con la misma luz que “The Sound of the Caves”. No parece ser un problema de los músicos, ni desde luego de los temas compuestos para el disco, los cuales se sitúan a puente entre un jazz de corte rítmico más dinámico del habitual y que recuerda inevitablemente a joyas de referencia como el Time Out de Brubeck a través de sus secciones contrastantes y de un trabajo musical más planificado. La cuestión es que si el sonido de “la Cueva” era un sonido atractivo fuera cual fuese la premisa de su concepción, “H. C.” no supera este aspecto de manera favorable. Baterías que aparecen y desaparecen sin una justificación clara, un piano claramente descompensado en su peso sonoro respecto de la flauta principal, no alcanzan a sacar a flote el estupendo trabajo que realiza un Álex Reviriego al contrabajo. A vueltas sobre una ejecución instrumental novedosa y clara en sus perfiles motívicos, son Reviriego y el mismo Saiz el peso sonoro de un trabajo de aspiraciones camerísticas que, precisamente por ello, debiera de exhibir mayor compensación entre sus participantes tal y como la planificación compositiva parece disponer. Y, no obstante…

Es precisamente la existencia de una planificación compositiva seria como trabajo previo a la grabación lo que destaca de esta “H. C.” Resulta francamente extraño que los jazzistas nacionales lleguen a tomarse en serio dicha parte del proceso creativo, funcionando a nivel estructural exactamente igual que funcionan en las jam sessions, Real Book en mano, olvidándose de que apenas alguno de dichos temas del dichoso book fueron pensados en esos términos. Es más: es precisamente la concepción altamente funcional pero simplista hasta lo flagrante lo que hace que numerosos temas de los recogidos en el libro sagrado del jazz presenten errores desquiciantes de interpretación armónica, dado que sufren una excesiva reducción cuando gran parte de los mismos fueron cocinados en las trastiendas del musical en una época en la que los creativos sónicos, del palo que fueran, no habían olvidado los fundamentos del contrapunto. Así, evitando la sempiterna secuencia de acordes más o menos lógica desde un punto de vista funcional, ha sabido el Saiz compositor dotar al repertorio de las mismas características que conforman su propia improvisación libre a solo: alternancia entre partes de corte tonal con preferencia por conceptos tomados de la tonalidad ampliada, secciones de corte tímbrico no-funcionales contrastantes, disolución rítmica confrontada a cuadratura, elaborando un discurso que promete establecerse como una de las voces notables del panorama nacional en los próximos años.

“The Sound of the Caves” / Juan Saiz
Juan Saiz, flauta
Autoproducido, 2016

“H. C. (Horse Catégorie)” / Pindio
Juan Saiz, flauta
Marco Mezquida, piano
Álex Reviriego, contrabajo
Genis Bagés, batería
LEO Records
CD LR 760, 2016

Acabó la emergencia. El festival ENSEMS no sólo sobrevivió sino que fue capaz de reinventarse. Todos lo hemos visto y disfrutado. Llega el momento de asegurarse el futuro que merece el hecho de ser el festival más anciano y puede que emblemático del panorama patrio.

Falta hace preguntarse qué cosa, hecho o presupuesto es necesario abordar, insistir, remover o sencillamente añadir para que el futuro sea el que necesitamos.

Se impone hablar y superar la mudez de esta edición de salva sea la parte. La palabra desmenuza las escuchas, facilita su digestión. Se necesita quien presente, explique, narre, prevea, incite y hasta aplauda o “despotrique” razonada o airosamente abriendo expectativas (in)sospechadas a lo que ya llegó.

Narrar es ya sonar, transitar/repensando, y estimular. Es ya invitar a la escucha, al tiempo que llamar a la historia a presentarse con sus mejores galas y “con forza” para socorrer ese “saco de huesos” que es, o puede ser tantas veces, según Chopin, la música siempre “nueva”.

Es este un país en que la  llamada musicología (y por ende la crítica musical) arrastra el pesado fardo de un pasado eclesiástico y apenas si se atreve a meterle el diente a cuanto de agnóstico/anárquico/y/emancipado contiene el proponer sonoro de nuestros días, de ahí que una de las tareas urgentes e imprescindibles de un ENSEMS sea la de propiciar datos, claves contextuales, tecnológicas, gesticas e interpretativas para desvelar y hacer mínimamente comprensibles unas músicas –y por ende unas escuchas- como las que hoy se postulan.

Si algo así no se intenta al menos, da igual que traigamos todos los tractores del ancho mundo a sonar sus diesels en rítmico y coral acelere o frene: nada cambiará, sólo alimentaremos chistes y estereotipos y risas. Hay que cavilar públicamente y dar carta de naturaleza a cuanto gesto o situación sónica se presente para ser resuelta bordeando todo síncope o pasmo posible. De lo contrario se queda uno con lo meramente vistoido como blasfemo o romamente irreverente pero sin explicación ni sentido.

Y hablando de sentido: la música, lo que todavía llamamos música, es un ecosistema al que nada puede faltar, para hacer patente ese algo de sentido que todo proponer incluye. También programar que es incluir/destacando, como también es sobre todo dudar, tomar riesgos  y hasta equivocarse. Es también y sobre todo sonar lo que propicie plurales escuchas colectivas. Así mismo es dejar de lado –por prescindible y superfluo- un buen montón de otras propuestas archisabidas. Y a partir de ahí reflexionar sobre a y sobre b. Ya lo decía en La Ciencia de la Lógica el filósofo Hegel: “todo lo racional es una conclusión”, y narrar es conversar y hasta concluir y dar sentido, dejando huella de lo hecho/pensado/discutido/y/discurrido, por más que las escuchas plurales y públicas sean rituales y ceremonias que bordeen todos los sentidos del ser que somos. Solo así, reflexionando juntos sobre límites y dispersiones o sobre desvencijados núcleos y esencias (el sentido suele andar encriptado y hasta misteriosamente secreto) sobrepasaremos el raquitismo intelectual de nuestras instituciones de lo artístico y musical. A Valencia le urge superar –escribiendo y hablando- sus a todas luces deficientes instituciones de lo musical. Para eso, hace ya casi cuatro decenios, inventamos este parlanchín ENSEMS.

La Canyada, julio 2016.

Del otro lado del charco llega a plataformas digitales el más reciente trabajo del guitarrista argentino Ariel Elijovich, HIVERN FLORIT, un disco nuevamente dedicado a la guitarra contemplada a lo largo de su devenir a través del siglo XX y suponiendo, precisamente por ello, un monográfico más orientado hacia la música moderna que hacia la contemporánea, a pesar de lo variado de su repertorio. Así, y omitiendo un exceso de lugares comunes, Elijovich presenta un registro fonográfico cuyo principal atractivo reside en una selección de obras heterogéneas que van desde Turina hasta Gilardino, pasando por el básico Villa-Lobos o el hoy-guitarrísticamente-renacido Britten y su espectacular Nocturnal.

Peculiar en su concepción sonora –y aclarando de antemano que el término “peculiar” es aquí un rasgo positivo-, Elijovich ha prescindido de la masterización de su trabajo, por lo que el rango dinámico de la guitarra disfruta de una mayor libertad de la habitual. Nunca está de más repetirlo: determinados discos no necesitan ser masterizados en modo alguno; no es este el lugar para entrar en una cuestión tan debatida como es la del exceso de procesamiento del sonido y el asunto de si se debe mantener una mayor o menor pureza en un registro sonoro por el mero hecho de pertenecer a la llamada “música clásica”, pero lo cierto es que determinados instrumentos –como es el presente– sufren especialmente ya no sólo de los procesos de mastering sino también meramente de su sencilla y llana grabación, por lo que todo proceso que altere su registro básico siempre conllevará un aumento de ruido desastroso que aunque parece plenamente aceptado por el oído moderno, no es menos cierto que deberíamos realizar una comparativa cabal con aquellos discos antaño registrados en cinta magnética y cuyo único tratamiento técnico consistía en la pertinente compresión en el momento de su grabación para comprender la gravedad del asunto, trabajos aquellos de una factura hacia los que este HIVERN FLORIT parece haber vuelto sus ojos. No hay aquí guerra de volumen; no se busca el sonar por encima de nada; no es un disco destinado a la guerra de la música comercial (es decir, se hace cargo de para qué sirve la masterización); es un disco, el de Elijovich, destinado a una sencilla guerra cultural, la de hacer un sencillo objeto hermoso, algo ya de por sí harto difícil. Y, actuando en consecuencia, la parte que corresponde a las manos del intérprete ha sido tratada casi con igual esmero: no es Ariel un guitarrista de sonido grueso que busque una presencia constante al otro lado del micrófono sino más bien un ejecutante que posee un dominio de los planos sonoros magistral, asignando a cada parte el papel que le corresponde y realizando un ejercicio maestro en este aspecto; un guitarrista de corte americano, de sonido más liviano y menos rotundo que el europeo, aspecto este que, si bien por sí mismo y sin ningún otro aliciente podría ser un problema, él lo convierte en su elemento a su favor: una guitarra más liviana resulta más manipulable y multiplica la gama de resultados sonoros posibles, algo que le permite realizar un registro excepcional de varias de las obras aquí recogidas.

Así, si bien el trabajo realizado sobre Turina (Sonata Op. 61) y Falla (Omaggio) tal vez resulte un poco extraño para un oyente español precisamente por esta cuestión de la ausencia de un sonido más grueso, se compensa la balanza hacia el otro extremo donde precisamente este aspecto es casi reclamado: una Suite Popular Brasileira de Heitor Villa-Lobos en la que la rapidez y la claridad alcanzan un grado más que notable, partitura que aunque haya sido tratada desde una perspectiva rítmica tal vez excesivamente propensa al rubato, ofrece soluciones a determinadas cuestiones presentes en la partitura con resultados francamente magistrales. Ligados de difícil ejecución, detalles curiosos con una presencia sonora muy característica tales como cuerdas al aire ligadas a armónicos, posiciones digitadas por el mismo Villa-Lobos que dan resultados infernales y sinsentido en un buen número de grabaciones, obtienen aquí una interpretación óptima. Y es que, valga como recapitulación, la cuestión de interpretar al compositor brasileño bajo una rítmica marcada o de manera más libre es algo que jamás deja de estar sujeto a la elección del instrumentista; uno puede encontrarse con que por norma general su Concierto se ejecuta con un marcaje rítmico tan inflexible como agresivo y, acto seguido, escuchar un Chorinho (aquí, lamentablemente, no incluido, dado que al tratarse de un quinto movimiento añadido a posteriori por el propio compositor, su presencia en la suite siempre es facultativa) cuya falta de rigor es absurda a oídos del que esto suscribe; pero lo que se encuentra fuera de toda duda es que una buena solución a la difícil escritura peculiar de la Suite no es algo sujeto a consideraciones personales y esta cuestión brilla aquí con luz propia: en todo caso, quien quisiera acusar a Elijovich de falta de precisión rítmica, lo tendrá difícil ante lo que supone el grueso del disco y su parte más lograda, el trío formado por Britten, Smith Brindle y Gilardino.

Son estas tres obras de una factura más contemporánea y, por lo tanto, con mayor gama de recursos compositivos, por lo que, retomando lo ya apuntado arriba, resultan ser un campo de experimentación ideal de planos sonoros, aspecto que sobresale especialmente en El Polífemo de Oro de Smith Brindle. Nuevamente, ese mencionado sonido más que adecuado posibilita el acceso óptimo a bends, pizzicatos, acordes, y demás gama de recursos presentes en la partitura, cuyos cuatro movimientos son de un interés incuestionable para compositores y, en este caso, para los propios guitarristas (esta vez, insistiendo positivamente: semejante registro de dichos recursos no es posible ni con otro sonido – por parte del guitarrista –ni con otra grabación– en lo tocante a la producción).

Sobre la presencia de Gilardino, huelga decir que no en vano su partitura da título al trabajo completo. Es Hivern Florit una obra inmensamente atractiva cuyos tres movimientos desgranan una fuerza descomunal a través de un ejercicio compositivo brillante enmarcado en una estética ilustrativa del “retroceso estilístico” experimentado por la guitarra frente a lenguajes cronológicamente anteriores. Es aquí ese lenguaje moderno tan peculiar del instrumento, situado a puente entre un post-impresionismo con tendencia a la reducción de recursos y un moderno minimalismo, el que lleva el protagonismo y que otorga un movimiento constante incluso a la segunda sección, el tempo lento, de esta Sonata Nº 2, la cual alcanza su punto culminante en un tercer movimiento Allegro vivo e brillante transformando sus principales ideas motívicas en una orgía de acordes repetidos de una fuerza sorprendente en manos del ejecutante, y que conforma una apropiada obra de fácil escucha como colofón final a la variedad de matices de Elijovich.

Ariel Elijovich / HIVERN FLORITl
Ariel Elijovich, guitarra
PAI RECORDS / 7798041972563

No nos pondremos pesados, lo prometemos, pero no podemos dejar de comentar, aunque sin extendernos demasiado, nuestras impresiones sobre TRASHUMANCIAS.15 Encuentros Interdisciplinares, ciclo organizado por Sul Ponticello en Sevilla y Madrid, los meses de noviembre y diciembre, y que llevaba por título “El arte que podríamos hacer… si el compromiso fuera posible”, coincidiendo con el 25 aniversario de la muerte de Luigi Nono, personalidad que ha vertebrado toda esta primera edición.

Ya hablamos en nuestro editorial del pasado mes de las buenas sensaciones en Sevilla (y también de las excelentes críticas que obtuvo allí la iniciativa). En el caso de Madrid, podemos decir que la experiencia ha sido igualmente positiva, y pensamos que se han cumplido con creces las expectativas de calidad e interés que cada una de las actividades proponía. Y una gran noticia: el público ha respondido de forma muy positiva a la convocatoria, algo que en Madrid siempre supone un importante hándicap. Más todavía cuando se producen coincidencias complicadas, como la que por ejemplo ocurrió en el caso de la segunda actividad, la charla de Stefano Russomanno y Enrique Gavilán sobre Luigi Nono, que aun “compitiendo” con dos conciertos de música contemporánea a la misma hora, logró una respuesta de público que superó todas las expectativas. Sin duda son este tipo de cosas son las que nos animan a continuar.

Nos quedamos con la idea de haber podido contribuir en algo a ese diálogo de disciplinas que nos proponíamos como objetivo principal del ciclo, un diálogo que pensamos no debe ser el resultado de presentarlas juntas sino de lograr ponerlas en juego, confrontándolas de algún modo. Al fin y al cabo, en el arte todos vamos en el mismo barco, y parece conveniente que este juego, este diálogo, se produzca de la forma más verdadera posible.

Otra buena noticia es que es muy probable que, gracias a un acuerdo con la revista El Cuaderno, gran parte de los contenidos de esta primera edición de TRASHUMANCIAS.15 vean la luz en formato papel, en un cuidado dossier en dos partes que aparecerá en sus números de abril y junio de esta interesante revista cultural. Otros contenidos -sobre todo los de formato audiovisual- se publicarán en Sul Ponticello a lo largo de este año que comienza. Iremos dando noticia puntual de todo ello, tanto en la revista como en nuestro espacio de actualidad más directa, nuestra página de Facebook.

Nuevas voces

Tampoco podemos dejar de señalar dos nuevas colaboraciones que, con tanta ocupación trashumante, no habíamos podido comentar en nuestros dos últimos editoriales. Se trata de las nuevas secciones ¿Lo escuchas? y Fièvre. La primera, conducida por la artista sonora, diseñadora de sonido e ingeniera en audio Sol Rezza, nos propone una serie didáctica de textos-guía que giran en torno al hecho de la escucha. En la segunda, el compositor Hache Costa reflexionará sobre cuestiones relacionadas con la creación sonora contemporánea.

Bienvenidos sean a este espacio diverso de voces que quiere ser Sul Ponticello.

Con nuestros mejores deseos para este año que empieza, lo confesamos: no sabemos qué decir. ¿De qué hablar en el editorial de inicio de un año del que únicamente hemos vivido unas horas sino de cosas altamente convencionales? ¿Aproximarnos a lo que nos deparará un tiempo tan incierto? Carecemos del don de la videncia, y así no hay manera.

Pero de las intenciones, una declaración de nuevas intenciones, eso sí podríamos… Pues allá van algunas, aunque en enumeración simple para aburrir lo menos posible al personal en este momento crítico de la digestión de los turrones y/o la eliminación del alcohol:

1. Queremos fomentar la crítica, invitar al riesgo en la opinión.
2. Queremos implicar a otras disciplinas para que hablen de música y del hecho sonoro en general:
poesía, artes visuales, pensamiento, ciencia…
3. Queremos crear vínculos más sólidos con Latinoamérica, saber aquí más de allí, y viceversa.
4. Y una banalité: nuestra imagen en la cabecera del editorial llevará este año alusión gráfica.

Y ya, que con esto tenemos para varios años.

Eso sí, no deja de asombrarnos lo vigentes que pueden estar las palabras con el paso del tiempo. Todo parece moverse tan deprisa, a veces sin el aliento necesario que permita apreciar el sentido y valor del cambio, y sin embargo… Firmaríamos esto ahora mismo:

“El destino de una revista es hacer patente el espíritu propio de su época. La actualidad de ese espíritu es más importante para ella que su unidad o claridad; por tanto, una revista estaría condenada –como los periódicos– a la insustancialidad más absoluta si en ella no pudiera configurarse una vida con fuerza suficiente para salvar todo cuanto resulte problemático con base en su propia afirmación.”

Walter Benjamin

Bien, podemos soltarlo: estamos contentos. La acogida de esta nueva época de Sul Ponticello ha sido muy alentadora, así que estamos sinceramente agradecidos a nuestros lectores por este amplio aliento que hace posible seguir caminando en tiempos ciertamente tan difíciles. Y además de los contenidos de nuestros colaboradores, nuestra Agenda ha tenido un excelente porcentaje de visitas, así que en poco tiempo ampliará sus recursos, lo prometemos.

Pero como no hay nada más necio que la autoalabanza (algo, por cierto, abundantemente practicado en el entorno mediático), para no correr riesgos estériles, hasta aquí llegan nuestras impresiones.

Una última acotación sobre nosotros, que creemos conveniente aclarar, dado que hemos recibido alguna consulta al respecto en la redacción: debemos recordar que nuestra revista mantiene formalmente una periodicidad mensual, aunque  contrariamente a otros formatos tradicionales, es normal la incorporación de contenidos a lo largo del número, quedando integrados en nuestro sumario (obviamente completo sólo a final de cada mes). Esto nos permite un flujo más dinámico en los contenidos, por ejemplo, pudiendo incorporar un texto que no estaba previsto inicialmente para su publicación en un determinado número, por el mero hecho de ser apropiado en relación con los contenidos de ese mes.

Cambiando de tercio, el mes pasado se despidió con una pérdida que no podemos dejar de señalar, la desaparición de uno de los directores más emblemáticos de los últimos tiempos: Claudio Abbado. Un intérprete que debemos situar en la tradición italiana más humanista (si es que este término sigue denominando una vital forma de ser y estar en el mundo, pensamos también, inscritos en el contexto musical, en un Maurizio Pollini o, como no, en el campo creativo los Nono, Berio, Maderna… y ya más cerca, Donatoni, Sciarrino…). Culto, apasionado, comprometido con su tiempo y gran conocedor del mismo, Abbado fue también una de las figuras que más contribuyó a difundir la llamada “música contemporánea”.

Ya en un tono más luminoso, damos la bienvenida a la ya cuarta edición de un festival pequeño pero muy interesante, de esos de los que nos gusta ocuparnos, por sus reducidas dimensiones y su lógica dificultad para aparecer en los medios. Se trata del Festival SOXXI: Cultura i Arts Contemporànies, que tiene lugar en la localidad valenciana de Canals, y a cuyo responsable, Joan Soriano, entrevistamos en un artículo de nuestra sección Prisma.

Pero hay muchos otros contenidos interesantes. Por poner algún ejemplo, en la sección educativa Mikrokosmos, visitaremos el Laboratori de Música Beta de Castellón, donde podremos conocer una experiencia didáctica realmente interesante y comprometida, con resultados muy esperanzadores.

Y, por último, nos resulta muy satisfactorio señalar que se empieza a cumplir uno de nuestros objetivos: generar un espacio de reflexión y crítica estética, algo que será fácil comprobar pasándose por los nuevos artículos de Jorge Sad (Oido Argento), Pedro Ordóñez Eslava (En estado de ignorancia) o Josep Lluís Galiana (Plano de inmanencia).

Sirvan estas propuestas tan sólo como pequeña muestra de los contenidos que proponemos para la segunda entrega de esta nueva etapa de Sul Ponticello, que viene este mes, de nuevo, bien nutrida. Como solemos decir, en esa referencia a lo circense con la que -en lo que atañe al riesgo- nos gustaría identificarnos: pasen y vean…

Y también como el mes pasado, recordar que en nuestra página de Facebook podéis encontrar información puntual sobre eventos y nuestros contenidos, página que en absoluto desprecia un .