DOSSIER 4X4 (II): 4 preguntas a 4 compositores japoneses

En la segunda entrega de la serie de mini-entrevistas a compositores japoneses, el turno es para Takuto Fukuda, Noriko Baba, Misato Mochizuki y Karen Tanaka.

Las respuestas del Dossier 4×4 tocan muchos asuntos que intervienen en el quehacer del compositor actual: la distancia con el público, el desarrollo tecnológico, la globalización cultural, la sociedad de consumo, la crisis política y económica, etc. Pero las preguntan también propician temas concretos que nos pueden ayudar a conocer mejor una materia tan compleja como la música japonesa. Y es que a menudo podemos leer descripciones verdaderamente similares de compositores japoneses que en realidad hacen música extremadamente dispar. Para casi todos se recurre indistintamente a conceptos estéticos como el ma, wabi sabi, o a la influencia del teatro Noh, de las filosofías Zen o al contacto con la naturaleza, aspectos que, tratados de esa manera, se reducen a meros elementos exóticos que contribuyen a una “música japonesa” como etiqueta equívoca.

LAS PREGUNTAS:

1. ¿Podrías hacer una descripción de tu música incluyendo las influencias más importantes y aquello que tratas de evitar cuando compones?
2. ¿Cuál crees que es el impacto de “ser japonés” en tu música?
3. La función (y el trabajo) del compositor siempre ha estado sujeto a cambios ¿Cuáles crees que son los retos y los cometidos del compositor actual?
4. Qué respuesta obtienes al preguntarte a ti mismo: ¿Por qué compongo?

TAKUTO FUKUDA (1984)

Takuto Fukuda es compositor, artista sonoro e intérprete. Realizó el master de Sonología del Royal Conservatoire de La Haya, Holanda y actualmente estudia en la Universidad de Música y Artes Escénicas en Graz Austria.

Sus piezas han sido premiadas en varios concursos internacionales como Musica Nova (República Checa), WOCMAT (Taiwán) y CCMC (Japón), y están presentes en festivales como ICSM World Music Days (Corea) y ICMCs (Eslovenia, Grecia, EE.UU.) así como en instituciones de prestigio como ZKM (Alemania), INA-GRM (Francia) y CCRMA en la Universidad de Stanford (EE.UU.). En España hemos tenido ocasión de conocer sus propuestas en 2014, en el ciclo “Correspondencias Sonoras” del Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela de la mano de Vertixe Sonora Ensemble.

1. Mi música explora la interacción orgánica entre los instrumentos y la electrónica. Por lo tanto, aunque mi música comprende diferentes dispositivos, ya sean instrumentos solistas, ensembles o electroacústica, me centro especialmente en la interpretación instrumental con sensores, en la que los sonidos se generan en tiempo real mediante el uso de datos de seguimiento de los movimientos corporales del ejecutante; así como en la composición de música mixta, en el que los instrumentos acústicos se combinan con  la electrónica.

En cuanto a mi enfoque sobre el uso de sensores, me siento influenciado por la investigación de nuevas interfaces digitales para la interacción hombre-máquina. Con la aparición de Arduino, que facilita el diseño y construcción de un circuito electrónico, las propuestas de instrumentos sensoriales han florecido en el campo de la música de ordenador. De hecho, cada año salen muchas interfaces nuevas, como ocurre, por ejemplo, en la conferencia anual, NIME (Nueva interfaz para la expresión musical). Además, mis colegas Nick Acorne y Jonathan Carter me sugirieron tocar juntos como trío usando sensores que detectan nuestros movimientos corporales para la síntesis de sonido. Así pues construí un instrumento en el que se implementan un sensor giroscópico y un acelerómetro. Este instrumento produce variedad de sonidos dependiendo de cómo se agite o se incline. Por ejemplo, al tocar mi pieza Evolution for three sensor instruments, sacudo el instrumento para disparar ciertos eventos sonoros y cambio constantemente el ángulo de inclinación con el fin de variar las propiedades de dichos eventos sonoros. Como este enfoque demuestra claramente una interacción entre los gestos físicos humanos y los movimientos sonoros electroacústicos, éste podría ser un medio para lograr una relevancia musical entre gestos físicos humanos y movimientos sónicos.

En mis piezas musicales mixtas, estoy influenciado por mi antiguo mentor, Shintaro Imai. Él ha trabajado en este campo durante mucho tiempo. Una cualidad de sus trabajos es que la parte instrumental y la parte electrónica se entrelazan orgánicamente entre sí. Esto me proporcionó la visión de crear composiciones en las que el directo se viera reforzada por la interacción entre instrumentos y electrónica. Esta influencia se puede ver, por ejemplo, en mi pieza Assimilation para contrabajo solo y electrónica. En esta pieza, el contrabajo y la electrónica tienen notas adyacentes que se mueven heterofonicamente. Como una extensión de mi visión original para producir la interacción humano-computadora, actualmente estoy previendo crear un sistema informático autónomo basado en el concepto de Agent, que fue propuesto en el campo de la inteligencia artificial para construir un ordenador que se comporte como un ser humano vivo. Descubrí que las siguientes cuatro propiedades del Agent; la autonomía, la capacidad social, la reacción y proactiva, podrán evocar la sensación de vida a través de la demostración de interacciones relevantes entre los instrumentistas y el sistema informático autónomo en la música mixta en tiempo real. Por lo tanto, mi esfuerzo reside en la realización de un sistema que interactúe con los instrumentistas de acuerdo con esas cuatro propiedades.

2. “Ser japonés” tiene un doble impacto en mi música.

En primer lugar, el uso de la tecnología. Dado que Japón es uno de los países más avanzados en términos de tecnología, crecí entre una gran cantidad de aparatos electrónicos y dispositivos informáticos. Cuando era estudiante de primaria, tuve acceso a un PC que ya entonces me incitó a generar sonidos con él. Cuando me convertí en alumno de secundaria, el arte multimedia era popular y el uso del ordenador en las artes era tendencia. Así que fue algo natural que más tarde yo me interesase en la música por ordenador.

En segundo lugar, heterofonía. La heterofonía se ve a menudo en la música tradicional japonesa, como el Gagaku. A pesar de que no yo no sienta  influencias directas de la música tradicional, sí que estoy  influenciado por algunas músicas contemporáneas japonesas que se inspiran en la heterofonía, tales como las piezas de Akira Nishimura. Por lo tanto, los intervalos de tono adyacentes, como segundas y séptimas aparecen con frecuencia en mis piezas.

3. En mi opinión, el papel de los compositores de hoy en día es crear comunidad, una comunidad que comparta una curiosidad intelectual de experimentar algo nuevo. El desarrollo del transporte puso de relevancia la comunicación con personas que tienen diferentes antecedentes culturales con el fin de crear una sociedad íntima. La importancia de la comunicación se ha realzado aún más debido al aumento de la inmigración y del movimiento de los refugiados. En respuesta a estos fenómenos, los compositores necesitan proporcionar entornos sociales en los que las personas pueden compartir el conocimiento común, que es un fundamento de la comunicación.

Desde que la música clásica se interpreta convencionalmente en salas de conciertos, escuchar música no significa simplemente apreciar una interpretación y una composición, sino que también adquirir una experiencia común entre otros miembros de la comunidad, compartiendo el mismo tiempo en el mismo espacio. Tales experiencias comunes pueden construir una base para la comunicación, lo que provoca solidaridad en una sociedad.

Sin embargo, escuchar música hoy en día ya no significa la adquisición de una experiencia común, ya que el desarrollo de la tecnología ha cambiado significativamente nuestras experiencias de escucha. En primer lugar,  esta experiencia de escucha se ha personalizado. La aparición de la radiodifusión ha permitido escuchar música, independientemente de dónde y con quién se encuentre el oyente, que incluso puede estar solo mientras escucha una interpretación musical. La aparición de dispositivos de audio portátiles, tales como Walkman y el iPod intensificó aún más esta personalización ya que requieren un oyente que use unos auriculares que hacen señales audibles imperceptibles para otras personas alrededor. En segundo lugar, la experiencia de escucha se fragmenta. El desarrollo de los medios de grabación, como cintas y CD, y de los dispositivos de reproducción, como los sistemas de audio domésticos, posibilita a los oyentes detener y reiniciar arbitrariamente una interpretación de una pieza cuando quieran según sus propias circunstancias sin importar la voluntad de un compositor, intérprete y otros oyentes.

Aunque soy consciente de que los medios de reproducción han permitido muchos cambios positivos, creo que el desarrollo de la tecnología ha robado la oportunidad de compartir una experiencia común que podría ser fundamental para la comunicación, y como resultado el oyente está aislado de la sociedad al escuchar música. Para cambiar esta tendencia antisocial, los compositores actuales tienen la responsabilidad de despertar la curiosidad del público en la música en vivo experimentada en entornos sociales como salas de conciertos.

4. Mi misión es recuperar al público a los conciertos con un uso no convencional de la tecnología musical, en lugar de la tendencia antisocial mencionada anteriormente. Como estrategia, me centro especialmente en el fortalecimiento de la música en vivo mediante el uso de un ordenador, ya que el directo en una interpretación musical es un aspecto esencial que distingue el entorno de los conciertos y la reproducción de audio mediante el uso de un dispositivo. Por lo tanto, trabajo en configuraciones como interpretaciones con sensores y música mixta, en la que se combinan instrumentos acústicos y electrónicos. Son disposiciones que subrayan la singularidad de los eventos en vivo en contraste con los medios grabados. Creo que esto puede estimular al público para asistir a las salas de conciertos y disfrutar de la música en una situación compartida.

Actualmente estoy desarrollando dos enfoques para esa revitalización del directo. En primer lugar, la realización de un sistema informático autónomo, que pueda tomar decisiones sobre  cómo se interpreta la parte electrónica durante el transcurso de una actuación por sí mismo igual que un ser humano vivo. Creo que ésta es una propiedad esencial para lograr interacciones “vivas” entre los instrumentos y la electrónica en la música mixta. A menudo la parte electrónica de estas músicas es una reproducción de un archivo de sonido pregrabado. En ese caso, la parte electrónica simplemente se proyecta con independencia de cómo se interpreta la parte instrumental. Esta carencia de comunicación tiene como resultado una disociación entre la pieza musical instrumental y la parte electrónica. Yo llamo a esto una relación insociable. El uso de procesamiento de señales en tiempo real es una solución común para evocar el sentido de “vivo” en la conexión, ya que la interpretación del artista se incorpora en la parte electrónica. Sin embargo, este enfoque no permite al ordenador actuar antes que el instrumento. Esta incapacidad de proactividad muestra una falta de autonomía de la parte informática. Con el fin de resolver estos dos problemas, construyo sistemas que pueden reaccionar y pro-actuar sobre la parte instrumental en vivo.

En segundo lugar, la organización de las acciones sonoras tanto del instrumentista como del sistema informático autónomo mediante la asociación entre los movimientos sónicos y  gestos físicos humanos. He desarrollado este enfoque con el fin de lograr una interacción relevante desde un aspecto no temporal, sino de un lenguaje musical. Por ejemplo, la conversación “¿Va este tren retrasado?” “No, no he desayunado” no se considera un diálogo relevante a pesar de que la pregunta y la respuesta se pronuncian en un orden adecuado. Al igual que en la comunicación verbal, la interacción musical también necesita compartir un contexto con el evento sonoro anterior y siguiente. La organización de los sonidos en asociación con gestos lleva a cabo una relevancia entre las acciones musicales de instrumentos y del sistema informático autónomo.

Con estos dos enfoques, trato de potenciar el concierto en “vivo” mediante el uso de la tecnología en la música. Creo que mi intento será capaz de atraer al público para asistir a los entornos de conciertos y para crear un universo comunicable.

NORIKO BABA (1972)

Noriko Baba se formó en la Universidad nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, el Conservatoire National Supérieur de París y el IRCAM. Ha sido premiada con el NHK-Mainichi de composición, el primer premio del festival internacional de Takefu, o el Prix Georges Wildenstein de la Académie de Bellas Artes del Instituto Francés; también ha recibido becas y residencias como la Akiyoshidai International Art Village, Akademie Schloss Solitude en 2005, “Casa de Velázquez” en 2006-2008 y “Villa Kujoyama” en 2012.

Ha colaborado con el Ensemble 2e2m, Court-Circuit, Ascolta, L’instant Donné, Intercontemporain, Cairn, Next Mushroom Promotion, Pasdeloup, Diotima, Nomade, Ives, Neue VocalSolisten, Cross.Art, Meitar; presentando sus trabajos en varios festivales como Die Reich, Archipel, World Music Day, ISCM, Festival Musica, Milano Musica, o Biennale di Venezia.

1 y 2. Llegué a Francia hace más de 20 años, el primer problema con el que me encontré fue la diferencia en la expresión de sentimientos entre ambas culturas. En Japón, creemos que no hay belleza en la expresión directa de uno mismo y que, por lo tanto, todo se debe ocultar. Esto es algo que proviene de nuestra estética llamada Wabi-sabi, según la cual el concepto de belleza está asociado con imperfección, ambigüedad. Bien, pues todo esto es la base de mi música. Producir un reflejo, una sombra en la oscura intensidad de cada material y la estructura general de una composición: esto es lo que me interesa en la actualidad.

Trato de no tener barreras en lo que hago; tonal o atonal, ruidista, minimalista o espectralista, con o sin instrumentos… tan solo escribo mi propia música en un eje temporal, al igual que el contexto sin el cual perdería mi identidad, una identidad que sólo puedo expresar con lo que estoy haciendo musicalmente.

3. Mi caso es el siguiente: en la última ópera que he escrito quería realizar un sonido visual o concretamente un gesto/danza audible, en otras palabras, quería relacionar el sonido y el gesto de todos los músicos. También quise construir un vestuario audible, finalmente quería sincronizar musicalmente (ritmo, altura, …) todo el escenario. Pero yo no he estudiado danza y diseño de moda, así que le pregunté a especialistas indicándoles lo que quería conseguir, y entonces se acabó por convertir en “una colaboración” de varios artistas, el resultado nunca es plenamente lo que cada uno quería. Sentí el límite como compositora, en este contexto, tendría que haber tenido conocimiento detallado de estilismo, danza, escenografía y arquitectura. Me dije a mi misma, un compositor tiene que ser alguien que sabe como hacerlo todo!.

4. Preguntarme de dónde vengo y a dónde voy…

MISATO MOCHIZUKI (1969)

(c) Jérémie Souteyrat

Misato Mochizuki es una de las compositoras japonesas de trayectoria más sólida y activa tanto en Japón como en Europa. Al igual que Noriko Baba, su formación ha pasado por la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, por el Conservatoire National Supérieur de París y finalmente el IRCAM.

Su música, que combina elementos de tradición occidental y japonesa, se publica en Breitkopf & Härtel y comprende un gran corpus de obras sinfónicas y para ensemble. Sus trabajos, interpretados en festivales tan importantes como el de Salzburgo, la Biennale di Venezia o Folle Journée en Tokyo, le han valido importantes reconocimientos: premio del público en el festival Ars Musica en Bruselas, el Japanese State Prize, el Otaka Prize, el Grand Prize de la tribuna internacional de compositores y el Heidelberg Women Artists.

Entre 2011 y 2013 Mochizuki fue compositora residente en el Festival internacional de Besançon. Desde 2007 es profesora en la Universidad Meiji Gakuin en Tokio, y es invitada a impartir cursos de composición en Darmstadt, Royaumont, Takefu, Conservatorium van Amsterdam, etc.

1. Mi música refleja mi visión del mundo. Así que todo lo que sucede en el universo me proporciona de forma natural influencias importantes y primordiales.

2. Cómo “construyo” la forma (sin un plan) y cómo creo el sonido juntando diferentes capas para su unicidad. A ésto también se le puede llamar  “estética de la ambigüedad”, un aspecto totalmente japonés.

3. Ser consciente y encontrar una respuesta musical a la pregunta de qué y cómo su música realmente puede aportar mientras que en general la música  se ha convertido en producto de consumo.

4. Porque es una manera de expresar cómo veo el mundo, y eso es una forma de comunicarse y participar en la sociedad.

KAREN TANAKA (1961)

(c) Jeff Gerbec

La compositora y pianista Karen Tanaka estudió composición con Akira Miyoshi en la Universidad Toho Gakuen, luego con Tristan Murail y en el IRCAM en París. También estudió con Luciano Berio en Florencia. Actualmente vive en Los Angeles y es profesora de composición en el California Institute of the Arts.

Sus trabajos, publicados por Chester Music, han sido interpretados por las mejores orquestas y ensembles como la BBC Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Baltimore Symphony Orchestra, Utah Symphony, Netherlands Radio Symphony Orchestra, Finnish Radio Symphony Orchestra, Norwegian Chamber Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio France, Kronos Quartet, Brodsky Quartet, BIT20 Ensemble, y otros.

1. Mi inspiración e influencia tienen sus raíces en la naturaleza, así como en los impresionistas franceses. Me atraen las imágenes visuales, el color, la luz y la sombra. La armonía y el color son elementos importantes para mí, y tiendo a construir la música de una manera vertical en lugar de horizontal. En otras palabras, esencialmente mis ideas se basan más bien en campos armónicos verticales que en contrapuntos horizontales.

2. Siendo japonesa, de forma natural tengo en mi mente un sentido del tiempo y un sentido del vacío proveniente del  budismo. Éstos han influido en mi forma de escribir consciente e inconscientemente.

3. Hoy en día hay muchos bancos de sonido virtual de gran calidad. Así pues, uno podría crear  música hermosa tanto orquestal, como para ensembles asiáticos, de Oriente Medio o africanos, o música electrónica ambiente desde un ordenador en casa. Tenemos muchísimas herramientas, pero aún así lo más importante es tocar el corazón de alguien con la música.

4. He estado componiendo desde que era una niña. Es mi actividad natural.

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